大阪・関西万博のパビリオンでは、最先端テクノロジーを駆使した展示が数多く登場しました。来場者の感覚を直接揺さぶる体験をもたらすXRやAI、アバターといった技術を生かし、未来を「自分事」として考えさせる仕掛けが随所に散りばめられていました。こちらのレポートでは、没入型演出がどのように形づくられ、来場者にどのような感情の余韻を残したのかをひも解きます。

【ガスパビリオン おばけワンダーランド】押しつけないから届く。没入する楽しさで心に残る体験をつくり出す

一般社団法人日本ガス協会が出展する「ガスパビリオン おばけワンダーランド」のコンセプトは、「化けろ、未来！」です。展示の中心にあるのは、来場者がXRゴーグルを装着して参加する没入型の体験です。

その中心には、小学校高学年をメインターゲットに据えた体験設計があります。未来の担い手である子どもたちに向けて構築された体験だからこそ、キャラクター、XR技術、ストーリー、さらにはXRゴーグルの安全性検証まで一貫性をもって磨き込まれました。

「最大のこだわりは『楽しい』と感じられることです。体験中にこちらの言いたいことを詰め込みすぎない。伝えるべきことは体験後のゾーンで丁寧に補完する設計にしました」と語るのは、副館長の原寛之さんです。


案内役のおばけ「ミッチー」は愛嬌のあるキャラクターで、子どもたちが直感的に入り込める導線です。そもそもこのパビリオンは、小学生をメインターゲットに据えて設計されているからこそ、体験全体の解像度が格段に高まっています。

メインの体験ゾーン「化ける体験エリア」には、「バケルゴーグル」と名づけられたXRゴーグルが置かれ、説明に従いながら装着。体験がスタートすると、リアルとバーチャルが融合し、おばけの世界に没入します。一人ひとりがおばけに化けて、アイテムをキャッチしたり、協力しながら謎の巨大おばけを倒したりと、エンターテインメント性に富んだ演出が展開されます。


企業発の環境啓発にとどまらず、「楽しい体験を最初に、理解はその後に」という構成が徹底されているのが印象的でした。

「XRゴーグルは早い段階から採用を決めていました。ただし安全性と年齢要件の検証は徹底しました。専門家の知見も取り入れ、小学校低学年でも問題なく装着・体験できるかを繰り返しテストしています。その結果、難しい説明ではなく、“楽しいおばけの世界を体験する”というストーリーを通して身体感覚に落とし込める構成となりました」

見えないものを「見える化」する発想とXRの親和性は高く、子どもでも直感的に入り込めます。ワクワクを前に出しつつ、CO₂やメタンといった目に見えないものを身体感覚に落とし込む切り口が秀逸です。

体験のクライマックスでは、全員で力を合わせて謎の巨大おばけを倒します。声や動作が演出と連動し、個々の体験を超えて、参加者同士が連携。XRの“パーソナル鑑賞”を“集団体験”へ拡張した最大の肝です。

「みんなで叫んだり、同じ現象を同時に目撃したりする。身体を通した共通体験は、記憶への定着度が圧倒的に違います」


体験直後の「種明かし」ゾーンは、熱を冷ましすぎない余韻を重視。ミッチーをはじめおばけたちが、紗幕に投影され、あらためてCO₂やメタンについて解説します。XR体験で高まった没入感を、立体的なイメージで現実へとやさしく着地させる仕掛けで、理解を押し付けずに“腑に落ちる”状態へ誘います。 

そこから先は、カーボンリサイクルを核に2050年に都市ガスを100%カーボンニュートラル化するという業界ビジョンや、具体的な仕組みを映像・音・光で学習補完できる構成です。

「メッセージを言葉で伝え過ぎない、でも、伝わる。そのバランスを最後まで議論しました。会場運営も体験価値の一部です。スタッフの声かけや誘導がきびきびと温かい。予約や動線にストレスが出やすい万博環境下で、現場チームのホスピタリティは体験の質を底上げしていました。どれだけ良いコンテンツでも、最後は人。だから研修と現場運用は徹底しました」

スタッフの声かけや笑顔、衣装までもが空間演出の一部として機能していた点は、たしかに印象的。コンテンツの余韻を支えるもうひとつの演出であり、空間プロデュースにおいて忘れてはならない要素だと感じられました。

また、サステナビリティは、演出だけでなく建築の素材にも及んでいます。「解体すれば終わり、ではない。解体した“その先”を見据えた建築にしました」と原さんが話すように、外装には大阪ガスが開発した放射冷却素材「SPACECOOL（スペースクール）」を採用。外皮で熱を遮ることで空調負荷を下げる実証も行っています。

主要構造は山留め鋼材や単管パイプなど再利用前提の資材で組み、会期後はそのまま別現場に循環できる設計。半年で解体する万博建築の宿命に対し、使い回せる資材で応えています。

建築面でも持続可能性を徹底し、細部に至るまで「未来をどう形づくるか」を問い続けたパビリオン。テーマパークのような楽しい体験を入口に、言葉で伝え過ぎず、体験や身体感覚、空間全体の演出で理解を促進する――それこそが、このパビリオンが提供する最大の価値だと感じました。

【三菱未来館】深海から宇宙まで、いのちをめぐる壮大な旅

三菱未来館は、「未知なる深海から遥かなる宇宙へ、いのちを巡る壮大な旅」をテーマにした体感型展示「JOURNEY TO LIFE」を公開しました。来場者は時空を超えて移動可能なバーティカルシャトル「JOURNEY TO LIFE」号に乗り込み、深海から火星まで7,500万キロメートルに及ぶ旅へと出発しました。

物語は、地球最初の生命が誕生したとされる深海の熱水噴出口から始まります。大画面に広がる海底の映像には、暗闇の中で熱水が噴き出し、そこに生命の芽生えがあったことが描かれました。観客は自らも海底に降り立ったかのような臨場感を味わいながら、生命のはじまりに立ち会う体験をしました。

「『JOURNEY TO LIFE』では、『生命 × 科学 × エンターテインメント』を演出コンセプトに据えました。エンターテインメント性溢れる大迫力の映像は、最新の学術研究に基づいた科学的な表現を採用している点も大きな見どころ。科学がエンターテインメントの力になれる可能性を、徹底的に追求しています」

旅はやがて地球全体へと広がります。小さな生命が海を満たし、陸へ進出し、多様な生態系を形づくっていく様子が、迫力ある映像と音響演出で再現されます。こうした空間演出は、観客の視覚と聴覚を包み込み、映像鑑賞を超えた「進化を追体験する感覚」を呼び起こしました。

次にバーティカルシャトルは地球を離れ、宇宙へと飛び立ちます。到達するのは地球の双子の星とも呼ばれる火星です。NASAの観測データをもとに再現されたオリンポス山やマリネリス峡谷がスクリーンいっぱいに映し出され、圧倒的なスケール感を体感できました。さらに、未来の火星基地を訪れるシーンでは、人類が火星に生活の場を築く可能性が描かれ、いのちの旅が地球を超えて広がる未来を実感できました。


加藤さんは、演出のこだわりについて、 「人類がまだ降り立ったことのない火星。その未知なる姿を、NASAの無人探査機が収集した実際の地形データを基にリアルに再現しました」と話します。 
 
「赤茶色で覆われた地表面も、ただのイメージではありません。地表の土の色・岩の形などは、NASAの探査機が火星のあらゆるポイントで撮影した写真を参考にしました。かつてSFの世界で語られていた火星移住の夢も、今では各国が本気でその実現に向けて動き始めています。将来、最初に火星の大地に足を踏み入れる人類の前に広がるのは、まさにこの壮大な景色――科学が紡ぎ出した、リアルな火星の姿だと言えます」

展示のクライマックスでは、「なぜ地球にはいのちが満ち、火星は砂に閉ざされてしまったのか」という問いが提示され、映像に映し出される青い地球の姿は、観客に「奇跡の星」の尊さを強く訴えかけました。深海から宇宙までをめぐった後に見つめる地球は、出発前とはまったく違った意味を持って迫ってきました。


最新の映像技術と空間演出を駆使し、来場者を壮大な物語の登場人物にする「JOURNEY TO LIFE」。深海の暗闇、宇宙の静寂、そして地球の輝き、すべてが一つにつながり、「いのちとは何か」という根源的な問いを私たちに投げかけました。 

【大阪ヘルスケアパビリオン】25年後の自分と対面。「REBORN」をテーマにつながり合う体験型パビリオン

未来のヘルスケアや都市生活を体感できる「大阪ヘルスケアパビリオン」のテーマは「REBORN」。人は生まれ変われる、新たな一歩を踏み出すというコンセプトのもと、25年後の自分（アバター）と出会うという体験ができます。
 
一般的な体験にとどまらず“私だけのリボーン体験”として未来世界に入り込んでしまう。その理由は体験ルートにあると、山縣敦子さん（大阪ヘルスケアパビリオン広報・催事課長）は話します。

「自分を知る→25年後の自分に出会う→未来のヘルスケアを体験する→25年後の未来都市を体験する。この一連の流れがパビリオン全体の一体感を生んでいます」。
 
ゲストはまず、リボーンバンドを手首に装着しカラダ測定ポッドへ。約6分間で7つの項目（心血管や筋骨格、髪、肌など）を測定し、自身のカラダ測定年齢や健康状態を知ります。


その後、ドローンバスを想定した「ミライのライド」で25年後の大阪へ。窓を模したモニターには、未来の大阪の景色が流れ、期待感が高まります。降り立った未来の大阪で、カラダ測定データをもとに生成された25年後の自分と対面。目の前にいるのは自分でありながら、知らない人を見るような驚きと、新しい自分と出会ったような感動すら覚えます。ゲストの中には、想像した自分と違うからやり直したいという方もいれば、その容貌に自身の祖母の姿を重ね涙する海外の方もいるのだとか。

次に向かうミライのヘルスケア・ミライの都市ゾーンでは、さまざまな企業が、ヘルスケアに特化したブースを協賛出展。髪のケアや口腔ケア、食生活改善の提案など、各企業が独自性を打ち出しながらもPR色は一切排し、リボーンバンドを媒介とした未来のヘルスケアという一貫した体験を提供します。「リボーン体験」という世界観へのこだわりが強くうかがえる場所の一つです。
 
ブースごとに設置されたたまごマークのセンサーにリボーンバンドをかざせば、各ブースの体験が記録され、自身の健康スコアがアップ。未来の自分に少しずつ変化が現れます。


最後に向かうのは「リボーンパレード」。各ブースでの体験を経て生まれ変わった「ミライのじぶん」のアバターたちが、ダンスパレードを繰り広げます。見た目は確実に老いているのに、動きはハツラツとして楽しそう。「ラストはみんなで踊るというのがいかにも大阪らしい。活気があっていいね」との声が多いそう。25年後の自分がのびのびと踊っている姿に自然と心が躍ります。

「自分自身の健康状態を知ることで皆さんそれぞれに気付きがあり、新しく何かをやってみようという気持ちが出てくると思うんです。自分が変われば未来が変わる、世の中も変わる、世界も変わる。自分次第で、いい方向へと変わっていけるということを体験いただきたいと考えています」と山縣さん。
 
自分にも未来があることを確かに感じ、ポジティブに受け止められる。ワクワクする未来が待っていると感じられる体験でした。


【いのちの未来】いのちについて考えるきっかけに。アンドロイドを含むロボットと人間の50年後と1000年後の世界を描く

黒一色、万博会場内でひときわ存在感を示すロボット工学の第一人者・石黒 浩がプロデュースするシグネチャーパビリオン「いのちの未来」。屋上面からゆるやかにカーブした壁面が地面へとつながり、その表面を滝のように水が流れ落ちます。

テーマは「いのちを拡げる」。命の源である「渚」が水で表現され、滝の先には渓谷のように拓けた空間が。「アーチ状の入口から滝を抜けるとモニターに映るアバターが迎えてくれます。流れる水の向こう側で50年後、1000年後の世界を体感し、また水を抜けて現代へもどってくる。水は空間を切り分けるという役割も担っています」と西島亮さん（2025年日本国際博覧会協会）。

運営面で石黒先生と目指したのは184日間で得られる膨大な記録と経験を未来に残すこと。人はサポートにまわり、ロボットやアバターが主体として行う運営を実証実験として導入しました。労働力不足を補うAIアバターやロボットたちは少人数の遠隔操作で成り立つ未来を実際に実演してみせました。本番期間中に得られたデータはこの先の研究に大きな成果として役立つと信じています。


また、「50年後の未来を描くにあたって、最も意識したのは「本当にその未来が実現されている」と想起できるような未来感」だと、こちらも石黒先生、そして共創パートナーである各社との1年以上に及ぶ議論を経て作り上げられました。

館内は3つのゾーンに分かれ、「いのちを拡げる」というテーマのもと、それぞれに独立したストーリーとして構成されています。1つめのイントロダクションは「いのちの歩み」。土偶、埴輪、仏像、文楽人形に続き、最後に人型のアンドロイドが並びます。人は古来より人の形をしたものに、神聖なものや、いのち、そして希望を感じてきた。これからの未来はその希望をアンドロイドが受け継いでいくのではないか。そんなメッセージが込められています。

2つめのゾーンは「50年後の未来」。孫娘と祖母のストーリーが描かれます。人間の世界で普通にアンドロイドが暮らす世界で、現代の家族と同じように二人はさまざまな思い出を重ねていきます。孫は成長し、祖母は年を重ね人生の終わりに差しかかる。祖母は人として「ナチュラルエンディング」を迎えるのか、「自らの記憶だけをアンドロイドに引き継ぎ後世に残すのか？」―究極の選択に迫られます。

最後のゾーンは「1000年後のいのち」‟まほろば“。天高く伸びる筒状の空間で三体のアンドロイドが私たちを迎えます。私たちを受け入れるかのように大きく手を広げ、視線を合わせ、やさしくほほ笑みかける。なめらかな身体や動き、意思をもったような表情はもはや人間と何が違うのかと思うほど。日常の延長として見ていた50年後の未来から一変、神秘的な世界と命の拡がりを感じずにはいられません。

人は自ら未来をデザインし、生きたい“いのち”を生きられる、と語る石黒先生と目指したパビリオン体験は、来館者がいのちの可能性や、いのちのあり方を知り、果たして自分はどう生きていくのか、そんなことを考えてもらうきっかけになればいい、というものでした。

SNSでは「色々な視点からいのちについて考えさせられる」という感想が圧倒的に多いのだとか。自分ならどうするか、家族に何を望むか――来場後はその議論が尽きないといいます。「うれしかったのは、海外の方も同じような感想をもたれているということ。国籍や言語を超え、私たちが伝えたいメッセージが、技術を通して届いているのだと実感しました」と西島さん。命の可能性や、命のあり方を知り、果たして自分はどう生きていくのか。当事者として答えを探し、考え続けるきっかけを与えてくれる体験でした。

【大阪・関西万博レポ③】没入体験でひらく未来。テクノロジーで感覚に響かせる

1892年創業の乃村工藝社は、舞台の道具方からスタートし、商業施設・博覧会・ホテル・科学館・ワークプレイスなど幅広い空間づくりを手がけてきました。現在は企画、デザイン・設計、制作・施工に加え、運営までを一貫して行い、全国で約20施設を自社運営。年間1万件を超えるプロジェクトと600名のクリエイターによる総合力が強みです。

そんな同社が2022年に設立したのが、「未来創造研究所」です。他企業や研究・教育機関と連携しながら空間づくりのR&Dを推進。社会課題を先取りし、空間の新しい価値を実装することを目指しています。どのような活動を展開しているのか、未来創造研究所に所属するデザイナーの吉田敬介さんと鈴木和真さんに詳しく聞きました。

