光の演出には、空間の印象を一瞬で変え、観客の心を動かす力があります。こうした体験の質を形づくる光の価値は、いま世界各地の現場で着実に進化しています。その進化を最前線で見つめてきたのが、テクノロジーを駆使した新たな表現を追求するクリエイティブ集団「MPLUSPLUS（エムプラスプラス）」のCEOとして、光による表現の開拓に取り組む藤本実さんです。

海外のフェスティバルやアートイベント、インスタレーションへの参加を通じて、光が空間と観客の感情にどんな変化をもたらすのかを探求してきました。そんな藤本さんが実体験で得た知見をもとに、イベントの企画や演出の次の一手として取り入れられる光演出のヒントをお届けします。

藤本実（Minoru Fujimoto）1983年生まれ。ダンサーとして活動しながら、神戸大学大学院でウェアラブルコンピューティングを研究、2012年3月に博士（工学）を取得。東京工科大学での教員経験を経て、2013年にMPLUSPLUSを設立。身体性を活かした光表現のシステム開発と舞台演出を手がけ、東京2020パラリンピック開会式ではLEDコスチュームの制作と光の演出を手がけた。2022年にAmerica’s Got Talentに出演。2025年4月より武蔵野美術大学客員准教授。

「光を見る」から「光の中にいる」へ。ラスベガス「Sphere」が示した没入演出の到達点

コロナ禍が落ち着いたここ3年ほど、私は多くの時間を海外の視察に費やしてきました。音楽フェス、アワードショー、クラブまで、光がどのように使われ、どんな体験を生んでいるのかを、自分の目と身体で確かめたかったからです。そのおかげで光の演出のトレンドを立体的に掴むことができました。

その中でも、強く記憶に残ったのが2023年9月にラスベガスで開業した「Sphere（スフィア）」です。建物全体がLEDで覆われ、360度の音響を備えた巨大な球体アリーナで、外壁と内部の超高精細LEDが音や演出に合わせて変化し、体験者はデバイスの装着なく深い没入体験を得ることができます。


ドームの中に初めて入ったとき、「ディスプレイで実現できる光の演出の完成形を見た」と思いました。自分の視界に入るものすべてがディスプレイで構成されているのに、不思議なことに画面を見ている感覚がまったくありません。通常なら近くで見ると分かるはずの粒状のピクセルが消え失せ、ただ圧倒的な映像空間の中に放り込まれたような感覚になりました。

宇宙船の窓から惑星を見ている感覚と言えばいいでしょうか。ラスベガスまで行くのに数十万円かかりますが、「数千万円かかる宇宙旅行をしてきた」と思えるほどの体験でした。研究者としてXRやAR、VRにも長く関わってきましたが、世界中の研究者やクリエイターが「本当はこういう体験を作りたかったのではないか」と思えるくらいの答えが、Sphereにはありました。

これまでライブ演出の世界では、ディスプレイをどれだけ大きく、高精細にできるかという勝負がずっと続いてきました。ドームツアーでも、昔は造形物やセットの中でライブをしていましたが、大きなディスプレイをいくつも配置して、アーティストの顔や映像を映すスタイルが主流になりました。

ディスプレイの大型化・高精細化がひと段落した段階になり、「その上に何を足すか」という発想が一気に加速しました。映像にレーザーを連動させたり、光線の動きと映像のモーションを完全に同期させたりと、映像演出にとどまらない試みが、世界の現場で一気に広がり始めました。

こうしたアプローチ自体は、もともとメディアアートの領域では長く探求されてきたものです。しかし、この数年で、その発想が大規模フェスティバルやメジャーなライブシーンに急速に流れ込んできました。従来はデジタルアートの文脈で行われていた表現が、メジャーシーンに堂々と登場し始めたという感覚があります。ここ最近、特にその変化を強く実感しています。Sphereでディスプレイでの映像表現が完結し、ディスプレイの外の表現が求められているのかなと思います。

世界の街とクラブで体感。光は照明を超えて、空間をつくる素材へと進化

オーストラリア・シドニー全体を舞台にした光の祭典「Vivid Sydney（ビビッド・シドニー）」でも、光表現の進化を象徴するような変化が見られました。Vivid Sydneyは、街中の建物や湾岸エリアがライトアートやプロジェクションで彩られる、世界的にも注目度の高い都市型アートイベントです。世界中のアーティストたちが新しい光表現を持ち寄り、都市空間を実験場のように使いこなします。

私が訪れた際、特に印象的だったのは、街の光の質感がこれまでとは大きく変わっていたことでした。かつては粒状のLEDが一般的でしたが、ネオンのような滑らかな光を放つLEDチューブが一気に普及し、街の光の多くがチューブ型へと置き換わっていました。

粒が見えない一本のラインとして光が流れ、建物の壁をなぞり、木々を包み込み、橋の輪郭を描き出していく。チューブの中を光が巡りながら、都市の輪郭そのものを描き換えていくようでした。点の集合としての光から、滑らかで連続的な線の光へ。街全体の解像度が一段上がったような感覚を覚えました。

もう一つ、スペイン・イビサ島にあるクラブで目にした光景についても触れておこうと思います。ステージのディスプレイからそのままLEDが天井方向に伸びていて、映像の動きが立体的な光として空間に流れ出していく演出です。映像と光が分離せず、空間の中でつながり合いながら動くことで、演出全体が一段と立体的になっていました。

クラブの中はほとんど真っ暗で、レーザーだけが動いていたんです。通常、レーザープロジェクターって壁や天井など固定された場所から照射されますが、そのイベントでは、途中から空間にレーザープロジェクターが降りてくるんです。

空間に浮かんでいるミラーボールに反射された光がフロアを照らすように、空中のまったく何もない場所からレーザーが突然放たれる。暗闇の中で、存在しないはずの一点から光の線がいきなり走り出すんです。

「レーザーは端から出るもの」という前提が完全に崩れる瞬間で、視界の中にありえない光が現れる。その違和感がとにかく強烈で、「なんだこれは……」という衝撃がありました。

その他にも、メディアアーティストのボリス・アケットの作品が話題でした。会場全体に薄い布が天井から吊り下げられ、その布がふわりと浮かび上がるたびに光が当たり、空間が呼吸しているような演出が生まれていました。

その幻想的な空間の中で、世界的アーティストのフレッド・アゲインがDJプレイをしており、映像と音が一体となる特別な体験​を創り出していました

こうしたかたちで音楽家とメディアアーティストが本格的に共演する例は、以前はそれほど多くありませんでした。これまでは、世界的アーティストであっても映像ディレクターに依頼して「巨大な画面に映像を流す」ことが一般的だったと思います。

しかし近年は、空間全体を素材として扱うメディアアーティストが、フェスやライブの現場に積極的に参加するようになり、表現の幅が一気に広がってきました。ディスプレイに映像を投影するだけのスタイルから脱し、空間そのものを変容させる演出が求められるようになったことで、メディアアーティストやデジタルアーティストの価値が大きく高まっています。

振り切り方が異次元！常識を塗り替えていく世界のライブ演出

新しさだけではなく、これまでの常識とされていた光の演出のアップデートが世界各地で起きています。「空間そのものをどう変容させるか」という発想が急速に進化し、光に関する技術の使われ方も桁違いになってきました。