研究と実装を行き来しながら、空間の未来を構想する

――まず、未来創造研究所とはどのような組織なのか、教えてください。

吉田：未来創造研究所は、社会がこれから必要とする空間を先回りで構想し、実験・実装していくための研究開発組織です。いくつかの専門チームで構成されていて、メンバーの興味関心にもとづいて、多種多様なテーマで研究を進めています。

たとえば、サステナブルデザインを扱うチームでは、環境負荷の少ない素材を調査・収集し、乃村工藝社の空間づくりに実装しています。他にも、当社のミッションである「歓びと感動」について、空間と人の感情や行動について、科学的・学術的なアプローチで研究するチーム※や、センサー技術を起点に多様な人が文化体験を楽しめる展示を開発するチームもあります。傾向としては、空間と人の関係性を探るテーマが多いですね。

「空間における歓びと感動とは何か」という問いに挑む新しい研究の記録
『空間の歓びと感動学』
https://www.nomurakougei.co.jp/news/page/7407/

私と鈴木が所属する「NOMLAB（ノムラボ）」は、プロトタイピングを通じて未来の空間を研究する実験的なチームです。デザイナー、エンジニア、プランナーなど多様な専門性を持つメンバーが集まり、自ら仮説を立て、実証することを重視しています。案件が始まってから技術を探すのではなく、先に仮説を立て、試し、成果をストックしておくことで、次のプロジェクトをより高いレベルからスタートできるようにしています。

――なるほど。未来を見据えて、実験しながら答えをつくっているということですね。研究と実務の境界を越えた活動をされている印象です。なぜ、そうした活動が必要なのでしょうか。

吉田：デザイナーは常に新しい発想を取り入れながら空間をつくっていますが、同じものを繰り返しつくる仕事はほとんどありません。そのため、毎回初めて扱う技術や素材が出てきて、不確かな部分も多い。だからこそ、事前に研究として試しておくことが大切なんです。

未知の素材や技術を自分たちで検証し、手の感覚として理解しておくことで、現場で自信を持って使えるようになります。私自身、「これを自分の空間デザインに使いたい」と思いながら研究を進めています。

――2025年2月に、乃村工藝社台場本社に活動拠点「Creative Lab.」を開設されたそうですね。どのような場なのでしょうか。

吉田：Creative Lab.は、「研究」「発信」「交流」を一体化した、乃村工藝社ならではの活動拠点です。社員が空間に関する研究を行う場であると同時に、そこで得た成果を社内外に発信し、さらに外部との新たなつながりを生み出す「開かれた研究空間」として機能しています。

具体的な共同研究の実施以外にも、Creative Lab.で展示しているプロトタイプの見学や、年間を通して開催しているイベントや発表会などにも、社外の企業や教育機関、クリエイターなどが自由に参加できます。さまざまな取り組みを通じて共創の輪が広がっています。それにより、私たち自身の研究も、社内にとどまらず、さまざまなパートナーとのコラボレーションによって形づくられているのが特徴です。

マテリアルから感情解析まで、まだ見ぬ空間を多角的に探る

――具体的には、どのようなことに取り組まれているのでしょうか？吉田さんと鈴木さん、それぞれの実験や成果について伺いたいです。

吉田：私が担当しているのは、コンピューターで数値制御された工作を使ってマテリアルの可能性を拡張する研究です。たとえば、温度によって色変化する塗料を用いて、自発光でなく、解像度を持たない、マテリアルそのものがビジョンになるようなプロトタイプをつくったことがあります。

また、3Dプリントによるセラミックタイルの開発にも取り組んでおり、収縮しない焼成技術を活かして、立体的で自由な形状の内装材を制作しています。釉薬や職人技とデジタル造形を掛け合わせ、メーカーと共同で4〜5年かけて研究を続けています。

鈴木：私が担当しているのは「emograf（エモグラフ）」というプロジェクトです。表情認識から感情を推測する技術自体は一般的になっていますが、それを空間デザインに応用できないかを探っています。たとえば、人の感情によって照明や映像が変化する、体験者の心に寄り添うような空間がつくれないか。その可能性を検証しています。

――感情データを空間に生かす研究が進むと、今後どのような方向で活用できるのでしょうか？

鈴木：私の場合、二つの方向で研究を進めています。一つは、空間の課題を「感情の可視化」から発見するアプローチ。もう一つは、感情データをリアルタイムに反映させて演出を変化させるアプローチです。たとえば、国内男子プロバスケットボールリーグ、B.LEAGUEのシーズンで活躍した選手を表彰する「B.LEAGUE AWARD SHOW 2024-25」では、観客の笑顔が増えると照明が赤く変わる仕掛けを実装しました。盛り上がりの度合いをリアルタイムで可視化し、翌年の演出改善にもつなげられるデータを取得しました。

2018年から継続している研究で、百貨店やショールーム、イベントなどでも活用しています。最近では「働く人の表情」も測定し、執務空間の心理的快適さを検証する実験にも展開しています。結果として、「やっぱりそうだよね」と納得できるデータもあれば、「意外と違った」という新しい発見もある。それが研究の面白さですね。

実は、emografにおける表情認識と感情推測のプログラム自体も、社外との共同チームで開発したのですが、類似の技術は他社も手掛けており、日進月歩で進化しています。私たちは技術を開発したいのではなく、あくまでも「技術を空間に応用すること」に重点を置いています。

共に考え、共に試す。そこから始まる新しい空間づくり

――感情データを通じて人の体験そのものを設計するというのは、空間づくりの概念を拡張する挑戦ですね。クライアントワークにも、研究成果を応用しながら、より深い体験価値を提案していく流れが生まれているのではないでしょうか。

鈴木：そうですね。特に体験価値の向上という観点では、感情データを使った空間づくりは今後のクライアントワークに大きく生かせると感じています。たとえば、感情の揺れを細かく捉えることで、デザインの方向性を精緻に検証できるようになりますし、演出面では「人が一番感動している瞬間」に合わせて照明や音を変化させるような、よりリアルタイムな空間体験を生み出せると思っています。

――未来創造研究所では、どのような志向や問題意識を持つ企業・パートナーとの共創を期待されていますか？

吉田：「新しいことを一緒に考えたい」と考えていらっしゃる方と、新しい挑戦をしたいです。実際に、「技術や素材はあるけれど、それをどう体験や空間に落とし込めばいいのか分からない」という相談から一緒に考えるケースが増えています。

いまや多くのクライアントが「体験価値の向上」を求めていらっしゃいます。そのため、乃村工藝社の役割もこれまで担ってきた「内装としての空間づくり」から、「施設全体の活動そのものを豊かにするデザインをつくること」へと変化しています。未来創造研究所の取り組みは、その変化を科学的に分析し、研究成果をクライアントワークに還元するため検証する段階へと押し上げています。

私の主務はクライアントワークですが、未来創造研究所の所員としては、クライアントと受託先という関係とはやや異なり、共に実験しながら価値を見つけていく関係性を築いています。そこから新しいプロジェクトや事業が生まれることも多いです。最近では、研究をきっかけにホテルや展示空間の共創が始まることもあり、研究そのものが次のビジネスを広げる起点になっています。

研究と実践を行き来しながら、次の空間価値をどう創出するかーー多様なパートナーとのコラボレーションやオープンイノベーションを含めて、これからもその問いと向き合っていきたいと思っています。

＜本記事はPR記事です＞

edit & write : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

テクノロジーを発想の力に変え、未来の空間を生み出す。乃村工藝社のR&D拠点「未来創造研究所」

光の演出には、空間の印象を一瞬で変え、観客の心を動かす力があります。こうした体験の質を形づくる光の価値は、いま世界各地の現場で着実に進化しています。その進化を最前線で見つめてきたのが、テクノロジーを駆使した新たな表現を追求するクリエイティブ集団「MPLUSPLUS（エムプラスプラス）」のCEOとして、光による表現の開拓に取り組む藤本実さんです。

海外のフェスティバルやアートイベント、インスタレーションへの参加を通じて、光が空間と観客の感情にどんな変化をもたらすのかを探求してきました。そんな藤本さんが実体験で得た知見をもとに、イベントの企画や演出の次の一手として取り入れられる光演出のヒントをお届けします。

藤本実（Minoru Fujimoto）1983年生まれ。ダンサーとして活動しながら、神戸大学大学院でウェアラブルコンピューティングを研究、2012年3月に博士（工学）を取得。東京工科大学での教員経験を経て、2013年にMPLUSPLUSを設立。身体性を活かした光表現のシステム開発と舞台演出を手がけ、東京2020パラリンピック開会式ではLEDコスチュームの制作と光の演出を手がけた。2022年にAmerica’s Got Talentに出演。2025年4月より武蔵野美術大学客員准教授。

「光を見る」から「光の中にいる」へ。ラスベガス「Sphere」が示した没入演出の到達点

コロナ禍が落ち着いたここ3年ほど、私は多くの時間を海外の視察に費やしてきました。音楽フェス、アワードショー、クラブまで、光がどのように使われ、どんな体験を生んでいるのかを、自分の目と身体で確かめたかったからです。そのおかげで光の演出のトレンドを立体的に掴むことができました。

その中でも、強く記憶に残ったのが2023年9月にラスベガスで開業した「Sphere（スフィア）」です。建物全体がLEDで覆われ、360度の音響を備えた巨大な球体アリーナで、外壁と内部の超高精細LEDが音や演出に合わせて変化し、体験者はデバイスの装着なく深い没入体験を得ることができます。


ドームの中に初めて入ったとき、「ディスプレイで実現できる光の演出の完成形を見た」と思いました。自分の視界に入るものすべてがディスプレイで構成されているのに、不思議なことに画面を見ている感覚がまったくありません。通常なら近くで見ると分かるはずの粒状のピクセルが消え失せ、ただ圧倒的な映像空間の中に放り込まれたような感覚になりました。

宇宙船の窓から惑星を見ている感覚と言えばいいでしょうか。ラスベガスまで行くのに数十万円かかりますが、「数千万円かかる宇宙旅行をしてきた」と思えるほどの体験でした。研究者としてXRやAR、VRにも長く関わってきましたが、世界中の研究者やクリエイターが「本当はこういう体験を作りたかったのではないか」と思えるくらいの答えが、Sphereにはありました。

これまでライブ演出の世界では、ディスプレイをどれだけ大きく、高精細にできるかという勝負がずっと続いてきました。ドームツアーでも、昔は造形物やセットの中でライブをしていましたが、大きなディスプレイをいくつも配置して、アーティストの顔や映像を映すスタイルが主流になりました。

ディスプレイの大型化・高精細化がひと段落した段階になり、「その上に何を足すか」という発想が一気に加速しました。映像にレーザーを連動させたり、光線の動きと映像のモーションを完全に同期させたりと、映像演出にとどまらない試みが、世界の現場で一気に広がり始めました。

こうしたアプローチ自体は、もともとメディアアートの領域では長く探求されてきたものです。しかし、この数年で、その発想が大規模フェスティバルやメジャーなライブシーンに急速に流れ込んできました。従来はデジタルアートの文脈で行われていた表現が、メジャーシーンに堂々と登場し始めたという感覚があります。ここ最近、特にその変化を強く実感しています。Sphereでディスプレイでの映像表現が完結し、ディスプレイの外の表現が求められているのかなと思います。

世界の街とクラブで体感。光は照明を超えて、空間をつくる素材へと進化

オーストラリア・シドニー全体を舞台にした光の祭典「Vivid Sydney（ビビッド・シドニー）」でも、光表現の進化を象徴するような変化が見られました。Vivid Sydneyは、街中の建物や湾岸エリアがライトアートやプロジェクションで彩られる、世界的にも注目度の高い都市型アートイベントです。世界中のアーティストたちが新しい光表現を持ち寄り、都市空間を実験場のように使いこなします。

私が訪れた際、特に印象的だったのは、街の光の質感がこれまでとは大きく変わっていたことでした。かつては粒状のLEDが一般的でしたが、ネオンのような滑らかな光を放つLEDチューブが一気に普及し、街の光の多くがチューブ型へと置き換わっていました。

粒が見えない一本のラインとして光が流れ、建物の壁をなぞり、木々を包み込み、橋の輪郭を描き出していく。チューブの中を光が巡りながら、都市の輪郭そのものを描き換えていくようでした。点の集合としての光から、滑らかで連続的な線の光へ。街全体の解像度が一段上がったような感覚を覚えました。

もう一つ、スペイン・イビサ島にあるクラブで目にした光景についても触れておこうと思います。ステージのディスプレイからそのままLEDが天井方向に伸びていて、映像の動きが立体的な光として空間に流れ出していく演出です。映像と光が分離せず、空間の中でつながり合いながら動くことで、演出全体が一段と立体的になっていました。

クラブの中はほとんど真っ暗で、レーザーだけが動いていたんです。通常、レーザープロジェクターって壁や天井など固定された場所から照射されますが、そのイベントでは、途中から空間にレーザープロジェクターが降りてくるんです。

空間に浮かんでいるミラーボールに反射された光がフロアを照らすように、空中のまったく何もない場所からレーザーが突然放たれる。暗闇の中で、存在しないはずの一点から光の線がいきなり走り出すんです。

「レーザーは端から出るもの」という前提が完全に崩れる瞬間で、視界の中にありえない光が現れる。その違和感がとにかく強烈で、「なんだこれは……」という衝撃がありました。

その他にも、メディアアーティストのボリス・アケットの作品が話題でした。会場全体に薄い布が天井から吊り下げられ、その布がふわりと浮かび上がるたびに光が当たり、空間が呼吸しているような演出が生まれていました。

その幻想的な空間の中で、世界的アーティストのフレッド・アゲインがDJプレイをしており、映像と音が一体となる特別な体験​を創り出していました

こうしたかたちで音楽家とメディアアーティストが本格的に共演する例は、以前はそれほど多くありませんでした。これまでは、世界的アーティストであっても映像ディレクターに依頼して「巨大な画面に映像を流す」ことが一般的だったと思います。

しかし近年は、空間全体を素材として扱うメディアアーティストが、フェスやライブの現場に積極的に参加するようになり、表現の幅が一気に広がってきました。ディスプレイに映像を投影するだけのスタイルから脱し、空間そのものを変容させる演出が求められるようになったことで、メディアアーティストやデジタルアーティストの価値が大きく高まっています。

振り切り方が異次元！常識を塗り替えていく世界のライブ演出

新しさだけではなく、これまでの常識とされていた光の演出のアップデートが世界各地で起きています。「空間そのものをどう変容させるか」という発想が急速に進化し、光に関する技術の使われ方も桁違いになってきました。

この1〜2年、いくつかの現場を訪れる中で、これまで思い描いていた限界がいとも簡単に超えられていくのを目の当たりにし、「ライブとはここまで拡張できるのか」と衝撃を受ける場面が何度もありました。

その象徴ともいえるのが、まずオランダの世界最大規模のハードテクノフェスティバル「Verknipt」での体験です。2025年7月に、レーザー1000台を使ったギネス記録への挑戦が行われていました。日本では、レーザーを数十台使うだけでも「かなり頑張った演出」と言われる世界です。それが1000台です。数字だけ聞くと狂気じみていますが、現場で体験してみると、「空間を光で埋める」とはこういうことかと納得させられます。

ムービングライトの場合、一台につき一本の光線しか出せません。100台並べても100本です。一方レーザーは、一台から何十本もの線を描くことができるので、1000台もあれば1万本以上の光線が空間を駆け巡ります。暗い中に細い線だけが無数に走り、カーテンのような層になり、波のように揺れ動き、なんとも言えない感覚になります。

二次元の画像にすると、ただの光の筋の集合に見えてしまうのですが、実際には一人ひとりの観客の頭上すれすれを線が通り、前からも後ろからも横からも光がやってくる。自分の位置を少し変えるだけで、見える世界が大きく変わる。これは、リアルでしか成立しません。コロナ以降、「配信でいいよね」というムードが一部にありましたが、Verkniptでレーザーの中に立ったとき、「ああ、だから人はわざわざリアルな場所へ行くんだ」と改めて実感しました。

また、サウジアラビア「SoundStorm」は、スケールの概念を根本から変えられた体験でした。3日間で延べ20万人が集まり、会場の広さは東京ドーム20個分とも言われています。メインステージのLEDディスプレイは、私がこれまで見てきたドームツアーの横幅の、さらに倍ぐらいありました。音量もおそらく規制度外視の低周波が出ていて、ウーハーの当たりどころに立つと、体がドドドッと震えて動けなくなるような感覚になります。

ここでも使われている技術そのものは、LEDディスプレイ、ムービングライト、レーザー、火、ドローンと、特別新しいものではありません。違うのは、それぞれの「振り切り具合」です。ディスプレイのサイズは常識の倍、音量も体験したことのないレベル、ドローンは3000機で、それをブルーノ・マーズの出番前のわずか5分間のためだけに使い、夜空に巨大な拍手のマークを描いていました。

余談ですが、VIPエリアはすべて歩道橋でつながっており、何万人もの一般客とは交わることなく移動できるよう配慮されているんです。会場の作り方から演出まで、「とにかく世界最大を目指す」というコンセプトが貫かれていました。

ドレスも旗も空もスクリーンになる。光る場所を変えるだけで、体験をアップデートできる

こうした海外の現場から学びながら、MPLUSPLUSとしてもさまざまなプロジェクトに取り組んできました。

ビヨンセのツアーでは、ANREALAGEさんとのコラボレーションで柔らかいドレスそのものをディスプレイ化した「光るドレス」を担当しました。以前から光る衣装は、数多く作ってきましたが、ライブ本番で激しく踊ると壊れやすいという課題が常につきまとっていました。LEDをライン状に衣装全体に縫い付けても、ちょっと強く曲がったり、しわが寄ったりするだけで断線してしまう。

「一回踊ったら壊れる」という状況を変えたのが、「壊れにくいLED」です。リボン状のLEDを千回叩きつけるようなテストをしても壊れないものができて、これなら衣装全体にびっしりLEDを貼ることが化できると判断しました。しわになっても大丈夫、屈曲しても問題ない。そのレベルまで来て、ようやくツアー全体を通して使える「光るドレス」が現実的になったのです。

また、F1ラスベガスでは、開幕セレモニーで百人のパフォーマーが振る「光る旗」を担当しました。ここで強く印象に残ったのは、アメリカにおける旗の文化的な重みです。国歌の歌詞にもFLAGが出てきますし、カラーガードという旗を使ったパフォーマンスも根付いています。F1ラスベガスをきっかけに、世界最高峰のバスケリーグ（NBA）やアメフトのプロリーグ（NFL）など、さまざまなスポーツリーグから問い合わせが来るようになりました。

日本では「他チームと被らない演出をしたい」というニーズが強く、似たような演出は避けられがちですが、アメリカでは「他チームがやっていた演出が良かったから、自分たちもやりたい」という発想が強くあります。すでに旗を振る文化があるところに、光る旗をディスプレイ化して持ち込むだけで、自然に受け入れられる。これは「既存の文化を光でアップデートする」という、一つの有効なアプローチだと思います。

一方で、アメリカのスポーツ現場で課題になるのは、演出時間とオペレーションです。大学アメフトの試合では、選手紹介のための演出が１分、その後40秒以内に完全撤収しなければならないといったルールがあります。

そのような制約があっても使用できる6m×9ｍで、重さ35kgの超軽量のネット状のディスプレイを開発したことが強みになっています。通常のLEDディスプレイで同じサイズを作ると、電源周りを除いても1700kg近くになることもありますが、それを35kgまで落とし、スーツケース一つに収まるようにしたのです。

現場では、10人ほどのクルーがフィールドに走り込み、一瞬でディスプレイを広げて演出を行い、そのまま10秒かからず折り畳んで走って退場していきます。こうした使われ方を想定して、くしゃくしゃに丸めても壊れない構造にし、雨天でも使えるように防水性も高めています。衣装やFLAGのために長年追求してきた「小さくて、軽くて、壊れにくい」という技術を、逆転させて「巨大だけど軽くて扱いやすいディスプレイ」に応用した形です。

MPLUSPLUSが実施したドローンによる映像表現を拡張した「LED VISION DRONE」のプロジェクトでも同じ発想があります。空を飛ぶドローン自体をディスプレイ化し、空中に映像を描くことで、スタジアム全体を巻き込む演出を実現しています。ここでも、重量、電力、無線、耐久性といった制約をすべてクリアする必要がありますが、一度実現してしまえば、「空そのものがスクリーンになる」という新しい体験価値を生み出せます。

こうした取り組みを通じて感じるのは、光の演出を最大化するカギは「どこに光を持ち込むか」「何を光らせるか」を徹底的に考えることだという点です。ディスプレイの枚数を増やすのではなく、旗、衣装、巨大布、ドローン、スポーツの道具など、すでに現場に存在している「象徴」を光でアップデートする。その方が、観客の印象にも残りやすく、オンライン配信では再現できない体験につながります。

最後に、イベントの演出を手掛けている皆さんへ

海外のイベントの現場を訪れると、光の演出が「画面を見るもの」から「空間そのものを体験するもの」へと急速に変わっていることを、肌で感じます。ラスベガスのSphereで平面ディスプレイの到達点を目の当たりにし、Vivid Sydneyやイビサ島で「空間を使う光の進化」を感じ、VerkniptやSoundStormで、「リアルでしか成立しない圧倒的な体験」の価値を突きつけられました。

同時に、衣装や旗、巨大布、ドローンといった「光の器」を変えることで、演出の可能性が一気に広がることも実感しています。もし、次のイベントやライブで「去年と同じことはしたくない」「配信では不可能な体験を作りたい」と感じているのであれば、まずは何か一つ、光の新しい要素を足してみるのはどうでしょうか。大きな投資や劇的な仕掛けでなくても、すでにあるものを光でアップデートするだけで体験は驚くほど変わります。日本のフェスやスポーツなど、あらゆるイベントの場で「心が震える光の体験」が広がることを楽しみにしています。

edit & write : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

体験を塗り替える光の演出。心震える実例から読み解く最新トレンド

大阪・関西万博では、建築や演出を通じて「物語」を語りかけるパビリオンが数多く見られました。象徴的なデザインや体験型の仕掛けは、来場者の五感を刺激し、いのちや未来に対する根源的な問いを静かに呼び起こします。こちらのレポートでは、そうしたストーリーテリングを軸にした演出がどのように来場者の心を動かし、どんな思索の余白を残したのかを紹介します。

【パナソニック ノモの国】光と風に揺れる建築が印象的。「結晶」デバイスで物語に参加

パナソニックグループのパビリオンは、「アンロック・ユア・ネイチャー」をテーマに掲げています。設計を手がけたのは建築家・永山祐子氏。外観の特徴は、光沢を放つ布素材「オーガンジー」を大胆に取り入れたファサードです。資材は使用済み家電から回収した鉄や銅、ガラスを活用しています。

全面を覆うのではなく、あえて3分の1程度を揺らめく状態で残すことで、自然の風が通り抜け、光と影が揺れるように演出されています。外から見ても建築が“呼吸”しているかのように感じられ、未来的でありながら自然と調和するデザインとなっています。

パナソニックグループがこのパビリオンで狙うのは、未来を担うα世代の子どもたちが、自分の身体や感覚を解き放ち、「自分を突き抜ける」体験を得ることです。そのために、展示は単なる鑑賞型ではなく、身体感覚や五感を刺激する仕掛けを随所に施しています。
     
制作プロセスにも子どもたちを巻き込み、企画段階から参加してもらう試みも行われました。子どもの想像力や発想を展示に取り入れることで、未来に開かれたパビリオンとしての姿勢を体現しています。「ノモの国」総合プロデューサー原口 雄一郎さん（パナソニック オペレーショナルエクセレンス株式会社）は、次のように話します。

「子供たちは本来自分のやりたいことや興味を持っていても、社会のルールや思い込みで抑えてしまうことが多いと感じます。今回のパビリオンを通じて、そうした感覚を解き放つきっかけになればと思っています。これまでパナソニックとして若い世代の課題に深く寄り添う機会は少なかったので、パビリオンを通じて、研究者や技術者が直接子供たちと接し、新しい気づきを得られることを目指しました」

「ノモの国」の内部に入ると、ピンク色の光の粒が床や壁に投影され、まるで身体ごと映像世界に溶け込むような没入感。足元に広がる光の粒が来場者の動きに呼応することで、自分自身の存在が空間とつながっていく感覚を得られます。こうした体験は「自然と人間の境界を溶かす」ことを意図した演出であり、五感を通じてテーマを直感的に理解できるよう設計されています。

「最初のステップとして五感を研ぎ澄ます体験を重視しました。立体音響、振動、ミストなどを用い、普段は意識しない感覚を引き出す設計にしました。映像だけでなく身体を使って感じる演出を重ね、心象風景をデザインしています。また、個々の感受性によって異なる体験ができるよう、色や形を固定せず、多様な解釈ができる空間づくりにこだわりました」

「カガミイケ」を通じて“物と心が映り鏡になる世界”という異世界感を演出。来場者に渡される結晶のようなかたちをしたデバイスは、パビリオン体験の鍵です。自由に触れて“パワー”を貯めるように働きかけられます。持ち歩くことで、自分の存在が空間と相互作用し、映像や音響の反応を生みます。大滝のようなミストウォールをくぐる場面では、結晶に映る光が変化し、物語の進行を視覚的に実感できます。

「『結晶デバイス』にはIT技術を組み込み、個々の行動や周囲の状況を記録・分析できるようにしています。電子機器に見えないよう美しい形状にこだわり、来場者がワクワクしながら体験できる工夫をしました。個々の選択や行動の違いがデータとして結晶デバイスに蓄積され、160種類以上の固有体験を楽しめるようになっています」

未来の世代に向けて「技術は人を自然から切り離すものではなく、むしろ自然とのつながりを深めるものになり得る」というメッセージを発信している「ノモの国」。未来を見据えながら、今を生きる身体を解放し、自然とのつながりを再発見する――それが、パナソニックグループのパビリオンが来場者に届ける体験です。

【EARTH MART】食の可視化で理解を深める。いのちの循環と未来の食卓

シグネチャーパビリオン「EARTH MART」は、食を切り口にいのちの循環や未来を考える場として設計されています。テーマ事業プロデューサーの小山薫堂氏は「食を通して、いのちを考える」ことをコンセプトに掲げ、日々の食卓を超えて世界規模の課題や希望を体感できる空間を構想しました。

来場者をまず迎えるのは、全国各地から集められた茅で葺かれた大きな屋根です。隈研吾建築都市設計事務所が監修し、熟練の職人によって仕上げられたこの屋根は、自然との循環や共生を象徴しています。複数の屋根が重なり合う造形は、まるで市場の賑わいを思わせ、入場の瞬間から「食が人を集める場所」というテーマを感じられる演出になっています。


展示は大きく「プロローグ」「いのちのフロア」「未来のフロア」「エピローグ」に分かれます。

「巨大スクリーンのアニメーションから始まる『プロローグ』では、食といのちの循環を映像で示し、来場者を物語の世界へ誘います。続く『いのちのフロア』では、普段の食卓にある食材がどれほど多くのいのちに支えられているかを体感的に理解できます。」（実施制作統括プロデューサー）

「一生分のたまご」では、日本人ひとりが一生で約2万8000個の卵を食べるという事実を、空間いっぱいに並ぶ卵で表現。さらに「いのちのカート」では、日本人が10年間で消費する食料の体積を巨大なショッピングカートで可視化し、来場者に圧倒的なスケール感を与えます。

「データを数字だけでなく、空間全体で感じ取れる展示にこだわっています。言葉による説明ではなく『食べることはいのちをいただくこと』という実感を持っていただくように工夫しています」（実施制作統括プロデューサー）

後半の「未来のフロア」では、伝統と最新技術が交わる空間演出が際立ちます。「未来を見つめる鮨屋」では、すきやばし次郎の小野二郎氏が養殖魚を握る映像と共に、カウンターを模した空間に来場者を迎え、鮨文化の未来を考える場を演出しています。

また「進化する冷凍食」では、凍結粉砕技術で食材をパウダー化し、新しい主食や料理として提示。透明なケースに整然と並ぶ“粉末化された食材”は未来の食品棚を連想させます。「味を記憶し、再現できるキッチン」では、調理プロセスをデータ化して再現する技術を、実際の調理台を模した展示で紹介し、時間や場所を超えて「同じ味」を共有する未来像を描いています。

展示の終盤には、子どもたちが考えた「未来のお菓子」や、日本発の食文化を世界に発信する「EARTH FOODS 25」が並びます。さらに、実際にパビリオンで樽に漬け込んだ梅干しを25年後の2050年に開封する“食のタイムカプセル”という長期的な仕掛けである「万博漬け」が、空間全体に未来への祈りを刻み込みます。

最後の「エピローグ」では巨大な円卓を囲み、来場者同士が「食を分け合う喜び」を共有できるよう設計されています。映像と照明が融合した演出の中で、食がもたらす心のつながりを全身で感じ取ることができます。

最後に、「EARTH MART」の出口には「Welcome to EARTH MART」という言葉が掲げられています。通常であれば入口で見かけるはずの言葉をあえて出口に置いたのは、「展示を出たその瞬間、この地球こそが真のEARTH MARTである」というメッセージを伝えるためだそう。

来場者にとって特別な体験は、日常へとつながる行動のきっかけになってほしい──そんな思いが込められています。細部にわたって、展示と生活世界がシームレスにつながるような工夫に強い一貫性を感じるパビリオンでした。

【PASONA NATUREVERSE】アンモナイトからiPS心臓まで。「いのちを大切にしたい」思いを醸成する

「PASONA NATUREVERSE」のテーマは「いのち、ありがとう」。あらゆる生物のいのち、過去からつながるいのち、未来へと続くいのちへの感謝がパビリオン全体で表現されています。外観はアンモナイトを模した螺旋形状。その先端には人とテクノロジーの象徴といえる鉄腕アトム。ウェルビーイングな社会づくりを実践するパソナの拠点、淡路島の方向をアトムが指さしているのも知る人ぞ知るポイントです。
「NATUREVERSE」とは「ネイチャー」と「ユニバース」から成る造語で、同パビリオンでは、時空を超えたブラック・ジャックの手によってiPS心臓を埋め込まれて再生した「ネオアトム」と、まさにその手術を施した「ブラック・ジャック」のナビゲートにより、自然とテクノロジーを融合させた未来世界を体験します。
最初に足を踏み入れるは「生命進化の樹」内部。「過去があるからこそ未来があるんです」と小沢 達也さん（NATUREVERSE総本部 万博本部　副本部長）。
「過去から未来を0～10の層が重なる一つの大きな木で表現し、その幹から伸びる枝が次の空間へとつながり、未来世界「NATUREVERSE」へと続きます」。今生きているわずかな時間しか知らない私たちに、太古からはるか遠く未来まで続く大きな時間の流れに目を向ける最初の場として有効な役割を果たしています。

あとに続くのは、世界最大級の宝石のように輝く天然の「アンモライト」や、今回一番の話題となっている「iPS心臓」の展示です。過去のいのち、未来のいのちと、一つひとつの展示に生命そのものの存在を感じ、今こうして生きていることを意識させられます。
ただゆらめいているようにも見える小さな「iPS心臓」。じっと見ていると確かに自らの意思でドク、ドク、ドクと動いているのが分かります。自分の拍動と重なるような錯覚すら感じ、私の心臓も同じように動いているんだという不思議な感動とともに、徐々に心が動き出します。