この1〜2年、いくつかの現場を訪れる中で、これまで思い描いていた限界がいとも簡単に超えられていくのを目の当たりにし、「ライブとはここまで拡張できるのか」と衝撃を受ける場面が何度もありました。

その象徴ともいえるのが、まずオランダの世界最大規模のハードテクノフェスティバル「Verknipt」での体験です。2025年7月に、レーザー1000台を使ったギネス記録への挑戦が行われていました。日本では、レーザーを数十台使うだけでも「かなり頑張った演出」と言われる世界です。それが1000台です。数字だけ聞くと狂気じみていますが、現場で体験してみると、「空間を光で埋める」とはこういうことかと納得させられます。

ムービングライトの場合、一台につき一本の光線しか出せません。100台並べても100本です。一方レーザーは、一台から何十本もの線を描くことができるので、1000台もあれば1万本以上の光線が空間を駆け巡ります。暗い中に細い線だけが無数に走り、カーテンのような層になり、波のように揺れ動き、なんとも言えない感覚になります。

二次元の画像にすると、ただの光の筋の集合に見えてしまうのですが、実際には一人ひとりの観客の頭上すれすれを線が通り、前からも後ろからも横からも光がやってくる。自分の位置を少し変えるだけで、見える世界が大きく変わる。これは、リアルでしか成立しません。コロナ以降、「配信でいいよね」というムードが一部にありましたが、Verkniptでレーザーの中に立ったとき、「ああ、だから人はわざわざリアルな場所へ行くんだ」と改めて実感しました。

また、サウジアラビア「SoundStorm」は、スケールの概念を根本から変えられた体験でした。3日間で延べ20万人が集まり、会場の広さは東京ドーム20個分とも言われています。メインステージのLEDディスプレイは、私がこれまで見てきたドームツアーの横幅の、さらに倍ぐらいありました。音量もおそらく規制度外視の低周波が出ていて、ウーハーの当たりどころに立つと、体がドドドッと震えて動けなくなるような感覚になります。

ここでも使われている技術そのものは、LEDディスプレイ、ムービングライト、レーザー、火、ドローンと、特別新しいものではありません。違うのは、それぞれの「振り切り具合」です。ディスプレイのサイズは常識の倍、音量も体験したことのないレベル、ドローンは3000機で、それをブルーノ・マーズの出番前のわずか5分間のためだけに使い、夜空に巨大な拍手のマークを描いていました。

余談ですが、VIPエリアはすべて歩道橋でつながっており、何万人もの一般客とは交わることなく移動できるよう配慮されているんです。会場の作り方から演出まで、「とにかく世界最大を目指す」というコンセプトが貫かれていました。

ドレスも旗も空もスクリーンになる。光る場所を変えるだけで、体験をアップデートできる

こうした海外の現場から学びながら、MPLUSPLUSとしてもさまざまなプロジェクトに取り組んできました。

ビヨンセのツアーでは、ANREALAGEさんとのコラボレーションで柔らかいドレスそのものをディスプレイ化した「光るドレス」を担当しました。以前から光る衣装は、数多く作ってきましたが、ライブ本番で激しく踊ると壊れやすいという課題が常につきまとっていました。LEDをライン状に衣装全体に縫い付けても、ちょっと強く曲がったり、しわが寄ったりするだけで断線してしまう。

「一回踊ったら壊れる」という状況を変えたのが、「壊れにくいLED」です。リボン状のLEDを千回叩きつけるようなテストをしても壊れないものができて、これなら衣装全体にびっしりLEDを貼ることが化できると判断しました。しわになっても大丈夫、屈曲しても問題ない。そのレベルまで来て、ようやくツアー全体を通して使える「光るドレス」が現実的になったのです。

また、F1ラスベガスでは、開幕セレモニーで百人のパフォーマーが振る「光る旗」を担当しました。ここで強く印象に残ったのは、アメリカにおける旗の文化的な重みです。国歌の歌詞にもFLAGが出てきますし、カラーガードという旗を使ったパフォーマンスも根付いています。F1ラスベガスをきっかけに、世界最高峰のバスケリーグ（NBA）やアメフトのプロリーグ（NFL）など、さまざまなスポーツリーグから問い合わせが来るようになりました。

日本では「他チームと被らない演出をしたい」というニーズが強く、似たような演出は避けられがちですが、アメリカでは「他チームがやっていた演出が良かったから、自分たちもやりたい」という発想が強くあります。すでに旗を振る文化があるところに、光る旗をディスプレイ化して持ち込むだけで、自然に受け入れられる。これは「既存の文化を光でアップデートする」という、一つの有効なアプローチだと思います。

一方で、アメリカのスポーツ現場で課題になるのは、演出時間とオペレーションです。大学アメフトの試合では、選手紹介のための演出が１分、その後40秒以内に完全撤収しなければならないといったルールがあります。

そのような制約があっても使用できる6m×9ｍで、重さ35kgの超軽量のネット状のディスプレイを開発したことが強みになっています。通常のLEDディスプレイで同じサイズを作ると、電源周りを除いても1700kg近くになることもありますが、それを35kgまで落とし、スーツケース一つに収まるようにしたのです。

現場では、10人ほどのクルーがフィールドに走り込み、一瞬でディスプレイを広げて演出を行い、そのまま10秒かからず折り畳んで走って退場していきます。こうした使われ方を想定して、くしゃくしゃに丸めても壊れない構造にし、雨天でも使えるように防水性も高めています。衣装やFLAGのために長年追求してきた「小さくて、軽くて、壊れにくい」という技術を、逆転させて「巨大だけど軽くて扱いやすいディスプレイ」に応用した形です。

MPLUSPLUSが実施したドローンによる映像表現を拡張した「LED VISION DRONE」のプロジェクトでも同じ発想があります。空を飛ぶドローン自体をディスプレイ化し、空中に映像を描くことで、スタジアム全体を巻き込む演出を実現しています。ここでも、重量、電力、無線、耐久性といった制約をすべてクリアする必要がありますが、一度実現してしまえば、「空そのものがスクリーンになる」という新しい体験価値を生み出せます。

こうした取り組みを通じて感じるのは、光の演出を最大化するカギは「どこに光を持ち込むか」「何を光らせるか」を徹底的に考えることだという点です。ディスプレイの枚数を増やすのではなく、旗、衣装、巨大布、ドローン、スポーツの道具など、すでに現場に存在している「象徴」を光でアップデートする。その方が、観客の印象にも残りやすく、オンライン配信では再現できない体験につながります。

最後に、イベントの演出を手掛けている皆さんへ

海外のイベントの現場を訪れると、光の演出が「画面を見るもの」から「空間そのものを体験するもの」へと急速に変わっていることを、肌で感じます。ラスベガスのSphereで平面ディスプレイの到達点を目の当たりにし、Vivid Sydneyやイビサ島で「空間を使う光の進化」を感じ、VerkniptやSoundStormで、「リアルでしか成立しない圧倒的な体験」の価値を突きつけられました。