続く未来の医療を体感するブースでは、「空飛ぶ手術室」が山奥や離島にも駆けつけ、「自走型マイクロロボット」という小さなロボットがデータをもとに動いて患部を治療するという未来の手術方法を紹介しています。    
 
また、電極シールを体の部位に貼り、脳神経から出る信号をキャッチして体を動かす「HAL」という医療用装着型ロボットや、実際にベッドに横になり体感できる「未来の眠り」ブースなど、目で見て、体験できるブースが続きます。信じられない気持ちと、こんな未来が待っているのかという高揚感で、どのブースでもゲストのどよめきが。あまりの驚きに最後には自然と拍手が生まれるほどです。

クライマックスを飾る映像ショーでは、NATUREVERSEの世界が描かれ、「戦争や環境破壊など、自分勝手な行いをしている我々人類が、真に豊かな社会、「ありがとう」が響き渡る世界「NATUREVERSE」を作り上げていくためには一体何が一番大切なのか。そして、今自分たちにできることは一体何か。ネオアトムとブラック・ジャックがこのNATUREVERSEショーでそれらの問いの答えを導く手助けをしています」と小沢さん。

キューブ型ディスプレイの動きに、音と映像が連動し、最大で高さ16mもの天井が織りなすアンモナイトの内部空間とスクリーン映像とが一体化。ブース全体が一つの惑星のように感じられ、地球の破壊と再生がよりリアルに。目の前の映像とシンクロするように悲しみ、喜びと、ここでもまた心が変化します。


 「まだ見ぬ未来NATUREVERSEの世界を体感することで、「いのちを大切にしたい」という思いを一人ひとりがもち続けられる。メッセージを届けるというよりも、心に働きかける、そんな世界観をつくることができたのではと感じています」。

 なお、会期終了後に同パビリオンは淡路島へ。移設しやすいようトラス構造を用い、解体した部材は軽量かつ人一人が抱えられる大きさにと、サスティナブルな工夫も施されています。

【アオと夜の虹のパレード】主人公と感情がシンクロする、水と空気の感動スペクタクルショー

いのちを壮大なスケールで描くスペクタクルショー「アオと夜の虹のパレード」。ウォータープラザには中央の巨大モニュメントに組み込まれた「ウォーターカスケード」をはじめ、約300基の噴水、照明やレーザーなどさまざまな演出装置が設置されています。水、空気、光、炎、映像、音楽を駆使し、水やモニュメントに映像を投影。「水と空気」をテーマに、主人公の子ども「アオ」と島に住む奇妙な生きものたちの出会いが描かれます。

何十億年もの昔、この星に生まれ姿形を変えながら海、空、大地、生きものをめぐる「水と空気」。地球のすべてを見てきた水と空気に未来のヒントがある。そんな想像がウォーターショーの出発点なのだそう。

アオのおばあちゃんが口ずさむ伝承歌「にじまつり」で物語は幕を開け、私たちはアオとともにおばあちゃんの静かな語りに耳を澄まします。


そして、アオと奇妙な生きものたちとの出会いから、祭りへと物語は移行し、全ての演出が一斉に加速。祝祭のにぎわいが会場全体をお祭りムードに。ショーを見ているというよりも、アオと同じ景色を見ているような感覚で、その世界観に一気に引き込まれます。

続く場面では一転、ドラゴンの出現により生きものたちのいのちが消滅し、あたりは静寂に。そこへ再び聞こえてくるのはアオによる「にじまつり」の歌。それをきっかけに生きものたちがよみがえります。出会いの高揚感から喪失の悲しみ、そして復活の喜びへ。アオとゲストの感情がリンクし、気が付けばゲストもショーの一員です。

一方で、技術面のこだわりはというと、その水位が一番のポイントだといいます。
「大阪湾から高台の位置にあるショー実施エリアのウォータープラザまで海水を引き込んでいるため、潮位による変動はないのですが、ベストパフォーマンスのショーを見せるために最適な水位レンジがあるんです。それが1センチ違うだけで見え方が変わってくる。さらには、ウォータープラザ内の水循環量も一定に保つ必要があり、だからその調整を毎日、毎時間行っています」と話してくれたのは現場の運営責任者。

「ウォータースクリーンは水面ギリギリに噴水ノズルがあり、水面が上昇すると左右の拡がりがきれいに見えないんです」と話すように、素人目には分からずとも、ちょっとした差が見え方に影響するため、水位の調整に苦労するのだとか。ほかにも天候はもちろん、風の向きや速度などによって噴水量の調節も欠かせないといいます。実際の運営にあたっては、繊細な努力の積み重ねがショーを盛り上げ、ゲストの感動へとつながっていることを改めて実感しました。


【大阪・関西万博レポ②】物語と象徴で心を揺さぶる。いのちと未来を描くストーリーテリング演出

レストランはじめフードカルチャーを牽引してきたトランジットグループから派生したトランジットクルー。少数精鋭でスタートした小さなケータリング事業が、いまではラグジュアリーブランドからも厚い信頼を寄せられる「体験プロデュースの会社」へと成長しました。

同社が大切にしてきたのは、ケータリングを料理の提供で終わらせないこと。ブランドの世界観やイベントのテーマに合わせて、食・音楽・空間・キャスティング・サービスを一体としてデザインし、「その日ならではの体験」をつくり上げてきました。

そのこだわりと姿勢は、どのようにして今のトランジットクルーを形づくってきたのでしょうか。CEOの藤阪敏至氏と、キャスティング部事業部長・宮本昌浩氏に、これまでの歩みと、これから描く未来について伺いました。

ルーツは数人のケータリング事業部。「得意×好き」が事業領域を押し広げた

――まず、会社の成り立ちから教えてください。

藤阪：もともとのルーツは、トランジットグループの「ケータリング事業部」にあります。カフェとレストランの運営から派生するかたちで、ケータリングを手がけるようになりました。ただ、当時は「お店の延長線で外にも料理を持っていく」という感覚に近かったですね。

その後、大きな転機になったのが、ホテル事業として手掛けた「CLASKA（クラスカ）」です。ホテルのギャラリーを使ったウェディングやイベントが急激に増え、ケータリングの規模が一気に大きくなりました。ホテルのキッチンが、そのままケータリングのメインキッチンになっていったイメージです。

――そこから、現在のトランジットクルーへと分かれていったのですね。

藤阪：トランジットクルーとして法人化したのが2008年です。当時、「店舗部門とイベント部門をきちんと分けた方がいいのではないか」という議論があり、ケータリング事業部の子会社化が決まりました。

事業領域は、最初からきれいに設計されていたわけではなくて、いい意味で「人のキャラクターに引っ張られて広がってきた」というのが正直なところです。会社がまだ本当に数人規模だった頃、集まっていたメンバーのバックグラウンドや興味がそのまま事業を押し広げていった、という方が近いですね。

前任の代表は元・大手百貨店の出身で、興行やイベント企画のノウハウを持っていましたし、当時は音楽事業部も存在していて、CD制作まで手がけていました。そのメンバーは今も一緒に仕事をしていて、音楽事業部がそのまま「キャスティングチーム」へと変化しています。アーティスト手配やパフォーマーのコーディネートなど、イベントに不可欠な“人の演出”を担う部門として成長した形です。

こうした「個の得意」がそのまま事業になっていく流れが重なり、ケータリングだけではなく、空間演出、キャスティング、ディレクション……と、総合的にイベントをプロデュースする現在のスタイルが自然と形成されていきました。

――ケータリングだけではなく、「イベント全体を仕立てる会社」へと変わってきたわけですね。

藤阪：そうですね。クライアントの中には、料理の彩りの葉一枚まで、どう使うかオーダーされるクライアントもいらっしゃいますし、コレクションテーマと食の世界観をどうつなぐかを問われることもあります。ただ、クライアントは必ずしも「食のプロ」ではありません。だからこそ、私たちの重要な役割は、ブランドの世界観を食という体験に落とし込む「コンセプトメイク」です。

また、クライアントが明確な世界観ややりたいことを持っているケースもあります。その解像度に合わせてケータリングも設計しなければ、「記憶に残る食」にはならない。イベント自体は楽しかったけれど、食事の記憶が残っていないと、帰宅後に家族や友人に話題として共有されることもありません。食もまたイベントの「フック」でなければいけない、というのが私たちの基本スタンスです。

アカウントチームがブランドの意図を咀嚼し、キッチンチームがゼロから100まで料理として立ち上げ、現場のサービススタッフがそれを120％に引き上げて、お客様の前でプレゼンテーションする。その一連のプロセス全体が、私たちのケータリングなんです。

食・演出・サービスを一体化する。理想を体験に翻訳することで違いを生む

――「空間を彩る」というコンセプトを掲げられている理由について、詳しくご説明いただけますでしょうか。

藤阪：ケータリングは、いわゆる「仕出し」のように、料理を届けて終わりというイメージが強いですよね。そうしたスタイルのサービスは多いと思います。もちろん、おいしい料理だけを提供できる会社は、世の中にたくさんあります。

一方で、私たちが向き合っているのは「食そのもの」だけではなく、音楽や内装など、さまざまなクリエイティブが交差するイベント空間です。その中で、食は空間を彩る大きな要素になり得ます。

だからこそ、料理の味だけで完結させるのではなく、給仕するスタッフのビジュアルや所作、サービスのオペレーションも含めて「一つのクリエイティブ」として設計する。食を通じて、空間全体の体験をデザインしていく、というのが私たちの基本的な考えです。

社内には飲食の現場経験が長いメンバーが多く、いただくオーダーも食を起点にしたものがすごく多いんです。イベント全体のオーガナイズやプロデュースをご依頼いただく場合でも、「食から派生して広がっていく」案件が多いですね。

――トランジットクルーのケータリングは、色味やデザイン、場との調和を含めて「何か違う」と感じます。その違いはどこにあるのでしょうか。

藤阪：私はサービス側の人間なので、どちらかというと「人」が空間に与える影響を重視しています。たとえば、サービススタッフが醸し出す空気感や、お客様にどう話しかけるのか、どう振る舞うのか。そうしたコミュニケーションや所作こそが、空間を彩る一番の要素になると考えています。

宮本：トランジットグループ全体がファッション領域に強いバックボーンを持っているので、その影響も大きいと思います。私はずっと飲食ですが、藤阪はファッション寄りのバックグラウンド。キャラクターがかなり違うんですよね。

私自身、飲食店で働いていた頃に初めてケータリングの現場を見に行ったとき、昨日のパーティーと同じメニューがそのまま出ている光景を目にしたことがあります。そこに「イベントとしての工夫」を感じることはできません。

私たちが大事にしているのは「同じメニューを出さない」「同じ見せ方をしない」ことです。来場者が座れるのか、立食なのか、テーブルの配置はどうかなど、会場条件やゲストの属性によってメニュー構成や提供方法を変えていきます。

藤阪：私たちの得意領域で言えば、オペレーション、ホスピタリティ、コミュニケーションを通じて、クライアントが形にしたい世界観をきちんと具現化していくこと。これは間違いなく強みだと思っています。

それから一つはっきり言える差別化要素があるとすれば、「ファッションへの感度」です。宮本のように、食のバックボーンがありつつ、ファッションにも強い興味を持っているケータリングの人間って、実はかなりレアケースなんじゃないかと思っています。

私たちの場合、ファッションのバックグラウンドや感度を持つメンバーがいることで、「ブランドとして何を表現したいか」をかなり高い解像度で理解し、それを食やサービスに翻訳できている。クライアントも、「トランジットクルーに伝えれば、ブランドとして表現したいことを汲んでくれる」と感じてくださっているのではないかと、勝手ながら思っています。

――時代のニーズやトレンドを取り入れたサービス提供も重視されている印象です。そうした姿勢を支えるポリシーや企業としてのスタンスがあれば教えてください。

藤阪：トレンドは、常に意識しています。ただ、私たちが売っているものはあくまで「食」と「サービス」です。世の中にはさまざまな形のクリエイティブがありますが、私はサービスも料理も企画も、すべてクリエイティブだと考えています。

クリエイティブと表現すると聞こえはいいかもしれませんが、正直なところ「面倒くさいこと」をいとわない覚悟が必要になります。今の時代、Webやチャットツールを使えば、多くのことが効率よく進められます。ただ、テキストだけのやりとりは一方通行になりやすく、温度感が伝わりにくい。だからこそ、私は「とりあえず会いに行く」「電話をする」といったアナログなコミュニケーションを大事にしています。

特に若いメンバーには、「面倒くさいことを面倒くさがらずにやろう」とよく伝えています。そこにこそ、本当のニーズや機微が隠れていることが多いからです。

宮本：少し視点がずれるかもしれませんが、企業理念やポリシーの話でいうと、トランジットグループ創業者の中村が書いた『中村貞裕式 ミーハー仕事術』という本が象徴的かなと思っています。私たちは、「ミーハーであること」を肯定している会社なんです。

イベントの仕事は、いつも最新のものに触れる仕事でもありますよね。浸透しきったものではなく、「今これが来ている」「まだ誰もちゃんと形にしていない」ものを扱う。それを面白がれるかどうか。

食でも同じで、話題になっている店があればとりあえず行ってみる。「なぜここまで人気なのか」を、自分の目と舌で確かめに行く。お腹を満たすためではなく、情報収集として動くメンバーが多いです。

藤阪：宮本の話に付け加えると、私たちの役割は、ミーハー的に最先端を追いかけるだけでなく、クライアントの「変わらない核」を理解した上で、今の時代に合った形で表現し直すことです。表面的な流行をなぞるだけなら、誰にでもできてしまう。

だからこそ、自分たちのフィルターを通して解釈し直し、「らしさ」を加えた上でアウトプットしていく。そのひと手間が、トランジットらしさなんだろうなと思っています。

タレント性が現場をつくる。多様な人材の魅力と新領域への挑戦

――トランジットクルーには、「多彩なタレント性を持つ人材」が多いと伺いました。具体的には、どのような方々が働いているのでしょうか。

藤阪：現場でサービスを担当するメンバーは、本業を別に持っているケースが多いです。俳優、モデル、ミュージシャン、アーティストなど、それぞれが自分の夢を追いながら、トランジットでも働いてくれています。「やりたいことがある」「自分の世界観や軸を持っている」という時点で、すでにタレント性を兼ね備えていると思うんです。

そういう人たちを、イベントスタッフとして動かしていくことで、初めて立ち上がるタレント性がある。無秩序に見える個性を、一本のラインで束ねると、独特のエネルギーが生まれる感覚があります。

――そうした方々が現場に立つと、どのような違いが出てきますか。

藤阪：一番は「出す空気」が違います。一人ひとりの個性と自信の積み重ねが、「トランジットに任せれば安心」という感覚に繋がっているのかなと思います。

宮本：キャラクターの強さはもとより、表現力や接客への興味がすごく高いメンバーばかりです。そういう人たちは、お客様をよく観察して、自分から一歩踏み出して動いてくれることが多い。細かく指示しなくても、ひと手間かけてくれるところが、現場で効いていると感じます。

――採用やキャスティングも、「トランジットクルーらしさ」に合うかどうかが重要になりそうですね。

藤阪：「トンマナを合わせる」という言い方をしていますが、キャスティングチームは、一人ひとりのキャラクターや適性を現場のフィードバックからログ化しています。ホスピタリティが高い人、オペレーションに強い人などを10項目ほどで見える化しています。

そのため、「イベントのサービススタッフに10人必要」というときでも、基本はバイネームでアサインします。自社でキャスティングチームを抱えている意味は、内面や相性も踏まえて最適な現場に送り出せることだと思っています。