同時に、衣装や旗、巨大布、ドローンといった「光の器」を変えることで、演出の可能性が一気に広がることも実感しています。もし、次のイベントやライブで「去年と同じことはしたくない」「配信では不可能な体験を作りたい」と感じているのであれば、まずは何か一つ、光の新しい要素を足してみるのはどうでしょうか。大きな投資や劇的な仕掛けでなくても、すでにあるものを光でアップデートするだけで体験は驚くほど変わります。日本のフェスやスポーツなど、あらゆるイベントの場で「心が震える光の体験」が広がることを楽しみにしています。

edit & write : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

体験を塗り替える光の演出。心震える実例から読み解く最新トレンド

イベント業界で働く人同士が“舞台裏の本音”を共有しながら、これからのキャリアの景色を一緒に描いていく対話型のコミュニティです。
企画・制作・運営に携わる仲間同士だからこそ話せるリアルな経験やヒントを交換し、次の一歩を照らす場をつくります。

TALK ROOM

2025年11月14日、電通ライブがイベント業界で活躍する女性たちが仕事や人生について語り合う「VENUE LINK 女性キャリア交流会」を開催しました 。女性の入社が増え、活躍の場が広がるイベント業界。一方で、ハードな現場や不規則なスケジュールの中で、「これからどう働き、どう生きていく？」と迷うことも多いはず。

そこで、日々奮闘する女性たちが、仕事のやりがいからプライベートの悩みまでを明るく語り合う会を用意しました。誰か一人の完璧なロールモデルを目指すのではなく、多くの人の素敵な「ロールパーツ」を拾い集め、自分の人生を見つめてみる。そんなポジティブな交流会となった様子をレポートします。

イベント業界で働く女性が語り合える場を目指して

空間デザインやイベントプロデュース、マーケティングなど幅広い職種の26名が参加した「VENUE LINK 女性キャリア交流会」。始まりでは、この会を企画したVENUE LINK事務局から、開催に至った熱い主旨が語られました。

「イベント業界全体の女性比率が高まっている一方で、実際に働く女性たちはキャリアパスをどう描くべきかに頭を悩ませている現状があります。昼夜や休日を問わず働くことも珍しくないハードな環境の中で、女性たちが将来を想像するためのヒントを得られたらと思い、今回の交流会を企画しました」

やりがいは大きいけれど、ときに忙殺されがちな業界。だからこそ、「いかに生き、いかに働くか」を本音で語り合える場は、この先も自分らしく、そして長くこの仕事を楽しみ続けるための、とてもポジティブなきっかけになるはずです。

続いて、緊張をほぐすため、3～4人が座る各テーブルで共通点を見つけるワークが行われました。出身地、趣味、ラーメンの好みなど、いろいろな共通点が見つかり、各卓で笑いが起こります。

配られたスケッチブックとペンを使い、発見した共通点を発表。「幕張メッセで仕事をしたことがある」という、業界人なら避けては通れない共通点も。「申請関係の業務が苦手」という共通点が発表されたときは、「わかる～！」と全員から笑顔がこぼれていました。


計画は必要ないかも？登壇者が語る、結婚するまでのリアル

場が温まったところで、トークセッションがスタートしました。イベント業界にとどまらず、起業している女性を含めて、自分らしく活躍している5名の登壇者が、自身の失敗や成功を包み隠さず共有しました。それぞれのプロフィールは次のとおりです。

司会を務めるのは、近藤洋子さん。母親が「自分らしいキャリアや生き方」を模索し、好きを仕事にするための起業スクール「日本ママ起業家大学」の学長です。

「幸せをゴールにした働き方」をサポートする近藤さんは、高校3年生の娘を持つ母でもあります。「更年期vs反抗期」のホルモン戦争真っ只中と笑わせつつ、「永遠の女子高の先輩」という立ち位置で、女性たちがもっと楽に生きられるヒントを届けたいと話します。

最初のトークテーマは、結婚観について。近藤さんは「結婚するかどうか、子供を持つかどうか。これって本当に人それぞれですよね。でも、結局は自分で決めることが幸せに直結するんじゃないかなって思うんです。そこで皆さんに聞きたいのは、『いつから結婚とか考えたの？』です」と投げかけます。すると、三者三様の価値観が浮き彫りに。

堀内：私は完全に計画外でした。そもそも結婚願望すらなかったですし、「人生で結婚という選択肢はないな」とすら思っていたくらいで。

近藤：えっ、そうなんですか！ そこからどうして？

堀内：長くお付き合いしていた人がいたんですけど、彼からプロポーズされたタイミングで、結婚について考えるようになって。まさにプレゼンをされた気持ちでした（笑）


近藤：プレゼン！？（笑）

堀内：そうです（笑）。それで、「ここまで考えてくれるなら、結婚してもいっか」って。でも、なるべく遅いほうがいいなとはぼんやり思っていて、結局32歳のときに決めました。

田尾：私も1ミリも考えてなかったですね。願望とかいう次元じゃなくて、本当に何も（笑）。学生時代に付き合っていた人と再会して、そのままの流れでしたね。結婚は「勢い」だと思います。


小山：私はお二人よりはちょっと焦りがあったかも。30歳を過ぎて周りが結婚し始めて、一緒に遊んでくれる友達がいなくなったときに「やばい、私もそろそろしなきゃ！」って。今の夫と32歳で付き合って、33歳で結婚しました。

山本：入社して数年は深夜帰りが多かったので、出会いの機会が少なかったです。「このままで大丈夫なのか？」と婚活っぽく動いた時期もあったのですが、うまくいかず。その後たまたまた知り合った彼と波長が合い、仕事で忙しい時でも、家に心の支えがあるっていいな、と思うようになり、結婚を意識するようになりました。

名字もキャリアも自分で決める。恋愛もキャリアも「ライトな行動」を起点に

近藤：結婚するとき、名字の問題って結構大きいですよね。私も旧姓で仕事をしてますけど、戸籍名と使い分けるのってややこしいじゃないですか。皆さんはポリシーとかありました？

堀内：私は、名字を変えたくないっていうのが「結婚したくなかった理由」の第1位でした！ だから最初は「事実婚」を提案していたんです。結局は話し合って、今は旧姓をビジネスネームにしてます。生まれてからの名前はアイデンティティなので、急に変わる違和感がすごくて。

近藤：結婚前にそこをちゃんと旦那様と対話できたのは、すごくいいコミュニケーションですよね。

堀内：そうですね。私のこだわりに付き合ってくれる人だったんだな、って今は思います。「普通は変えるでしょ」って言われたら、結婚してなかったかも（笑）。

田尾：私は名前へのこだわりは全然なかったんですよ。でも、いざ結婚するってなったときに、仕事で関わっている人たちに「名前変わりました、結婚しました」っていちいち説明して回るのが本当に面倒くさくて（笑）。それで、仕事ではずっと旧姓のままですね。

近藤：事務的な理由がすごくリアル！でも、旧姓を使い続けたり、事前にしっかり話し合ったり、そういう細かい「自分で決める」ことの積み重ねが、結局は幸せに直結するのかもしれませんね。ここまでのお話を聞いていても、皆さん本当に様々ですよね。

でも共通しているのは「たまたま」というキーワード。今、目の前のことに一生懸命生きているからこそ、神様が「たまたま」出会わせてくれる。計画を立てること以上に、その偶発的な出会いも重要なんじゃないかな、なんて思いました。では、続いてのテーマは小山さん、お願いします。

小山：はい！ まずは結婚・出産に関係なく、今振り返って思う「20代・30代のうちにこうしておけばよかった」というお話から。仕事でもプライベートでも、皆さんはどうでした？

田尾：事前に質問をいただいて準備していたんですけど……正直、あんまりないんですよ（笑）。今私は40歳ですが、20年前の自分を振り返ると、もう愛おしい。「あのとき一生懸命悩んで出した答えだから、可愛かったね」って思って終わっちゃう。

ただ、あえて言うなら「とにかく自分で考えてください」ということ。会社に求められる振る舞いとか、周りがそうしているからじゃなくて、自分の頭で考えて答えを出す。その繰り返しが大事だと思います。

近藤：SNSの情報や周りの声に流されず、自分の頭で考える。大きなキーワードですね。小山さんはどうですか？

小山：私はもう少し現実的な話で、もっと早く投資を始めておけばよかったです（笑）。早く始めるほど、増えた利益がさらに次の利益を生むので、将来の金額に大きな差がつく可能性が高まるからです。あともう一つは、海外に行くこと。ストッパーが働いて挑戦しなかったことを後悔している自分がいるので、「住んでみたかったな」と今でも思うことがあります。

近藤：やらなかったことが後悔になるって言いますもんね。若いうちの「投資」と「海外」、大事ですね。ここで質問が届いています。「昔と今、仕事のモチベーションはどう保っていますか？」。堀内さん、いかがでしょう？

堀内：私はイベントや広告関連の仕事が純粋に楽しいんですよね。成果物がわかりやすいし、それに対するリアクションも直接見られる。結局、「楽しい」が一番のモチベーションな気がしています。

近藤：自分がやりたいワクワクが、結果として評価やお金に繋がっていくのはいいですよね。

堀内：うちの会社では「クライアントよりクライアントになれ」って言うんですけど、担当する商品のことを誰より詳しくなると、相手も喜んでくれるし、チーム全員がその商品を好きになると最強ですよね。環境をどれだけ楽しくできるかが大事だと思います。

近藤：もし「やる気が湧かないな」と感じるなら、それは何かがズレているサインかもしれませんね。こんなガチな質問も来ています。「仕事が忙しすぎて恋愛する時間がない。機会を逃しているのではと焦ります」。

小山：最近ならマッチングアプリが主流ですよね。私の若い頃は時間がないなりに、合コンに精を出していました（笑）

近藤：合コンの勝率って、実際どうなんですか？ 

小山：合コンは彼氏を作るためというより、友達を作りに行く感覚ですね。重く考えず、構えすぎず、ライトにいろんな人に会ってみるのがいいのかなと。

近藤：足を運ぶことで目が肥えるのもありますよね。あと、私のように「ダメンズ」にハマっちゃう人は「ナウシカ症候群（私だけがこの人を救える）」に陥りがちなので、自分で選ばず、信頼できる第三者に決めてもらうのも手ですよ。


コントロールできない育児と仕事。背中で見せる「働くかあちゃん」の姿

小山：話題がガラッと変わりますが、ここで「出産後の仕事のやりがい」についても触れておきたいです。

山本：私は初めての育児がとにかく楽しくて、最初は仕事のことを全部忘れて育児を満喫していたんです。もともと深夜作業が当たり前のハードな働き方をしていたので、夜泣き対応も慣れたもんで（笑）。でも、子供が1歳に近づくにつれて、そろそろ仕事もしたいなという気持ちが自然と湧いてきました。

実際に復帰してみると、仕事観が本当に変わりましたね。以前は仕事のことしか頭になかったけれど、育児という別のライフワークができたことで、仕事への向き合い方がいい意味で客観的になったというか。自分の中に「仕事」と「育児」という二つの軸ができたような感覚です。

小山：仕事をしているときは、本来の自分に戻れる感覚があるんですよね。でも子育てをしていると、自分でも制御できないような人格が出てきてしまって、「これ、私らしくないな」と感じる瞬間があるんです。むしろ仕事をしているときの方が、自分らしさを感じられるというか。

イベントのプロデュースという物事をコントロールする仕事をしてきたので、育児の「どうしても思い通りにいかない状況」に戸惑うことが多いです（笑）。そのコントロールできないもどかしさに、日々苦戦しています。

近藤：結婚や出産といったライフイベントが本当にたくさんありますよね。大げさじゃなく、イベントごとに「人生が新しく作り替えられる」というか、生まれ変わるような感覚があると思うんです。子育てを通して、これまで知らなかった「新しい自分」に出会ってしまったとき。それって、ご自身の中ではどんな感覚だったんですか？

山本：新しい自分を受け入れるのには、やっぱり時間がかかりますよね。今もまさに苦戦しているところです（笑）。子供が一人、二人、三人……と増えるたびに状況が全然違って、私、一体どうなっちゃうの？」って戸惑うことの連続で。

でも、ようやく仕事とプライベートのオンオフはつけられるようになってきたかな、と思います。私のやりがいは、結局のところ「誰かに喜んでもらいたい」という気持ちに繋がっているんです。仕事も、その先にいる誰かの喜ぶ顔が透けて見えるから、そこに向けて全力で頑張れる。

子育ても根本は同じで、喜んでほしいという一心なんですが、現実はなかなか上手くいかないことも多いですよね。ただ、子供を保育園や学童に預けて働いている以上、苦しみながら働いている姿だけは見せたくないな、という思いがあります。

感情が素直に出ちゃうタイプなので、仕事が上手くいかないときに機嫌が悪くなることもあるんですけど（笑）。それでも、トータルでは「ママは仕事を楽しんでるんだな。働くって楽しそうだな」と、子供に感じてもらえたら嬉しいですね。

近藤：そういう親の背中を見せることが、一番の教育になっていったりするんじゃないかなって思うんです。それに、子供も本当に「子供」じゃないですからね。私は今、一番の相談相手が娘なんです。仕事はすごく楽しくやっているけれど、やっぱりたまにはいろいろあるじゃないですか（笑）。そんなときに「今ね、こんなことがあってね……」なんて話をすることもあります。

山本：親がそういう嫌な話をすると、子供って意外と喜ぶんですよね。うちの子は「どんな嫌なことがあったの？」って興味津々です（笑）

近藤：でも、そんなふうに社会の中で奮闘しながら生きている「かあちゃん」の姿っていうのも、悪くないんじゃないかなと思ったりします。

自分なりの「ロールパーツ」を見つけ、納得感のあるキャリアを「ナチュラルに」選べる社会になってほしい

近藤：一方で、やはり子どもが生まれてからは、仕事のスタイルを変えないといけないケースもありますよね。

小山：独身でバリバリ仕事をしていた頃と比べると、やっぱり仕事のやり方は変わりましたね。ただ、私は仕事だけにはしたくなくて、子育ても仕事もやりたいという両立のスタンスを希望していたので、クライアントワークは一回やめようかなという選択を自分の中でしました。でもそのときに、「こういうふうにやってみたら？」と示唆をくれる先輩がいたので、そこはすごく救われたなと思っています。自分の中でやりたいことが見つけられたので、今はそこに向かって進んでいます。