――ケータリングやイベント事業とは別に、ドアマン事業も手掛けていらっしゃいますが、こだわりについて教えてください。

藤阪：ドアマンは、ラグジュアリーブランドのアパレルショップの入口に立つ存在で、「ブランドの顔」です。イベントスタッフとは違って一人現場が基本なので、きちんとしたマニュアルを用意しています。

ただし、型にはめるというより「ブランドが大切にしていることをどう体現するか」を共有するイメージです。マネージャーはメンターのように日々対話し、不満や悩みにも耳を傾けながらクオリティを維持しています。

誰でもドアは開けられますが、「どれだけ美しく、世界観にふさわしく、そしてお客様とのファーストタッチを大事に接するか」がドアマンの仕事。指先ひとつの動きで印象が変わります。そこまで含めてブランドの一部だと捉えています。

――最後に、今後の挑戦について教えてください。

藤阪：ケータリングはファッション・車・ビューティ領域を中心に17年続けてきて、ノウハウをかなり蓄積してきました。今後はそれを生かして「スポーツホスピタリティ」に力を入れていきたいと思っています。

オリンピック以降、スポーツとホスピタリティを掛け合わせた取り組みが増えており、テニスやゴルフツアーなどにも少しずつ関わり始めています。スタジアム全体の運営ではなく、VIPルームなどラグジュアリーなスポットで、これまで培ってきたサービス力を生かしたい。「価格勝負ではないチーム」としてマーケットの一部を担いたいと考えています。ラグジュアリー領域でしっかり価値を出し、業界全体の底上げに少しでも貢献できればいいなと思っています。

スポーツ以外の領域もさらに伸ばしたいと考えています。受付、誘導、ゲストエスコート、場内ディレクションなど、イベントを構成するオペレーション領域全体をトランジットのコンテンツとして強化していきたいです。

キャスティングチームはこれまで人を供給することがメインでしたが、今後は「運営そのもの」を受けられる体制にも挑戦したいと思っています。食・音楽・ドアマンだけでなく、イベントの動線設計やフロアマネジメントなども含めて、トランジットらしい体験設計の提供を目指していきます。

＜本記事はPR記事です＞
edit & write : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

トランジットクルー　会社HPはこちら

クライアントの世界観を体験に変える。食を起点に唯一無二の空間をデザインするトランジットクルーのクリエイティブ力

2025年4月13日から10月13日まで開催された大阪・関西万博では、建築や空間そのものが強いメッセージを発する展示が多く見られました。都市や森、海、循環といった普遍的テーマを、素材や光、音響でダイレクトに表現し、言葉より先に感覚で理解できる工夫が際立ちました。こちらのレポートでは、空間や建築を通じて未来を表現していたパビリオンの特徴を紹介します。


【BLUE OCEAN DOME（ブルーオーシャン・ドーム）】（NPO法人ZERI JAPAN）光と音と水が一体化した没入空間。海洋問題を「体感」として刻む

「BLUE OCEAN DOME」は、海の蘇生をテーマに、海洋プラスチックごみ問題を正面から扱う、唯一のNPOによるパビリオンです。設計は世界的建築家・坂茂（ばん・しげる）氏が手掛け、３つのドームは竹の集成材、炭素繊維強化プラスチック、再生紙の紙管で造られています。館長の代島裕世（だいしま・ひろつぐ）氏は次のように語ります。

「軽量かつ強靭な建築は、環境負荷を最小化しながらスケール感を生み出し、内部の演出を最大限に引き立てる舞台装置となっています。特にDome B は軽くて頑丈な炭素繊維強化プラスチックを用いた構造で、建築材料としては世界で初めての試みです。大切にしたのは、ドームに足を踏み入れた瞬間の没入感です」


最初に足を踏み入れるのは、持続可能な竹を集成材にした空間Dome A。そこには、水が盤面を自在に流れているインスタレーションが展示されています。白い天板から様々な表情を見せる水滴が上から下へと流れる様子は、蒸発、雨、川、湖を経て海へ戻る水の循環を表現。空間全体に静かで穏やかな雰囲気が漂います。

「耳に届く水音や、柔らかな光のゆらぎは、人間の原初的な記憶を呼び覚ますものです。最新技術ではなく、自然そのものを演出の核にしたのは、観客の身体感覚を揺さぶるためです」

演出の中心となるのは、Dome Bです。直径10メートル、約1200万個のLEDチップを2.5mmピッチという細かさで配置した半球体の超高精細ディスプレイを設置。地球の映像からはじまり光が織りなす映像は圧巻！言葉を排し、音楽とビジュアルのみで語りかけます。


一般的なイベントや商業施設で使われるLEDビジョンは、屋外で6～10mmピッチ、屋内でも3〜4mmピッチが主流。さらに今回のように、平面ではなく半球体構造に高密度で搭載するためには、技術的にも難易度が高く、非常にコストのかかる挑戦といえます。それでもDome Bがこの規模にこだわったのは、「圧倒的な映像体験で観る人に強烈な印象を残し、海洋の危機に気付いてほしい」という強い願いがあったからです。


約7分間にわたるフルCG映像では、海面を覆うプラスチックごみや、汚染された水中を漂うウミガメが描かれ、深刻な海洋環境の現状を訴えかけます。北海道知床出身の女性ボーカリスト、ハチスノイトの魂に直接触れるような力強い歌声が、作品の感動を何倍にも増幅させていきます。

「Dome Bの映像は、観る人のトラウマになるぐらい、インパクトのある映像表現を目指しました。汚染された海洋で力強く生きる生物の姿を気高く描いており、心に深く刻まれるはずです。“楽しかった”で終わらず、忘れられない感覚を持ち帰ってほしい。感情と体感を結びつけることで、行動変容につながると信じています」

体験のラストは叡智をテーマにしたDome Cの「BLUE OCEAN STUDIO」へと続きます。映像と空間演出で揺さぶられた後に、研究者や活動家と対話することで、感情を知識へ、知識を行動へと変える導線が用意されています。プレゼンテーションの撮影映像はYouTubeでも配信されています。

「展示が一方通行で終わらないことを大切にしました。心を動かす空間演出と、行動を促す場づくりを一つの流れとして結びつけています」


NPOが発信する海洋の環境問題という抽象的なテーマが、観客一人ひとりの「体感」として記憶されるBLUE OCEAN DOME。建築・光・水・音を総合的に駆使し、人間の感覚に深く訴えかける空間を実現しています。


【住友館】未知なる森を冒険する。リアルな体感から自然との共生を学ぶ

約400年におよぶ歴史の中で、森と共に歩んできた住友グループ。長きにわたり大切にしてきた森をテーマに創り上げたのが、今回の「UNKNOWN FOREST」体験、人間の知らない未知なる森を知る冒険です。
「環境保全や絶滅危惧種の保護など、自然への課題は数多くありますが、その関係性を考える時、中心はいつも人間です。けれど、そもそも森は人間とは関係なく生態系が成り立っています」と話すのは、住友館の総合プロデューサーを務める株式会社PARADEの内藤純さんです。
 
動物や昆虫や植物、多種多様な生きものが共生し、互いの個性を認め合っていきいきと森は輝いています。だからこそ、まずはそんな森本来の姿を知ろう、そこから「UNKNOWN FOREST」が始まったと語ります。
 
「UNKNOWN FOREST」は二部で構成され、リアルな森の空間体験からスタート。風の力を宿したランタンを片手に、古より森を見守ってきたマザーツリーの声に導かれ森へ。ひとたび足を踏み入れると、ひんやりとした心地よい空気が体を包みます。森のもつ独特の空気感をミストにより演出、そこに鬱蒼とした木々が合わさることで、より視界は暗く霧がかり幻想感を増幅。ランタンの灯りさえ幻想的なものに。さらに見渡すことのできない暗がりが、どこまでも果てなく森が続くかのような錯覚を抱かせます。
 
また、静けさの中に響く音楽とともに動物、鳥、虫の声、植物が揺れる音、風の吹く音など、さまざまな音響を重ね聴覚を刺激することで、心も森の中へと引き込んでいきます。



森に道案内やキャプションは一切なく、どこへ向かうのも来場者の自由。同じ森にいても、同じ森を見ているとは限りません。

中には、見つけた人だけがたどり着ける秘密の部屋のような空間も。「SNSでの話題性も狙った空間づくりをしました」と内藤さん。朝から昼、夕、夜へと森の時間は流れ、見える景色も刻々と変化、同じ場所でも演出が変化することで、広い森に迷い込んだ感覚に陥ります。


ランタンには、来場者それぞれの行動に呼応し、語りかける仕組みが施されています。ランタンが振動すれば、立ち止まって周囲を見渡しながら耳を澄ます。すると、森に息づくさまざまな生きものたちの「いのちの物語」が聞こえてきます。森の中に隠された光る切り株や光る枝にランタンを置けば、隠れていた動物や生きものたちが姿を現します。

森で見て、聞いて、感じた「いのちの物語」が次に待つ「パフォーミングシアター」へとつながっていきます。マザーツリー誕生の軌跡とその最期を見届けるクライマックスの物語。舞台はレイヤー構造で、手前には紗幕スクリーン、次に風を表現する演者と舞台装置、奥にはLEDビジョンの3層。シアター全体が森の中のように感じられる場面もあれば、外から森を覗き込んでいるような場面も。
 
「人間を含むすべてのいのちは何かが欠けている。足りないからこそ、助け合って未来に向かって生きていかないといけない。人間も大きなものの一部でしかない」という、マザーツリーのメッセージがより心に迫ります。



「日本にはたくさんの森が存在します。実際に森に足を運んで、そこに生息する動物や植物の生態系を知り、いのちの大切さを知っていただくきっかけになれば」と内藤さん。「UNKNOWN FOREST」体験を通して、森の物語の一部になったような没入感を体験できるパビリオンでした。

【日本館】日常では見ることのできない「循環」の追体験が、持続可能な社会を考えるきっかけに

経産省が出展する日本館のテーマは『いのちと、いのちの、あいだに』。「人間だけでなく、全ての動物、植物、もの、社会さえも、役目を終えると何かに受け継がれ、形を変えながら新しく生まれ変わる。そんな『いのちと、いのちの、あいだ』に目を向け、つながりの中にある“循環”をこのパビリオンでは体現しています」と白川 輝幸さん（日本館参事）。

「円環状の日本館を一巡することで、自身も循環の一部であると気づき、持続可能な社会に向け何ができるかと考えるきっかけとなれば」と話します。
日本館を作るのは円環状に並べられた巨大な木の板。板の合間からは、パビリオン内部を垣間見ることができます。境界線をあえて設けず、内と外を緩やかにつなぐ自然との融合を意識した造りは、建物全体で「あいだ」を体現します。中心はあえて空洞にし、ぐるりと回遊する動線とすることで、来場者が常に「循環」を意識する工夫が施されています。


日本館はプラント、ファーム、ファクトリーの3エリアで構成され、円環は大きく3つに分かれます。エリアとエリアをつなぐイントロダクション部分には、円錐状の大きな砂時計を展示。「いのち」から「いのち」へ生まれ変わる様子を視覚的に表すとともに、来場者の学びとなる内容を明確化し、メッセージとして提示しています。1つの循環が終わると、また次のいのちが生まれるイントロダクションへとつながり、再び新しい循環がスタート。何度も循環を繰り返すような感覚を覚える空間が演出されていました。

日本館の別名は「ごみを食べるパビリオン」。プラントエリアでは、万博会場で出た生ごみを微生物の力で分解、水やエネルギーを生み出し、「ごみ」から「水」へと循環させます。展示だけでなく、実際にごみの分解を行うことで、目に見えない「循環」が確かにあるという実在感を来場者に示します。

日本館の中心にあるひらけた空間には、生ごみから生まれた水が入った巨大な水盤。館の中心にはあえて何も置かず、意味をもたせず、ただただ純粋に循環を感じてほしいという思いが込められています。


また、プラントエリアには注目を集める「火星の石」の展示も。隕石の一部に実際に触れることができ、配布されるシリアルナンバー入りの観覧証明カードは万博の思い出に。

次に向かったのは藻類にスポットライトを当てたファームエリアです。藻類は、食料源や石油に代わる燃料源、CO2を吸収する、化石燃料の過度な依存や食料不足を解決し得る存在として期待されていますが、世間的な知名度はまだまだなのだとか。「あれ藻 これ藻 それ藻」と題したくすっと笑えるイントロダクションや、藻類に扮したハローキティの展示など、藻類の魅力を広める工夫を随所に感じます。
また、ファームエリアには光エネルギーを吸収し、少量の水で藻類を育てる装置「フォトバイオリアクター」を設置。スーパーフードとして注目を集める藻類「スピルリナ」を実際に培養します。作り込まれた本物の展示が、より来場者の関心を高めていました。 


最後のファクトリーエリアで展示されるのは日本の「循環型ものづくり」。ヨーロッパでも近年、話題となっていますが、日本では古くからその精神が受け継がれています。建築やモノづくりなど、あえて「やわらかく」作ることが生まれ変わりへの第一歩。「竹籠」の構造をヒントに生まれたサッカーボールなど、日本の伝統的発想から生まれた「技術」や「もの」の素晴らしさを感じました。また、日本館のあちこちに置かれたスツールは３つの座面をつないで組み立てられたもの。藻類とバイオプラスチックを合わせた特殊な素材を用い3Dプリントで制作、あらかじめ解体しやすいように設計されています。


力をしなやかに受け止め、古くなれば簡単に解体し新しいものに作り替えられる。日本館に使用されている木（CLT合板）は再利用しやすいようにと、ニスなどは使用せず加工は最小限に。会期終了後、ユニフォームはリサイクルされる予定です。「はじまりもおわりもない循環というストーリーを展開しています」と白川さん。
 
「開催国ということで、日本古来の技術や精神を示すことがホスト館としての役割だと考えています。今回の万博で体験した記憶が、少しでも行動を変えるきっかけとなり、次の世代へと受け継がれていけば…というのが日本館として一番の願いです」。


【イタリア館】都市そのものを舞台に、ミニマルな演出で真の芸術が静かに心を揺さぶる

イタリアのパビリオンは、建築家マリオ・クチネッラによる設計で、「L’Arte Rigenera la Vita（芸術が生命を再生する）」をテーマに掲げています。ルネサンス期の理想都市を現代的に再解釈し、劇場、広場、庭園といった都市の象徴的空間が連なり、来場者を包み込む建築そのものがイタリアの文化的アイデンティティを体現しています。持続可能性や社会的再生への問いを投げかける設計は、万博の理念と響き合っています。

来場者が最初に足を踏み入れるのは、コロッセオを思わせる没入型劇場。イタリアのアートや文化を紹介する映像を視聴した後、映像を映していたビジョンが扉となり、次の空間「広場」へと導かれます。


「広場」には、天井に大きな木製飛行機の模型が吊り下げられています。これはローマから東京まで100日以上をかけて航行した飛行機の骨格を復元したもので、かつての長く困難な旅と、それを通じて育まれた交流の記憶を呼び覚まします。


広場の中心に位置するのは、ナポリ国立考古学博物館から貸し出された2世紀の大理石彫刻「ファルネーゼ・アトラス」です。巨人アトラスが天球儀を担ぐ姿は圧倒的な存在感を放ち、来場者を古代から現代へと導きます。

また「making with the hands（手による創造）」と名付けられたエリアでは、デジタル、クラフト、先端製造、科学、芸術が交差するアトリエ体験が展開されています。モレスキンのノートと折り紙を重ね合わせた展示は、イタリアの職人技と創造力を示しています。


産業展示ではフェラーリのブレーキシステムやピアジオのスクーターなど、イタリアを代表する製品が紹介されています。さらに屋上にはレストランと開放感のある屋上庭園が広がります。