近藤：身近にそういう存在がいるっていうのは、本当に大きいですよね。

小山：そうですね。ただ、イベント業界って女性の上の世代が少なくて……。

近藤：もし理想的な先輩がいて、「あの人の生き方がいいな」と思っても、ロールモデルを全部真似するのは結構しんどいですよね。だから、「この人のこの要素はいいな」という「ロールパーツ」を発見してほしいなと。この交流会がロールパーツを見つける機会になったら、とても素敵だなと思います。ここで、会場からの質問をひとつ。「女性の働き方について、もっとこうになって欲しいなと思うことはありますか？」 堀内さん、いかがでしょう。

堀内：少し前までD2CIDという100名弱のクリエイティブ主体の会社にいたのですが、私はそこで上から3番目のポジションだったんです。社長・役員・私（シニアマネージャー）、 という感じで。人数が少ないからこそ、そのポジションにいると毎週の経営会議で組織の動きがすごく見えてくるんですね。

でも、その経営会議に出ているのが、気がついたら私以外全員男性の先輩になっちゃってて（笑）。D2Cグループの役員会議でも、女性ってほとんどいないんじゃないかなと思うんです。そこに、もっと差し込めるようになるといいですよね。月並みですけど、女性がもっと上のポジションに、それも無理やり頑張って苦しみながらではなく、「ナチュラルなキャリアの選択」として役員になれること。そういう環境が、この業界にはすごく必要なんじゃないかなって。

田尾：私は、女性側の「覚悟」の問題もあるのかなと感じています。「自分が一家を養っていく」という覚悟で働くのか、それとも「いい感じに結婚して、養ってもらいながら自分も活躍したい」のか。そこが曖昧だと、「家庭の収支バランス（PL）をどうするのか」っていう話になっちゃいますよね。

今までは時代的に、男性がどうしても養わざるを得なかったという背景がありました。でも、これだけ平等と言われる中で、どれほど「養う覚悟」を持って働きたい女性がいるのか。自分がそれを希望するなら突き進めばいいし、そうじゃないなら、しっかり稼いでくれる人をちゃんと見極めることも大事ですよね。



近藤：女性側のマインドセットですね。仕事もそうですし、いろいろな方の話を聞いていると「丁寧な暮らしをしなければならない」といった「ねばならない」という固定観念に縛られている方も多い気がします。自分がやりたければいいけれど、もしそれが自分を苦しめているのであれば、その考えは捨ててしまってもいいんじゃないかなって。そういうマインドセットは必要ですよね。

小山：ちなみに、事前質問で「弊社は育児休業手当が出ないので、女性に不利ではないか」というお悩みがあったのですが……安心してください、育児休業給付金は会社の手当ではなく、雇用保険から支給されます。会社独自の手当ではないので、平等に受け取ることができます。

近藤：こういう情報にしっかり触れていくことも、本当に大切ですよね。

小山：そうですね。電通ライブでは「パパママハンドブック」を作って、会社の制度や国の制度がまとめてわかるようにしています。みんなにわかりやすくまとまった情報があるというのはとても便利なので、これは是非オフィシャルパートナーの経営の皆さんにもご紹介できればと思います。

自分らしい「幸せ」の定義を、自らの手で描くワークショップ

登壇者たちのセキララでポジティブな本音に、会場全体が温かな共感で包まれたトークセッション。締めくくりに、司会の近藤さんはこんな言葉を送りました。

近藤：自分の価値観を大切にする「いい意味でのわがまま」が、これからの社会で受け入れられる新しい価値に繋がっていくのかもしれません。当たり前をアップデートしながら、皆さんと一緒にこれからの人生をもっと面白くしていきたいですね。 

続いて、自分自身の内面とじっくり向き合うためのワークショップがスタートしました。VENUE LINK事務局の山本が、今回のメインワークである「キャリアデザインツリー」の描き方を説明します。 

山本：今回は「キャリアデザインツリー」を皆さんと一緒に書いてみたいと思います。キャリアプランというと仕事の目標に特化しがちですが、このワークでは「ライフ」も含めた総合的な人生のデザインを目指します。 このツリーは、将来の理想の姿と、自分にとって大切なものを可視化することで、毎日をポジティブに進むための「道しるべ」となるものです。

山本さんは、ツリーを構成する「太陽・地面・木」の3つの要素について解説しました。

【太陽】…10年後の理想の自分。どんなふうに働き、誰とどんな生活をしていたいか、理想のライフスタイルを想像します。
【根（地面から下）】…これまでの経験や自分の強み、ポテンシャルを確認する現在地です。
【木】…根から太陽に向かうために必要なステップや、挑戦したい経験を整理します。

このワークの特徴は、幹の左側を「キャリア軸」、右側を「ライフ軸」と分けて描く点にあります。山本さんは「まずは太陽（10年後）から書き、次に根（過去）を振り返ることで、今の自分に足りないものや、これから挑戦したいことが見えてきます」と、具体的なステップを伝授しました。

「いきなりツリーを描くのが難しい」という方のために、自分の考えを整理するための「10の質問」シートも用意されました。

参加者の皆さんは、ときどきペンを止めて考え込んだり、登壇者からアドバイスを受けたりしながら、熱心に書き進めていました。

最後には、作成したツリーをグループ内でシェア。自分でも気づかなかった想いを言葉にすることで、新たな発見や「ロールパーツ」を見つける、充実した時間となりました。

自分自身の願望やこだわりと向き合いながら、キャリアデザインツリー にこれからを記すーー。忙しいイベント業界に身を置く女性たちにとって、心を落ち着かせて自分の本心を見つめる貴重な機会になったようです。

プログラムが終了したあとには、フィンガーフードとドリンクで懇親会を開催。心がほどけたのか、参加者たちが登壇者に相談したり、談笑したりと和やかな時間が流れました。

参加者のアンケートには、「様々な価値観・考え方があると改めて感じ、自分を見つめなおす場ともなりました。」「今後の人生について深く考える機会になりました」と、充実した時間を過ごせたことが分かるコメントが多数寄せられました。

毎日が忙しいイベント業界では、自分と向き合う余裕を失い、ふと孤独を感じる瞬間もあるはずです。けれど、同じ境遇の仲間と出会い、誰かの素敵な「ロールパーツ」を知り、新しい選択肢に気づき、自分の理想の将来についてポジティブに思いをめぐらせることで、未来への視界はぐっと開けていくのではないでしょうか。今回の交流会は、そんな前向きな希望を分かち合う、実りある時間となりました。会場に広がっていた晴れやかな表情が、明日への活力へとつながっていく——そんな温かな熱量を、確かに感じるひとときでした。


write＆edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura


【女性交流会レポ】仲間＆先輩たちの「ロールパーツ」から見つける、自分らしいキャリアの描き方

ティーライブはイベントプロデュース事業とソーシャル事業を軸に、人と人がつながる時間を創り出してきた制作会社です。展示会やプロモーションイベント、補助金関連事業など、一見異なる分野に見える事業領域に共通するのは、「人のために働く」という姿勢。創業から25年、人を信じ、人に頼られる存在を目指して歩んできたティーライブの軌跡と、これからの挑戦について、取締役の植木徳彦氏と小森優樹氏に伺いました。