歴史、美術、未来、産業、食文化――イタリア館はそれらを一つの物語として編み上げ、訪れる人々に「いのち」と「再生」の意味を問いかけます。ローマから日本大阪へとつながる友情の航海、古代のアトラス像、そして現代のイノベーションが有機的に結びつき、「文化と未来をつなぐ舞台」として記憶に残る展示空間でした。

【大阪・関西万博レポ①】空間が語りかける。建築と演出が生み出す唯一無二の体験

ティーライブはイベントプロデュース事業とソーシャル事業を軸に、人と人がつながる時間を創り出してきた制作会社です。展示会やプロモーションイベント、補助金関連事業など、一見異なる分野に見える事業領域に共通するのは、「人のために働く」という姿勢。創業から25年、人を信じ、人に頼られる存在を目指して歩んできたティーライブの軌跡と、これからの挑戦について、取締役の植木徳彦氏と小森優樹氏に伺いました。

創業当初から変わらない「人が好き」という想い

——まず、御社の概要や創業の経緯についてお聞かせください。

株式会社ティーライブ　取締役　植木徳彦氏（以下、植木）：当社は2000年に創業して以来、イベントやプロモーションの企画運営を中心に活動してきました。設立のきっかけは、創業メンバーの平野はクライアント側の立場 、根本は電通側の立場 として、お台場の大型施設のオープニングプロジェクトに携わったことです。「またいつか一緒に何かやりたいね」と意気投合し、当社の創業に至りました。お互いに強く創業を志していたわけではないのですが、タイミングとご縁が重なってティーライブが生まれました。

——社名の「ティーライブ」には、どのような意味が込められているのでしょうか？

株式会社ティーライブ　取締役　小森優樹氏（以下、小森）：「ティー」は東京を、「ライブ」は「生き物としてのイベント」を意味しています。加えて、社名には直接反映していないものの、企業理念として大切にしているキーワードが「ネットワーク」です。

イベントの現場は、決して一人で完結するものではありません。クライアント、協力会社、スタッフなど、あらゆる関係者との連携によって成り立っています。また、当社が入居するビルには同業他社も入っており、プロジェクトごとに自然とチームを組む関係性が築かれています。お互いの強みや得意分野を補い合いながら動く、いわば「横のネットワーク」が日常的に機能している環境です。

こうした背景を踏まえ、「東京で元気のいい人たちが集まり、ネットワークを作る」会社を目指して、「東京ライブネットワーク」＝「ティーライブ」と名付けました。

——企業理念に「人が好き」という言葉を掲げられていますが、社員の皆さんでどのようにその価値観を共有されているのでしょうか？

植木：「人が好き」とは、イベントという仕事の本質を表している言葉です。10人いれば10通りのアイデアがあり、誰しも失敗を重ねます。私たちは、それぞれの違いや不完全な部分をストレスと考えるのではなく、化学反応が生まれる面白さだと捉えています。

「ハプニングを楽しもう」という言葉は、社内でもよく使っています。イベントの現場では、予想外のことが起こります。だからこそ、それに柔軟に向き合い、楽しみながら「より良い解」を探す姿勢が必要です。お客様を楽しませるには、まず自分たちが楽しくなければいけない。そういうマインドセットが、ティーライブの根底に流れているんです。様々な化学反応を乗り越えながら、一緒にイベントをつくりあげていく過程こそがこの仕事の醍醐味です。


小森：植木の話にあったように、楽しむ姿勢はとても大切にしています。ただ、それを言葉で指導したり、社内ルールとして定めたりはしていません。一人ひとりが楽しんでいる姿を見せることで、それに共感してくれた仲間が同じ方向を向いてくれたらいい。そんな空気を大切にしているのです。

植木：イベントの仕事はシステム化や効率化が難しく、いまだに人の手を必要とする部分が多くあります。どんなにテクノロジーが進歩しても、人の関与なしには成立しません。これをネガティブに捉える向きもありますが、私たちはむしろポジティブな面に注目しています。機械では代替できない、人の感性や気配り、場の空気を読む力こそが不可欠です。だからこそ、「人」という存在を大切にしてきました。


正反対に見えるイベントと補助金事業。共通するのはやはり「人」の存在

——ティーライブは、イベント事業・ソーシャル事業を柱にされていると伺いました。それぞれの事業の特徴や強みを教えてください。

植木：イベント事業は、展示会やプロモーションイベント、企業の周年事業などを中心に幅広く手がけています。私たちの役割は、クライアントの「こんな場をつくりたい」という想いを、記憶に残る時間として創造することです。出展者と来場者が出会い、次につながる瞬間をどう演出するか。私たちは、その場にいる全員が楽しめる「共感をベースにした体験づくり」に最も力を入れています。

小森：ソーシャル事業は、主に補助金制度に関連する事務局業務を担っています。いわば「制度と人をつなぐ橋渡し役」ですね。この事業は、2009年に始まった家電エコポイント制度 をきっかけに、様々な補助金のサポートをする事業として現在に続いてきました。特に立ち上げ期の事業では、制度設計そのものに関わることもあり、丁寧で確実なオペレーションが求められる事業です。

イベント事業は「瞬間の勝負」です。一つひとつのプロジェクトが短期間となっており、感情に訴える要素が強い。一方、ソーシャル事業は、1年から3〜5年といったスパンの長い案件が中心で、感情というよりは制度と丁寧に向き合う姿勢が求められます。

植木：どちらにも共通しているのは「人のために働く」という視点です。誰かの役に立ちたい、困っている人に寄り添いたいという思いが、社員一人ひとりの行動指針になっています。

——イベント事業とソーシャル事業、いずれも「人のために働く」という視点が大切にされているのですね。そうした価値観が表れる、御社らしい文化やエピソードがあればぜひお聞かせください。

植木：たとえば、ある博覧会の現場で、毎日足を運んでくださる聴覚障害のあるお客様がいらっしゃいました。スタッフはその方の顔を覚え、自然に手話で挨拶するようになったのです。マニュアルにない、気持ちを通わせるような小さな関係の積み重ねこそが、私たちの仕事の価値だと思っています。

また、バンコクでの日本人アーティストのライブでは、お客様とともに一体感のある熱気に包まれました。国や言語が違っても「楽しい」を共有する空気が生まれる。そうした瞬間に、イベントの力と私たちの存在価値があると感じます。

小森：制度運営においても、申請者の顔が見える瞬間があります。直接「ありがとう」とおっしゃっていただける場面に遭遇したときは、「普段処理している書類の先には、ちゃんと人がいるんだ」という実感を持てるんです。仕事を通して誰かの役に立っているという感覚は、私たちの原動力になっていると思います。


楽しむ空気を生み出すことで広がる信頼の輪

——現在、特に力を入れている取り組みについて教えてください。

植木：最近は、海外との接点がさらに増えています。2005年にタイ法人を設立して以来、東南アジアを中心に現地案件を手がけてきましたが、今では中近東の企業からもお声がけいただくようになってきました。東京の本社にはタイや台湾出身のスタッフもおり、グローバルな現場にも対応できる体制が整っています。

こうした国際的な現場を経験できることは、私たちの強みの一つです。外国語で話しかけられても物おじせず、コミュニケーションをとれる。そんな人材が社内に増えているので、これからは日本だけにとどまらず、もっと広く世界に出ていく機会が増えていくと思っています。

小森：また、ここ数年は、まだ広く知られていないスポーツや文化活動へのサポートにも力を入れています。たとえば、若者に人気のスポーツ「パルクール」 の大会運営支援や、アーティストのシシド・カフカさんが手がける即興打楽器のライブプロジェクト「el tempo（エル・テンポ） 」にも立ち上げ段階から関わっています。こうした取り組みを通して、「面白いものを一緒に広めていきたい」と考えています。

植木：他にも、女子ラグビーのチーム「TOKYO SANKYU PHOENIX」のスポンサード や、国際人権NGO ヒューマン・ライツ・ウォッチのチャリティディナー「Voices for Justice」など、多様な活動にも関わらせてもらっています。「こんな分野にもティーライブが関わっているんですね」と驚かれることもありますが、その幅広さがむしろ私たちらしさなんだと思っています。

——お二人のお話から、メンバー一人ひとりが主役になるような組織を目指されているのが伝わってきました。そうした組織を通して、今後どのように業界や社会に価値を届けていきたいとお考えですか？

小森：創業から25年経ち、健全な世代交代も意識しています。若い世代が年齢や経験にかかわらず挑戦しやすい、風通しの良い組織づくりを進めることが、会社の新たな体力になると考えています。

植木：そして、私たちが目指しているのは、会社の名前で仕事が来るのではなく、個人の名前で声がかかるような状態です。「あなたにお願いしたい」と言われるメンバーが増えていくことが理想ですし、そのほうが本人もやりがいを感じられるはずです。

——これから業界や社会に対してどのような価値を提供していきたいと考えていますか？

小森：私たちは、業界を変えようという野心的な目標を掲げているわけではありません。でも、人に頼られる存在でありたいという想いは、ずっと変わらず持ち続けています。業界がどうであれ、目の前の人のために何ができるかを考えて行動する。それを積み重ねていくことで、自然と信頼の輪が広がっていくのではないかと感じています。

植木：イベントは、誰かが仕掛けて終わりではなく、誰かと「共に」つくっていくものです。お客様も、クライアントも、関係者も、みんなで楽しむ空気をどう生み出すか。その視点を持ち続けることで、イベントの可能性はもっと広がっていくはずです。そして、「ティーライブと一緒に何かやってみたいな」と思ってもらえたら嬉しいです。

＜本記事はPR記事です＞

write：takako minoshima
edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

ティーライブ　会社HPはこちら

人を想う心が成長の原動力。ティーライブが届ける共感と信頼の体験

2025年に設立85年を迎える日展は、博覧会や展示、イベント、文化施設など、多彩な分野で空間づくりを担うプロデュース企業です。時代の変化にあわせて事業領域を広げ、近年は「全員がプロデューサー」として幅広い案件に対応できる体制を整備。営業・デザイン・制作が一体となり、スピードと柔軟性を兼ね備えた提案を可能にするとともに、社員一人ひとりが専門性を磨きながら成長を重ねています。85年の挑戦の軌跡と、次の時代に向けた展望を伺いました。

文化・商業・イベント――85年の歴史に磨かれた体験を創造する力

――まず、創業当初の事業内容についてお聞かせください。

本社事業本部 副本部長兼開発プロデュース部部長 矢野明彦氏（以下、矢野）：当社のルーツは1923年に神戸で創業した「三共装飾社」で、大正時代から活動していました。その後、社名を株式会社日本展覧会製作配給社とし、略して「日展さん」と長らく呼ばれていたそうです。

1941年に株式会社日展を設立したとき、当時の主力は「巡回展」と呼ばれるパネル展示でした。90センチ角のパネルに写真や解説、ジオラマを組み合わせて設置し、組み立てては解体し、次の街へ運ぶ。そのようにして日本各地で文化や情報を伝えていました。SNSやテレビがない時代ですから、巡回展は地域に暮らす皆さんにとって貴重な体験の場だったようです。

その後、太平洋戦争の時代は、戦意高揚を目的とした巡回展を担当していました。国内のみならずアジア地域まで出向いたという記録も残っています。戦後は需要が途絶えましたが、復興博や勧業博が開催され、当社も参画しました。

また、百貨店の催事場を借りて文化的な展示を行ったことが、のちに文化施設事業へとつながっていきます。当時の百貨店は、時代の先端を行く存在でした。宣伝部の方とともにフロア全体の計画を立て、展示を通じて多様な業界の知識を学びました。この経験が文化施設や商業施設への進出につながりました。

――時代とともに、展示の形が大きく変化していったのですね。現在は、博覧会を数多く手がけていらっしゃいますが、大きな転機はいつ訪れたのでしょうか。

矢野：やはり1970年の大阪万博です。当社は「お祭り広場」のイベントを担当しました。当時の社員が、お祭り広場の上から紙吹雪を降らせていたという話は、今でも語り継がれています。それまで展示は「品物を並べる」ことが中心でしたが、万博では「体験を創り出す」ことが求められました。

大阪万博をきっかけに展示業界全体が社会に認知され、当社にとっても飛躍の場となり、沖縄国際海洋博覧会（1975年）、筑波国際科学技術博覧会（1985年）、愛・地球博（2005年）と数多くの博覧会でパビリオン展示や製作に携わってきました。

――お客様からの依頼に真摯に応えてきたことが、成長の礎になったのだと感じます。事業拡大の背景には、どのような戦略があったのでしょうか？

矢野：戦略を立てる前に、お客様から「これできますか？」と相談を受けて、「やってみよう」と取り組んでいく中で自ずと事業が拡大していった、というのが実情です。もちろん、必ずしも全部が順調だったわけではありません。商業系の事業が調子の良い時期もあれば、文化系の事業が好調な時期もある。ただ、多方面のジャンルにわたる仕事をさせていただいたことで、ある領域が落ち込んでも一緒に倒れてしまうことはなく、結果として長く続けてこられたのだと思います。

言葉にならない思いまで汲み取る「丁寧な仕事」の流儀

――イベントや展示を作るうえで「価値ある体験の場を創造すること」を大切にされているそうですが、どのようなポリシーがあるのでしょうか？

本社事業本部 デザインセンター 統括部長 平井裕公氏（以下、平井）：空間をデザインするというのは、単にクライアントが伝えたいことを言語化したり、視覚化したりするだけではありません。来場されたお客様がそこで過ごす「時間」そのものをデザインする意識を持っています。私たちが作る空間は、情報を発信するだけの場ではなく、人やモノをつなぎ、新しい関係性や体験が生まれる場であってほしい。その先に持続可能な未来を創造することがあり、そこから当社のコーポレートメッセージ「Designing and Link s」にもつながっています。

展示の設計においては、クライアントにとって初めての取り組みとなるケースが多いため、伝えたい思いをいかに正確に汲み取るかを大切にしています。言葉にすることが難しい部分も含めて丁寧に拾い上げ、打ち合わせを重ねて差分を詰めていく。そうしたプロセスを通じて完成度を高めています。

――そうした理念がどのように実際のプロジェクトに結実しているのでしょうか。具体的な事例をお聞かせください。

平井：印象的な事例として、東京都水道局の「奥多摩 水と緑のふれあい館」の展示リニューアルがあります。計画・設計段階から協力し、施工まで当社で一貫して担当しました。

特に大きかったのは映像コンテンツチームとの連携です。既存の空間に地形模型を設置し、プロジェクションマッピングを投影。水道水源林の四季や水道局の水道水源林保護の管理の取り組みを360度映像で表現しました。さらに足踏みで水道水源林を散策できるバーチャル登山や、動物のカービング展示などを組み合わせ、世代や立場を問わず楽しめる仕掛けを実現しました。

1年かけて水道水源林の四季を撮影し、空間と映像を融合させた提案は、多ジャンルの実績を活かした代表的なプロジェクトとなりました。

――社内に映像コンテンツチームを設けたことで、提案力や満足度にどのような変化がありましたか？

平井：映像チームを社内に持つことでレスポンスが早く、映像ディレクターが直接お客様と話すことで安心感や信頼感にもつながっています。また、制作費用や表現方法を初期段階から見極められるため、提案の質も高まります。

外部の協力会社だけでは、時間や予算の調整に限界がありましたが、社内の映像ディレクターが計画の初期段階から参加することで、提案の幅も広がり、クライアントの信頼も高まったと感じています。

――社内に専門チームを持つことで、提案の幅と信頼性が大きく高まったのですね。そうした強みが発揮された他の事例についても伺えますか。

本社事業本部 デザインセンター デザイン1課 サブチーフ 工藤春樹氏：事例として挙げたいのが、横浜・馬車道駅にある「JICA横浜 海外移住資料館」のリニューアルです。依頼主であるJICA様からは、視覚障害のある方にも展示を楽しんでもらいたいという要望があり、点字ブロックを展示室内に一周設置しました。展示室全体を回遊できる点字ブロックは珍しく、さらに触って理解できる触察展示や、グラフィック解説の上に透明樹脂での点字を併記する工夫も行いました。

――バリアフリー対応、とくに点字については高度な配慮が必要だと思います。そのあたりはどのように取り組まれたのでしょうか。

工藤：点字にはJIS規格があり、表記をすべてひらがなに直すなど細かなルールがあります。また、グラフィック情報との整合性や触りやすさの工夫も求められます。想像だけでは限界があり、専門会社やJICAのスタッフ様に協力をお願いし、課題を抽出するプロセスを踏みました。

視覚障害といっても、完全に見えない方だけでなく、ぼやけて見える、色が判別しづらいなど多様です。すべてに対応するのは難しいですが、せめて一部でもカバーしようと考え、スタッフや利用者の声を丁寧に拾い上げました。

点字のほかにも、音声ガイドがスマートフォンで聞ける仕組みも導入しました。施設に来る前の段階でホームページやアプリを確認する方も多いため、事前アクセスのしやすさも重視しました。

――どちらの事例も、御社ならではの「丁寧な仕事」が伝わってきます。

矢野：手間と時間を惜しまない姿勢こそ、私たちの強みだと思います。当社には「頼まれると断れない」社員が多いんです（笑）。効率だけを見れば非合理かもしれませんが、その姿勢が「丁寧な仕事」と評価され、紹介案件へつながるのだと自負しています。

縦割りを超え「全員プロデューサー」に。即応力を備えた組織への真価

――クライアントの期待を超える提案をするために、どのような体制を構築されていますか？

矢野：現在は、顧客開発を担う「開発プロデュース部」、事業やプロジェクトを推進する「事業プロデュース部」、企画デザインや設計を担う「デザインセンター」、安全・品質管理を担う「ソリューションセンター」の４部門で構成されています。「営業窓口」や「制作管理」といった縦割り型ではなく、各部門の一人ひとりが幅広い領域で提案からプロデュースまで担えるよう育成している点が大きな特徴です。

こうした背景には、時代の変化に伴うスピード感の加速があります。従来のやり方では、営業が要望を聞き、週明けにデザイン部門に共有し、さらに制作に回して見積もり…と、どうしても1〜2週間のタイムラグが生じていました。

しかし今は、お客様の期待に応えるために即時対応が不可欠です。そこで「全員がプロデューサーになろう」と掲げ、幅広い知識を持ってワンストップで答えられる体制に移行しました。新規のお客様を開拓する「開発プロデュース」と、既存のお客様を深掘りする「事業プロデュース」に分け、幅広く情報を集め、クイックレスポンスで対応できる仕組みです。

さらに、先ほど平井が説明したように、4年前には映像コンテンツチームを立ち上げ、イベントでのPR映像や文化施設での展示コンテンツを内製化しました。企画提案からプログラム制作まで一気通貫で担えるようになり、空間と映像を融合させたプロデュース力を強化しています。

こうした取り組みにより、お客様から何を聞かれてもまずは応えられる「網状の動き」を実現し、スピードと柔軟性を兼ね備えた体制づくりを進めています。

――若手の育成に関しては、どのような取り組みをされていますか。

平井：デザインセンターの事例ですが、「トレーナー制度」を設けています。直属の先輩だけでなく、定年後に嘱託として在籍するベテランが若手の指導役となる仕組みです。実績豊富でスキルも高く、人格的にも尊敬される方々が、若手に「日展の社員としてどうあるべきか」「業務を進めるうえでどんな視点を持つべきか」といったアドバイスをしています。

また、部課長とトレーナーが面談を行い、進捗を確認しながら育成計画を調整します。どこまで成長したのかを確認し、「次はこの業務に挑戦させてみよう」といった判断を加える。プレイヤーの視点を踏まえて育成を進められるのが特徴です。

この仕組みはデザインセンターにとどまらず、今後は他の事業部にも広げていきたいと考えています。

他にも、社員同士が育ち合う文化を象徴する取り組みとして「N-1グランプリ」があります。最初はデザインセンターだけで始めましたが、今は事業プロデュース部を含め全社に広がりました。若手が中心ですが誰でも参加でき、各事業本部での予選を経て、代表者が役員の前でプレゼンします。今年のテーマは「新しい社章のデザイン」です。

工藤：私は第1回で優勝しました。当時、初めて担当したコンペ案件をもとに、自分の役割や壁をどう乗り越えたかを発表しました。実際の案件を振り返りながら整理できるので、自分にとっても大きな学びになりました。

平井：若い人の斬新なアイデアは大切です。ベテランが意思決定層の理解を助けることで、若手の提案が活きてきます。お客様も最終的には幅広い世代に楽しんでいただく施設を望んでいますから、若い感覚は欠かせません。

――組織づくりから人材育成まで、多方面で挑戦を重ねていらっしゃるのですね。最後に、85周年を迎え次の節目を見据えた展望をお聞かせください。

矢野：まず、グループ企業との連携について申し上げます。事業計画のサポートからプランニング、デザイン、マネジメント、運営支援まで幅広く手掛けるランドは、当社より一歩先で大規模開発や国家的イベントを担っています。当社はそこで構想されたものをプロダクトに落とし込む役割を担い、定期的に情報交換を行っています。共通のクライアントも多く、相互に協力関係を築いています。

ランドは商業開発や事業計画を得意とし、一方で文化施設は当社が担うという明確なすみ分けがあります。例えば博覧会のように「街を一つ作る」規模のプロジェクトでは、ランドが大枠を構想し、当社が具体的な展示や空間として形にしていく。そうした補完的な関係を築いています。この連携を今後も加速させていきたいと考えています。

時代の変化が激しく、次の節目に向けて明確なステップを一つひとつ描くのは容易ではありません。しかし、コロナ禍を経て「リアルな場の価値」が改めて認識されました。今後は文化施設に加え、イベント事業を拡大し、人が集い、交流し、笑顔が生まれる場を創り続けていきたいと考えています。

＜本記事はPR記事です＞
edit & write : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

巡回展から万博へ。設立85年の日展が示す「全員がプロデューサー」の真価

神田神保町に本社を構える株式会社ワールドカラーは、グラフィック制作、展示会・イベント企画、空間演出、Web制作まで多岐にわたる事業を手がける総合プロダクション企業です。創業から46年を迎える同社の強みは、企画・デザインから製作・施工まで一貫して対応するワンストップサービスにあります。現在の事業展開に至るまでの歩み、そしてクライアントの課題解決に真摯に向き合う姿勢について、取締役社長 中原康哉氏と執行役員 辻井孝育氏にお話を伺いました。

受け継がれるこだわりの品質、そして進化する革新力。創業46年、ワールドカラーの進化

——最初に、会社の概要や歴史、企業理念についてお聞かせください。

株式会社ワールドカラー　取締役社長　中原康哉氏（以下、中原）：今から約65年前に外国通信社の報道カメラマンをしていた創業者が、モノクロ商業写真の制作会社を立ち上げたことが、事業のはじまりでした。それから約20年後、カラー写真が世の中に普及し始めた1979年に、色に強いこだわりを持つカラープロラボ（写真の現像・プリントを専門的に行う事業所）として、当社が誕生しました。

創業当初は、カラー写真の撮影から高品質なプリントをメインの事業にしながら、博覧会など大型写真の製作やプロカメラマンの個展などを支援してきました。その後、写真を額装やパネル加工にして展示用に仕上げる需要が増えてきたため、自社でパネル加工の部署を設立しました。

さらに同時期、展示を専門とするディスプレイ会社とのご縁をきっかけに、展示会事業へと本格的に参入。この頃から本格的に当社の原点となるグラフィックを事業の柱に取り入れ、そしてデザイン部門も立ち上げることで、最初のデザインからグラフィック製品を形にするまでの一連の業務を一貫で行えるよう、体制を整えてまいりました。ここまでが今から30年前のことになります。

——写真やグラフィックの制作から、空間演出や施工へと事業領域が広がっていった背景を教えてください。

中原：写真事業からの転換は、今から約30年前、世の中に大型のインクジェットプリンターが普及し始めた時期です。この写真に変わる新しい技術によりカラー写真への需要が衰退していくことが見込まれたため、このタイミングで事業をしっかりと切り替え、約15年間続いた写真事業から1〜2年かけて完全に撤退しました。

その後、広告代理店からあるアパレルメーカーのプロモーション案件の依頼を受けたことをきっかけに、空間演出や施工などの案件へと事業領域を広げていくようになりました。さらに、家電メーカー様とも直接の取引が始まり、展示会やプロモーションのコンペにも声がかかるようになりました。これにより少しずつノウハウや経験が蓄積されたことが現在の土台になっていると感じています。


——現在、空間演出や施工といったイベント・展示会領域では、どのような案件を中心にご対応されていますか。

株式会社ワールドカラー　執行役員　辻井孝育氏（以下、辻井）：基本的には、グラフィック制作をご依頼いただくケースが多いですね。グラフィックパネル制作のみを行う場合もあれば、ブースの企画、ブースデザイン、施工まで一貫してお手伝いすることもあります。また、タッチパネルのコンテンツ制作やWebサイトの構築といった案件も担当しました。

——創業当時から変わらずに大切にされていることは何でしょうか。また、進化した部分についても教えてください。

中原：カラー写真から始まった会社ですので、創業当時は色へのこだわりを大切にしていました。とくに当時は、色が良ければ写真の品質が良いとされていましたので、品質を徹底的に追求していったのだと思います。

現在は、取り扱う制作物が多岐にわたりますが、創業当時のポリシーは変わらず、どの制作物も細部の品質やデザインのクオリティを常に重視しています。たとえば、壁面にグラフィックシートを貼る場合、下地が悪ければ品質が落ちてしまいます。そのため、下地処理の段階からしっかりチェックし、現場の状況に合わせて設計を進めることで、最終的な品質を担保しています。業務範囲は設立当初から大きく広がりましたが、細部のこだわりやクオリティ管理は創業当初から一貫して変わらない部分だと思います。

「どうすればできるか」を考え抜く。一貫対応で支える現場力と柔軟性

——幅広い事業や制作物を手掛けていらっしゃいますが、社内の体制はどのように構築されていますか。

辻井：当社では、納品までワンストップで対応しています。営業・ディレクター・デザイナーが一体となって案件を進行することを基本としており、打ち合わせの段階からデザイナーも同席。直接の対話を通じて、お客様のニーズを的確に把握・共有する体制を整えています。こうした連携により、お客様のイメージを精度高く具現化することが可能になります。

また、それぞれの専門領域を超えて意見を活発に交換する文化が根付いており、異なる役割のメンバー同士が互いに補い合う姿勢を大切にしています。役割分担はありつつも、立場を越えて意見を交わすことで、より質の高いものづくりへとつながっています。

——「ワールドカラー」らしさが最も出たと感じる、特に印象的な案件事例を教えてください。

辻井：ある企業のプライベートイベントは、会社として特に印象深い案件でした。この案件では、すべてのグラフィックアイテムのデザインと制作を担当。ディレクターを中心に提案と、クライアントからのフィードバックの反映を繰り返しながら、デザインをかたちにしていきました。社内のデザイナーチームがそれぞれの得意分野を活かしつつ、しっかりとしたアイテム管理をディレクターが行い、効率良く制作を進めることができました。多種多様な制作物を短期間で制作・出力・施工管理まで一貫対応したことは、当社の強みを示す事例となりました。

また、ある外資系ロジスティクス会社の周年事業のお仕事も印象深いです。クライアントから「ホテルイベントをまるっとお任せしたい」とのご要望を受けて、企画・制作・施工・Webまでを包括的に手掛けました。これも当社の総合力が発揮された案件だと感じています。

他にも、国際的なスポーツ大会のスポンサー企業のオフィスエントランス装飾の案件も印象的でした。クライアントの窓口として、大手ディスプレイ会社の営業担当者が単独で担当されていました。そのため当社は、クリエイティブプランニングや制作推進に加え、スポンサー企業との直接的なやり取りも担うかたちでプロジェクトに参画しました。お客様の状況に応じて、参画のスタイルや対応範囲を柔軟に調整できる点は、当社ならではの強みと言えます。

——多様な案件に携わるなかで、難易度の高いご要望に応えた経験もあるのではないでしょうか？

辻井：アミューズメント施設の案件で、納期が急遽繰り上がったことがありました。それが判明したのは年度末の繁忙期で、職人もスタッフも手配がかなり難しい状況でした。それでも「難しいからできない」ではなく、「どうすれば実現できるか」を考えるのが当社のスタンスです。大阪、名古屋、仙台など各地から職人を集め、2ヵ月間泊まり込みで何とか引き渡しに間に合わせることができました。かなり厳しい状況でしたが、無事に納品まで完遂できたことは、大きな達成感につながりました。

中原：当社は、全国に協力会社とのネットワークを構築しており、こうした突発的な事態にも柔軟に対応できる体制を整えています。その体制があったからこそ、乗り越えられた案件だったと思います。

インバウンドとAIを見据えて。ワールドカラーの挑戦の最前線

——ワールドカラーの対応力の背景にある社風について教えてください。

辻井：簡単に諦めずに「どうすればできるか」「代替案はないか」を突き詰める社内風土が根付いています。たとえば、お客様のプロジェクト体制を確認し、デザインやプランニングが不足している場合には、当社が積極的に補完役を担い、実現に向けた方向性をご提案します。

そうした社風の根底にあるのは、社員一人ひとりの個性と専門性です。その力を活かしながら、クライアントにより良いサービスを提供するため、お互いの専門領域でも意見をぶつけ合います。それぞれの専門領域を柔軟に補い合うことで、チーム全体の対応力を高めています。

中原：これは写真制作の時代からの伝統です。当時、写真の合成や着色作業では、一人では大変な指示書作成などを皆で協力していました。その助け合いの土台が、今の社内風土にも引き継がれているのです。

——今後、さらに強化していきたい分野やテーマはありますか？

中原：現在インバウンドが増加傾向にありますので、外国人や外資系企業の展示会やオフィス装飾など、多様な方面に向けたデザインや演出の強化をしていきたいと考えております。また、今は請負案件が中心ですが、今後は自社ブランドの商品開発も手掛けていきたいと思います。

そして、これからはデジタル分野が生活のあらゆるシーンに広がっていくと予想しています。変化のスピードにしっかり対応できるような体制を強化していきたいと考えております。デザインやものづくりにおいても、AIの活用が不可欠になると思いますので、技術革新を積極的に前向きに取り入れながら、これまで培ってきた品質を損なうことなく、お客様の期待を超える提案を届けていきたいです。

——最後に、ワールドカラーがこれからも提供していきたい価値について教えてください。

中原：日頃からお客様の課題にしっかり向き合い、課題解決に向けて取り組んでいます。今後も常に想像力を働かせ、アイデアやデザインの段階で常に新しいものを生み出していくことが重要であり、当社の価値そのものだと考えています。さらに、最終的なアウトプットの品質にもしっかり磨きをかけて、お客様をトータルサポートしていければと考えております。


＜本記事はPR記事です＞

write：takako minoshima
edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

ワールドカラー　会社HPはこちら

原点はグラフィック。顧客に寄り添い続ける、ワールドカラーの創造力と対応力

イベントの企画・制作・運営を通して、あらゆる人に笑顔と驚きを届けるプロフェッショナル集団「マッシュ」。創業40年以上の歴史を誇り、現在は博覧会や商業施設の企画運営や、自治体や企業と連携した幅広いプロジェクトを手がけ、国内外を舞台に多彩なジャンルの実績を確立しています。そんなマッシュが大切にしているのは、一人ひとりの多様性を尊重し、その力をイベントづくりに生かすことです。個性が生きる環境をどう実現しているのか、異なるバックグラウンドを持つ3名の社員の視点から「マッシュらしさ」を語っていただきました。