創業当初から変わらない「人が好き」という想い

——まず、御社の概要や創業の経緯についてお聞かせください。

株式会社ティーライブ　取締役　植木徳彦氏（以下、植木）：当社は2000年に創業して以来、イベントやプロモーションの企画運営を中心に活動してきました。設立のきっかけは、創業メンバーの平野はクライアント側の立場 、根本は電通側の立場 として、お台場の大型施設のオープニングプロジェクトに携わったことです。「またいつか一緒に何かやりたいね」と意気投合し、当社の創業に至りました。お互いに強く創業を志していたわけではないのですが、タイミングとご縁が重なってティーライブが生まれました。

——社名の「ティーライブ」には、どのような意味が込められているのでしょうか？

株式会社ティーライブ　取締役　小森優樹氏（以下、小森）：「ティー」は東京を、「ライブ」は「生き物としてのイベント」を意味しています。加えて、社名には直接反映していないものの、企業理念として大切にしているキーワードが「ネットワーク」です。

イベントの現場は、決して一人で完結するものではありません。クライアント、協力会社、スタッフなど、あらゆる関係者との連携によって成り立っています。また、当社が入居するビルには同業他社も入っており、プロジェクトごとに自然とチームを組む関係性が築かれています。お互いの強みや得意分野を補い合いながら動く、いわば「横のネットワーク」が日常的に機能している環境です。

こうした背景を踏まえ、「東京で元気のいい人たちが集まり、ネットワークを作る」会社を目指して、「東京ライブネットワーク」＝「ティーライブ」と名付けました。

——企業理念に「人が好き」という言葉を掲げられていますが、社員の皆さんでどのようにその価値観を共有されているのでしょうか？

植木：「人が好き」とは、イベントという仕事の本質を表している言葉です。10人いれば10通りのアイデアがあり、誰しも失敗を重ねます。私たちは、それぞれの違いや不完全な部分をストレスと考えるのではなく、化学反応が生まれる面白さだと捉えています。

「ハプニングを楽しもう」という言葉は、社内でもよく使っています。イベントの現場では、予想外のことが起こります。だからこそ、それに柔軟に向き合い、楽しみながら「より良い解」を探す姿勢が必要です。お客様を楽しませるには、まず自分たちが楽しくなければいけない。そういうマインドセットが、ティーライブの根底に流れているんです。様々な化学反応を乗り越えながら、一緒にイベントをつくりあげていく過程こそがこの仕事の醍醐味です。


小森：植木の話にあったように、楽しむ姿勢はとても大切にしています。ただ、それを言葉で指導したり、社内ルールとして定めたりはしていません。一人ひとりが楽しんでいる姿を見せることで、それに共感してくれた仲間が同じ方向を向いてくれたらいい。そんな空気を大切にしているのです。

植木：イベントの仕事はシステム化や効率化が難しく、いまだに人の手を必要とする部分が多くあります。どんなにテクノロジーが進歩しても、人の関与なしには成立しません。これをネガティブに捉える向きもありますが、私たちはむしろポジティブな面に注目しています。機械では代替できない、人の感性や気配り、場の空気を読む力こそが不可欠です。だからこそ、「人」という存在を大切にしてきました。


正反対に見えるイベントと補助金事業。共通するのはやはり「人」の存在

——ティーライブは、イベント事業・ソーシャル事業を柱にされていると伺いました。それぞれの事業の特徴や強みを教えてください。

植木：イベント事業は、展示会やプロモーションイベント、企業の周年事業などを中心に幅広く手がけています。私たちの役割は、クライアントの「こんな場をつくりたい」という想いを、記憶に残る時間として創造することです。出展者と来場者が出会い、次につながる瞬間をどう演出するか。私たちは、その場にいる全員が楽しめる「共感をベースにした体験づくり」に最も力を入れています。

小森：ソーシャル事業は、主に補助金制度に関連する事務局業務を担っています。いわば「制度と人をつなぐ橋渡し役」ですね。この事業は、2009年に始まった家電エコポイント制度 をきっかけに、様々な補助金のサポートをする事業として現在に続いてきました。特に立ち上げ期の事業では、制度設計そのものに関わることもあり、丁寧で確実なオペレーションが求められる事業です。

イベント事業は「瞬間の勝負」です。一つひとつのプロジェクトが短期間となっており、感情に訴える要素が強い。一方、ソーシャル事業は、1年から3〜5年といったスパンの長い案件が中心で、感情というよりは制度と丁寧に向き合う姿勢が求められます。

植木：どちらにも共通しているのは「人のために働く」という視点です。誰かの役に立ちたい、困っている人に寄り添いたいという思いが、社員一人ひとりの行動指針になっています。

——イベント事業とソーシャル事業、いずれも「人のために働く」という視点が大切にされているのですね。そうした価値観が表れる、御社らしい文化やエピソードがあればぜひお聞かせください。

植木：たとえば、ある博覧会の現場で、毎日足を運んでくださる聴覚障害のあるお客様がいらっしゃいました。スタッフはその方の顔を覚え、自然に手話で挨拶するようになったのです。マニュアルにない、気持ちを通わせるような小さな関係の積み重ねこそが、私たちの仕事の価値だと思っています。

また、バンコクでの日本人アーティストのライブでは、お客様とともに一体感のある熱気に包まれました。国や言語が違っても「楽しい」を共有する空気が生まれる。そうした瞬間に、イベントの力と私たちの存在価値があると感じます。

小森：制度運営においても、申請者の顔が見える瞬間があります。直接「ありがとう」とおっしゃっていただける場面に遭遇したときは、「普段処理している書類の先には、ちゃんと人がいるんだ」という実感を持てるんです。仕事を通して誰かの役に立っているという感覚は、私たちの原動力になっていると思います。


楽しむ空気を生み出すことで広がる信頼の輪

——現在、特に力を入れている取り組みについて教えてください。

植木：最近は、海外との接点がさらに増えています。2005年にタイ法人を設立して以来、東南アジアを中心に現地案件を手がけてきましたが、今では中近東の企業からもお声がけいただくようになってきました。東京の本社にはタイや台湾出身のスタッフもおり、グローバルな現場にも対応できる体制が整っています。

こうした国際的な現場を経験できることは、私たちの強みの一つです。外国語で話しかけられても物おじせず、コミュニケーションをとれる。そんな人材が社内に増えているので、これからは日本だけにとどまらず、もっと広く世界に出ていく機会が増えていくと思っています。

小森：また、ここ数年は、まだ広く知られていないスポーツや文化活動へのサポートにも力を入れています。たとえば、若者に人気のスポーツ「パルクール」 の大会運営支援や、アーティストのシシド・カフカさんが手がける即興打楽器のライブプロジェクト「el tempo（エル・テンポ） 」にも立ち上げ段階から関わっています。こうした取り組みを通して、「面白いものを一緒に広めていきたい」と考えています。

植木：他にも、女子ラグビーのチーム「TOKYO SANKYU PHOENIX」のスポンサード や、国際人権NGO ヒューマン・ライツ・ウォッチのチャリティディナー「Voices for Justice」など、多様な活動にも関わらせてもらっています。「こんな分野にもティーライブが関わっているんですね」と驚かれることもありますが、その幅広さがむしろ私たちらしさなんだと思っています。

——お二人のお話から、メンバー一人ひとりが主役になるような組織を目指されているのが伝わってきました。そうした組織を通して、今後どのように業界や社会に価値を届けていきたいとお考えですか？