世代や国籍、資質やスキルの異なるメンバーが、各々の個性を生かしながら活躍

――入社の経緯や主なお仕事内容を含め、まずは自己紹介をお願いします。

プランニングプロデュース室 平田純也氏（以下、平田）：大学時代に学園祭の実行委員やラジオ局フェスの学生スタッフなどを経験し、チームでイベントを創り上げる楽しさに目覚めて、マッシュに入社しました。現在は新卒4年目で、ABC（朝日放送テレビ）グループの一員として国や自治体などの行政機関が実施するイベント案件に取り組んだり、キッチンカーなど飲食を扱う屋外イベントを担当したりすることが多いです。

プロジェクト推進室 ドビアン ガエル氏（以下、ガエル）：私はイベント企画やプロジェクトマネジメントに興味があり、フランスの大学院で国際マネジメントを専攻していました。幼少期からアニメが好きで日本語を学んでいたこともあり、日本で働くことを希望。大学院在学中にマッシュでインターンシップを経験し、そのご縁でそのまま入社して以来、現在で6年目になります。日本語、英語、フランス語を話せるので、海外の製薬会社のセミナーなど国際案件を任されることが多いですが、直近は大阪・関西万博関係のイベントを多数手がけています。

企画制作室 室長 音頭雄太氏（以下、音頭）：入社5年目で、今年40歳です。高校を卒業して音楽の道に進み、35歳頃までは和太鼓を叩いていました。今は室長としてメンバーの業務管理を任されていますが、さまざまな規模のイベントの企画から本番の運営まで、現場の仕事も担っています。

――本当に三者三様ですね。入社を決められた理由は何でしたか？

平田：イベント制作会社を探す中で、テレビ局のグループ会社であるマッシュなら、テレビ番組に関連したイベントにも携われる点に魅力を感じ、志望しました。実際に面接を受けてみると、他社と一線を画していたところにも惹かれました。たとえば、役員がキャップに半袖短パンだったり、最終面接でも「よっ！キミが平田君か」という感じで社長が親しみやすかったり（笑）、自由な空気感がいいなと思ったんですよね。

音頭：確かに、かしこまりすぎてない雰囲気があるよね。僕は以前、所属していた音楽チームの一員として、マッシュに営業をかけていたんです。ただ、コロナ禍をはじめとする諸事情により、チームの活動を休止することになってしまって。その報告でマッシュを訪ねた際に、当時の室長から「うちに来るか？」と声をかけてもらったんです。ちょうど音楽以外の知見も広げたいと思っていたタイミングだったので、ご縁を感じて、お世話になることに決めました。

ガエル：大学院を卒業するためにインターンシップへの参加が必要だったので、せっかくなら日本で行おうと、100社以上にメールを送りました。ただ、返事をもらえたのは3社だけだったんですよ。そのうち2社は東京のグローバル企業だったのですが、日本らしさを感じる企業で挑戦してみたかったのでマッシュを選びました。あとから聞いたら、インターンシップの受け入れは初めての試みだったそうですが、社長も含め「面白そうだからいいじゃん！」と盛り上がったらしいです（笑）。

――柔軟性がすごいですね！実際に正社員として入社されてみて、いかがでしたか。

ガエル：企画書が得意な人やITに強い人など、メンバーそれぞれに得意分野があるので、「誰に何を頼めばいいか」が明確で、とても助かっています。また、自分がトライしたい案件に集中して仕事をさせてもらえるのも、マッシュの特長。入社後に自分の専門性を高めている人も多いです。

平田：特定の業種に強い人や特定の作業に長けた人など、あらゆる方面で頼れる人がいますよね。専門性だけではなく、それぞれのキャラクターも魅力です。ピンチのときに全力でサポートしてくれる先輩もいれば、しんどいときに明るく場を盛り上げてくれる先輩もいる。そのおかげで、乗り越えられることもありますし、実務的にも精神的にもいろんな人が助けてくれます。

音頭：年齢や性別など属性に囚われない職場なのも特長かな。創業メンバーがバリバリ働いているし、ベテランが新入社員と相談しながら仕事を進めているのも当たり前の光景ですし、最前線で活躍している女性社員も多いし。多様な立場の人が集まっているからこそ、それぞれの視点からの助言をもらうことができ、どんな案件にも柔軟に取り組めています。

自らの裁量でプロジェクトをリードし、仲間と協働しながら最高の結果を目指す

――多様な人材が活躍できる環境があるからこそ、誰かの得意が誰かの支えになって、プロジェクトがより良いかたちで前進しそうですね。

ガエル：先輩・後輩の垣根を越えて、知識や経験を共有できるのはとても良いところです。私はもともと言語の壁があったので、日本人と比べて吸収が遅かったと思いますが、いろいろなメンバーから学んだことを自分の仕事に反映させることができました。

平田：「こういうことしたい」と社内チャットに投げかけたら、専門性の高い人を紹介してもらえます。オープンに相談できますし、親身になってくれるので心強いです。さまざまなメンバーのアイデアを凝縮させることで、たくさんの方に足を運んでもらえるイベントをつくりあげられるのだと思います。

音頭：社内チャットに「こんなキッチンカーを呼びたい」「こういう芸人さんをブッキングしたい」と書き込むと、皆すぐにレスをくれるんですよ。また、イベントの老舗企業として信頼を重ねてきたので、協力してくださる外部の方も多く、人と人とのつながりで支えられている実感があります。

――ご自身の個性やこれまでの経験が生きていると感じられる場面はありますか？

平田：いろいろなことを知りたがる好奇心や探求心は生きていますね。また、学生時代にさかのぼりますが、Adobe系ソフトのスキルを習得するため、大学と商業施設の産学連携イベントでデザイン面を担当していました。その経験があるので、現在も簡易な入稿物を任されることがあります。また、ウェブや動画の制作についても基本的な知識があるため、外部のパートナーさんとのやりとりも円滑に進められています。

ガエル：翻訳や通訳は得意分野なので、頼ってもらえますね。海外のお客様対応や話し方などに関しても、よく質問されます。私が大学院で研究していたのはイベントとは別のプロジェクトですが、使われているルールは違っていても、考え方が似ている部分があって面白いですね。さまざまなマネジメント理論の中で、イベントにも応用できそうなものは、実際に取り入れるようにしています。

音頭：入社時点で音楽や舞台の運営や進行業務の知識を持っていたので、生かせる場面はいろいろありますね。たとえば、式典や企業のパーティーでは、ステージの魅せ方やスムーズな動き方のアイデアを出しやすいので、やはり過去の経験が生きていると思います。

――マッシュは全員が営業から制作、現場対応まで一貫して担当される、オールインワンのスタイルも特徴的ですよね。そのあたりいかがですか？ 

ガエル：部分的な仕事だけでなく、全体を見渡せるからこそ、やりがいがありますし、楽しいです。大変なことも多いですが、参加者の笑顔を見ると喜びを感じます。業務内容が日々変わるのも新鮮です。

平田：刺激がありますよね。私は入札の企画から入るケースも多いので、一つの案件に最初から最後まで携わることでチームの結束力も強まりますし、何よりやり遂げたときの達成感が大きいです。

音頭：僕もオールインワンのスタイルが好きなんですよね。クライアントのイメージを超える提案をし、それを現場で形にして、最後はすべてを撤収して「何もない状態」に戻す。そこまでやりきることが、マッシュとしての使命だと思っています。そして、「そこまでやってくれるからマッシュに頼みたい」と選ばれる会社でありたいですね。

――徹底した姿勢が、クライアントからの信頼につながっているんですね。では、自分らしさを発揮できた場面などがあれば教えてください。

ガエル：フランスのリヨンで国際案件に携わったとき、驚くほど仕事がスムーズにできたんです。日本では自分の成長を気づけなかったんですが、母国で動いてみると、ちゃんと実務能力が高まっていたことを実感できました。

音頭：僕はステージイベント全般で発揮できていると思いますが、万博で日本文化を集めたイベントを手がけたときに、過去に培ってきた知見を生かせたと感じました。

平田：大阪の水辺を活気ある場へと再生する「水都大阪」に関するイベント案件のプロポーザルを、入社1年目から担当しているのですが、主催者の一社から別のイベントのご相談をいただいたことがあります。各国のキッチンカーや屋台などが集まる大規模なイベントだったんですけど、これまでの自分の実績を認めてもらえてのことだったので嬉しかったですね。

お互いの挑戦を応援するカルチャーが、個の成長と組織の進化を後押し

――「育ち合う文化」も御社の魅力かと思うのですが、実感できた経験はありますか？

ガエル：私が入社してから、マッシュではアメリカやシンガポールからのインターンも受け入れるようになりました。自分の経験を伝えることで、彼らが育っていくのが嬉しいですし、逆に文化や考え方の違いから学ぶことも多いですね。

平田：人に教えることで、自分も成長できますよね。私は新入社員の指導を任せられているのですが、理解してもらいやすいように言語化することで、自分の理解も深まります。逆に、新入社員からの質問を受けて、あらためて考えることもあり、育ち合いとはこういうことかと実感しています。

音頭：ベテランのメンバーも、わからないことがあれば若手に質問するので、そのおかげで「なんでも聞いていいんだ」という雰囲気ができているんだと思います。僕自身、音楽以外のことはほとんどわからない状態で入社したのですが、部門を越えてバックアップしてもらえる職場でありがたかったです。育ち合いや支え合いの文化の根底には、「新入社員だろうがベテラン社員だろうが、困っているなら助けるのが当たり前」という考え方があるのだと思います。

――新しい分野にチャレンジしたいとき、会社やチームはどのように後押ししてくれましたか？

平田：上司に「飲食系のイベントをやりたいから食品衛生の資格を取りたい」と伝えたところ、ものすごく応援してくれましたし、飲食案件があればアサインしてもらえています。やりたいことを後押ししてもらえる環境ですよ。

ガエル：挑戦したいことがあれば、所属組織を越えてチームを組めるんです。興味のありそうな人に声をかけて、一緒に挑戦できる環境はすごくありがたいですね。その仕組みを生かして、日本の伝統文化をキット化して、海外向けに販売する越境ECのプロジェクトにも取り組んでいます。

音頭：何か相談したとき、「こういうアプローチもあるよ」「過去に同様の取り組みをしてこういう結果になったよ」のように、自分の引き出しにないアドバイスをもらえるのはありがたいですね。社歴や年齢に関係なく、気兼ねなく相談できる空気感がある。変に肩肘張らずに業務ができるのは、多様な考え方を受け入れ、誰とでもフラットに関われるメンバーがそろっているからだと思います。

――最後に、今後の展望についてお聞かせください。

ガエル：国際案件の担当を増やしたいですね。大阪・関西万博では多くの国と関わる中で人脈も増えて、最近では海外からの依頼が毎日のように届くようになりました。実績を積み重ねた今だからこそ、これからは待つだけでなく、積極的に提案していく仕事もしていきたいです。

平田：マッシュだからこそ提案できる案件を増やしていきたいですね。ちょうど今、ABCのアナウンサーが高校生にプレゼン指導をするイベントに取り組んでいますが、こうした案件のようにオリジナリティを追求し、いずれは「マッシュといえばこのイベント」のようなキラーコンテンツをつくりたいです。

音頭：「マッシュって、かっこいい会社だよね」と言ってもらえるように、社員一人ひとりが高い意識を持って、仕事に向き合い続けるチームでありたいですね。その姿勢が次の世代へと自然に受け継がれていくことこそ、会社としても業界としても、すごく価値のあることだと感じています。

＜本記事はPR記事です＞

write : aya miura
edit : yoko sueyoshi
photo : ami harita

価値の源泉は「多様な個性」。自由でインクルーシブな社風が支える、マッシュのイベント創出力

東京都渋谷区に拠点を構えるクローク株式会社（CROAK Inc.）は、ライブストリーミング配信専門スタジオを運営し、高品質な番組制作を手がける企業です。300インチLEDを常設した最新鋭のスタジオと確かな技術力で、記者会見から大規模ゲームイベントまで、あらゆるライブコミュニケーションをサポートしています。技術と人間力を融合させ、クライアントの情報価値を最大化する同社の強みと、変化する業界での次なる挑戦について伺いました。

“ライブ配信の伝える力”を信じて、たったひとりで踏み出した第一歩

——最初に、御社の企業理念と事業内容についてお聞かせください。

CROAK 代表取締役 原田 厳氏（以下、原田）：当社は、2010年の創業以来、Ustreamの黎明期からニコニコ生放送の台頭、そして現在のeスポーツまで、ライブ配信業界の変遷とともに歩んできました。

企業理念として掲げているのは、「最適な情報コミュニケーションを提供し、クライアントの情報価値の最大化に貢献すること」。現在は、ライブストリーミング配信専門のスタジオ運営と番組制作を主軸に、企画からテクニカルサポート、スタジオ貸出、機材・人材提供まで、配信に関わるあらゆるサービスをワンストップで提供しています。

——原田さんは創業者でもいらっしゃいますが、どのような経緯で会社を設立されたのでしょうか？

原田：私自身は、もともと海外旅行業界でキャリアをスタートしましたが、9.11をきっかけに業界が大きく変わり、IT分野へと転身。その後は独立し、いくつかの事業を経て2010年頃、Ustreamという新しいプラットフォームに出会ったことをきっかけに、ライブ配信の世界へ踏み出しました。

ひとりで事業を立ち上げたため手探りでスタートしましたが、ライブという新しい情報発信の形に大きな価値を感じていました。結果的に「企業の情報発信に、共感をプラスする支援」という方向性が自然と固まっていったのです。

——具体的には、どのようなサービスを展開されているのでしょうか。

原田：企画制作から一貫して行うケース、スタジオのみを提供するケース、テクニカルスタッフのみを派遣するケースなど、クライアントニーズに応じた複数の形態があります。業界別に見てみると、特にゲーム関連企業との取引が多く、制作会社からの依頼でテクニカル面と会場をセットで提供するケースも増えています。

体制としては、創業から5年ほどは3名程度と小規模でしたが、現在のスタジオ移転を機に人材確保が進み、現在は社員10名ほどのコンパクトながら機動力のある組織となりました。特にテクニカルスタッフには、配信管理からカメラワーク、映像スイッチングまで、3〜4年かけて全般的なスキルを習得してもらう育成プログラムを設けています。制作系のスタッフはADから台本作成までをカバーしています。

——創業初期はまだライブ配信が一般的ではなかったと思います。今の規模になるまで、どのような道のりがあったのでしょうか。

原田：創業2年目からは黒字化を達成したので、客観的に振り返ると経営的な苦労はなかったかもしれません。ただ、最初の頃は案件の単価が低く、ほぼサービスに近い条件での受注も珍しくありませんでした。

そこで、事業基盤構築のため、自らUstreamやFacebookの勉強会を定期的に開催し、累計5,000人程の参加者を集めました。これが案件獲得につながり、その後ニコニコ生放送の台頭と共に事業機会が急増しました。

ほとんど営業活動を行わずに成長できた時期もありますが、成長の大きなターニングポイントとなったのはスタジオ移転です。スペースを2倍に拡大したことが売上の倍増に直結し、現在のスタジオ開設後は売上規模が2〜3倍に成長しました。

コロナ禍では需要が急増しましたが、現在は競合増加により市場環境が変化してきました。小規模案件が減少し、大型案件が中心となる傾向にあり、ビジネスモデルの調整が必要な時期に来ていると認識しています。