小森：創業から25年経ち、健全な世代交代も意識しています。若い世代が年齢や経験にかかわらず挑戦しやすい、風通しの良い組織づくりを進めることが、会社の新たな体力になると考えています。

植木：そして、私たちが目指しているのは、会社の名前で仕事が来るのではなく、個人の名前で声がかかるような状態です。「あなたにお願いしたい」と言われるメンバーが増えていくことが理想ですし、そのほうが本人もやりがいを感じられるはずです。

——これから業界や社会に対してどのような価値を提供していきたいと考えていますか？

小森：私たちは、業界を変えようという野心的な目標を掲げているわけではありません。でも、人に頼られる存在でありたいという想いは、ずっと変わらず持ち続けています。業界がどうであれ、目の前の人のために何ができるかを考えて行動する。それを積み重ねていくことで、自然と信頼の輪が広がっていくのではないかと感じています。

植木：イベントは、誰かが仕掛けて終わりではなく、誰かと「共に」つくっていくものです。お客様も、クライアントも、関係者も、みんなで楽しむ空気をどう生み出すか。その視点を持ち続けることで、イベントの可能性はもっと広がっていくはずです。そして、「ティーライブと一緒に何かやってみたいな」と思ってもらえたら嬉しいです。

＜本記事はPR記事です＞

write：takako minoshima
edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

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人を想う心が成長の原動力。ティーライブが届ける共感と信頼の体験

大阪・関西万博では、建築や演出を通じて「物語」を語りかけるパビリオンが数多く見られました。象徴的なデザインや体験型の仕掛けは、来場者の五感を刺激し、いのちや未来に対する根源的な問いを静かに呼び起こします。こちらのレポートでは、そうしたストーリーテリングを軸にした演出がどのように来場者の心を動かし、どんな思索の余白を残したのかを紹介します。

【パナソニック ノモの国】光と風に揺れる建築が印象的。「結晶」デバイスで物語に参加

パナソニックグループのパビリオンは、「アンロック・ユア・ネイチャー」をテーマに掲げています。設計を手がけたのは建築家・永山祐子氏。外観の特徴は、光沢を放つ布素材「オーガンジー」を大胆に取り入れたファサードです。資材は使用済み家電から回収した鉄や銅、ガラスを活用しています。

全面を覆うのではなく、あえて3分の1程度を揺らめく状態で残すことで、自然の風が通り抜け、光と影が揺れるように演出されています。外から見ても建築が“呼吸”しているかのように感じられ、未来的でありながら自然と調和するデザインとなっています。

パナソニックグループがこのパビリオンで狙うのは、未来を担うα世代の子どもたちが、自分の身体や感覚を解き放ち、「自分を突き抜ける」体験を得ることです。そのために、展示は単なる鑑賞型ではなく、身体感覚や五感を刺激する仕掛けを随所に施しています。
     
制作プロセスにも子どもたちを巻き込み、企画段階から参加してもらう試みも行われました。子どもの想像力や発想を展示に取り入れることで、未来に開かれたパビリオンとしての姿勢を体現しています。「ノモの国」総合プロデューサー原口 雄一郎さん（パナソニック オペレーショナルエクセレンス株式会社）は、次のように話します。

「子供たちは本来自分のやりたいことや興味を持っていても、社会のルールや思い込みで抑えてしまうことが多いと感じます。今回のパビリオンを通じて、そうした感覚を解き放つきっかけになればと思っています。これまでパナソニックとして若い世代の課題に深く寄り添う機会は少なかったので、パビリオンを通じて、研究者や技術者が直接子供たちと接し、新しい気づきを得られることを目指しました」

「ノモの国」の内部に入ると、ピンク色の光の粒が床や壁に投影され、まるで身体ごと映像世界に溶け込むような没入感。足元に広がる光の粒が来場者の動きに呼応することで、自分自身の存在が空間とつながっていく感覚を得られます。こうした体験は「自然と人間の境界を溶かす」ことを意図した演出であり、五感を通じてテーマを直感的に理解できるよう設計されています。

「最初のステップとして五感を研ぎ澄ます体験を重視しました。立体音響、振動、ミストなどを用い、普段は意識しない感覚を引き出す設計にしました。映像だけでなく身体を使って感じる演出を重ね、心象風景をデザインしています。また、個々の感受性によって異なる体験ができるよう、色や形を固定せず、多様な解釈ができる空間づくりにこだわりました」

「カガミイケ」を通じて“物と心が映り鏡になる世界”という異世界感を演出。来場者に渡される結晶のようなかたちをしたデバイスは、パビリオン体験の鍵です。自由に触れて“パワー”を貯めるように働きかけられます。持ち歩くことで、自分の存在が空間と相互作用し、映像や音響の反応を生みます。大滝のようなミストウォールをくぐる場面では、結晶に映る光が変化し、物語の進行を視覚的に実感できます。

「『結晶デバイス』にはIT技術を組み込み、個々の行動や周囲の状況を記録・分析できるようにしています。電子機器に見えないよう美しい形状にこだわり、来場者がワクワクしながら体験できる工夫をしました。個々の選択や行動の違いがデータとして結晶デバイスに蓄積され、160種類以上の固有体験を楽しめるようになっています」

未来の世代に向けて「技術は人を自然から切り離すものではなく、むしろ自然とのつながりを深めるものになり得る」というメッセージを発信している「ノモの国」。未来を見据えながら、今を生きる身体を解放し、自然とのつながりを再発見する――それが、パナソニックグループのパビリオンが来場者に届ける体験です。

【EARTH MART】食の可視化で理解を深める。いのちの循環と未来の食卓

シグネチャーパビリオン「EARTH MART」は、食を切り口にいのちの循環や未来を考える場として設計されています。テーマ事業プロデューサーの小山薫堂氏は「食を通して、いのちを考える」ことをコンセプトに掲げ、日々の食卓を超えて世界規模の課題や希望を体感できる空間を構想しました。

来場者をまず迎えるのは、全国各地から集められた茅で葺かれた大きな屋根です。隈研吾建築都市設計事務所が監修し、熟練の職人によって仕上げられたこの屋根は、自然との循環や共生を象徴しています。複数の屋根が重なり合う造形は、まるで市場の賑わいを思わせ、入場の瞬間から「食が人を集める場所」というテーマを感じられる演出になっています。


展示は大きく「プロローグ」「いのちのフロア」「未来のフロア」「エピローグ」に分かれます。

「巨大スクリーンのアニメーションから始まる『プロローグ』では、食といのちの循環を映像で示し、来場者を物語の世界へ誘います。続く『いのちのフロア』では、普段の食卓にある食材がどれほど多くのいのちに支えられているかを体感的に理解できます。」（実施制作統括プロデューサー）

「一生分のたまご」では、日本人ひとりが一生で約2万8000個の卵を食べるという事実を、空間いっぱいに並ぶ卵で表現。さらに「いのちのカート」では、日本人が10年間で消費する食料の体積を巨大なショッピングカートで可視化し、来場者に圧倒的なスケール感を与えます。

「データを数字だけでなく、空間全体で感じ取れる展示にこだわっています。言葉による説明ではなく『食べることはいのちをいただくこと』という実感を持っていただくように工夫しています」（実施制作統括プロデューサー）

後半の「未来のフロア」では、伝統と最新技術が交わる空間演出が際立ちます。「未来を見つめる鮨屋」では、すきやばし次郎の小野二郎氏が養殖魚を握る映像と共に、カウンターを模した空間に来場者を迎え、鮨文化の未来を考える場を演出しています。

また「進化する冷凍食」では、凍結粉砕技術で食材をパウダー化し、新しい主食や料理として提示。透明なケースに整然と並ぶ“粉末化された食材”は未来の食品棚を連想させます。「味を記憶し、再現できるキッチン」では、調理プロセスをデータ化して再現する技術を、実際の調理台を模した展示で紹介し、時間や場所を超えて「同じ味」を共有する未来像を描いています。

展示の終盤には、子どもたちが考えた「未来のお菓子」や、日本発の食文化を世界に発信する「EARTH FOODS 25」が並びます。さらに、実際にパビリオンで樽に漬け込んだ梅干しを25年後の2050年に開封する“食のタイムカプセル”という長期的な仕掛けである「万博漬け」が、空間全体に未来への祈りを刻み込みます。

最後の「エピローグ」では巨大な円卓を囲み、来場者同士が「食を分け合う喜び」を共有できるよう設計されています。映像と照明が融合した演出の中で、食がもたらす心のつながりを全身で感じ取ることができます。

最後に、「EARTH MART」の出口には「Welcome to EARTH MART」という言葉が掲げられています。通常であれば入口で見かけるはずの言葉をあえて出口に置いたのは、「展示を出たその瞬間、この地球こそが真のEARTH MARTである」というメッセージを伝えるためだそう。

来場者にとって特別な体験は、日常へとつながる行動のきっかけになってほしい──そんな思いが込められています。細部にわたって、展示と生活世界がシームレスにつながるような工夫に強い一貫性を感じるパビリオンでした。

【PASONA NATUREVERSE】アンモナイトからiPS心臓まで。「いのちを大切にしたい」思いを醸成する

「PASONA NATUREVERSE」のテーマは「いのち、ありがとう」。あらゆる生物のいのち、過去からつながるいのち、未来へと続くいのちへの感謝がパビリオン全体で表現されています。外観はアンモナイトを模した螺旋形状。その先端には人とテクノロジーの象徴といえる鉄腕アトム。ウェルビーイングな社会づくりを実践するパソナの拠点、淡路島の方向をアトムが指さしているのも知る人ぞ知るポイントです。
「NATUREVERSE」とは「ネイチャー」と「ユニバース」から成る造語で、同パビリオンでは、時空を超えたブラック・ジャックの手によってiPS心臓を埋め込まれて再生した「ネオアトム」と、まさにその手術を施した「ブラック・ジャック」のナビゲートにより、自然とテクノロジーを融合させた未来世界を体験します。
最初に足を踏み入れるは「生命進化の樹」内部。「過去があるからこそ未来があるんです」と小沢 達也さん（NATUREVERSE総本部 万博本部　副本部長）。
「過去から未来を0～10の層が重なる一つの大きな木で表現し、その幹から伸びる枝が次の空間へとつながり、未来世界「NATUREVERSE」へと続きます」。今生きているわずかな時間しか知らない私たちに、太古からはるか遠く未来まで続く大きな時間の流れに目を向ける最初の場として有効な役割を果たしています。

あとに続くのは、世界最大級の宝石のように輝く天然の「アンモライト」や、今回一番の話題となっている「iPS心臓」の展示です。過去のいのち、未来のいのちと、一つひとつの展示に生命そのものの存在を感じ、今こうして生きていることを意識させられます。
ただゆらめいているようにも見える小さな「iPS心臓」。じっと見ていると確かに自らの意思でドク、ドク、ドクと動いているのが分かります。自分の拍動と重なるような錯覚すら感じ、私の心臓も同じように動いているんだという不思議な感動とともに、徐々に心が動き出します。

続く未来の医療を体感するブースでは、「空飛ぶ手術室」が山奥や離島にも駆けつけ、「自走型マイクロロボット」という小さなロボットがデータをもとに動いて患部を治療するという未来の手術方法を紹介しています。    
 
また、電極シールを体の部位に貼り、脳神経から出る信号をキャッチして体を動かす「HAL」という医療用装着型ロボットや、実際にベッドに横になり体感できる「未来の眠り」ブースなど、目で見て、体験できるブースが続きます。信じられない気持ちと、こんな未来が待っているのかという高揚感で、どのブースでもゲストのどよめきが。あまりの驚きに最後には自然と拍手が生まれるほどです。

クライマックスを飾る映像ショーでは、NATUREVERSEの世界が描かれ、「戦争や環境破壊など、自分勝手な行いをしている我々人類が、真に豊かな社会、「ありがとう」が響き渡る世界「NATUREVERSE」を作り上げていくためには一体何が一番大切なのか。そして、今自分たちにできることは一体何か。ネオアトムとブラック・ジャックがこのNATUREVERSEショーでそれらの問いの答えを導く手助けをしています」と小沢さん。

キューブ型ディスプレイの動きに、音と映像が連動し、最大で高さ16mもの天井が織りなすアンモナイトの内部空間とスクリーン映像とが一体化。ブース全体が一つの惑星のように感じられ、地球の破壊と再生がよりリアルに。目の前の映像とシンクロするように悲しみ、喜びと、ここでもまた心が変化します。


 「まだ見ぬ未来NATUREVERSEの世界を体感することで、「いのちを大切にしたい」という思いを一人ひとりがもち続けられる。メッセージを届けるというよりも、心に働きかける、そんな世界観をつくることができたのではと感じています」。

 なお、会期終了後に同パビリオンは淡路島へ。移設しやすいようトラス構造を用い、解体した部材は軽量かつ人一人が抱えられる大きさにと、サスティナブルな工夫も施されています。

【アオと夜の虹のパレード】主人公と感情がシンクロする、水と空気の感動スペクタクルショー

いのちを壮大なスケールで描くスペクタクルショー「アオと夜の虹のパレード」。ウォータープラザには中央の巨大モニュメントに組み込まれた「ウォーターカスケード」をはじめ、約300基の噴水、照明やレーザーなどさまざまな演出装置が設置されています。水、空気、光、炎、映像、音楽を駆使し、水やモニュメントに映像を投影。「水と空気」をテーマに、主人公の子ども「アオ」と島に住む奇妙な生きものたちの出会いが描かれます。

何十億年もの昔、この星に生まれ姿形を変えながら海、空、大地、生きものをめぐる「水と空気」。地球のすべてを見てきた水と空気に未来のヒントがある。そんな想像がウォーターショーの出発点なのだそう。

アオのおばあちゃんが口ずさむ伝承歌「にじまつり」で物語は幕を開け、私たちはアオとともにおばあちゃんの静かな語りに耳を澄まします。


そして、アオと奇妙な生きものたちとの出会いから、祭りへと物語は移行し、全ての演出が一斉に加速。祝祭のにぎわいが会場全体をお祭りムードに。ショーを見ているというよりも、アオと同じ景色を見ているような感覚で、その世界観に一気に引き込まれます。

続く場面では一転、ドラゴンの出現により生きものたちのいのちが消滅し、あたりは静寂に。そこへ再び聞こえてくるのはアオによる「にじまつり」の歌。それをきっかけに生きものたちがよみがえります。出会いの高揚感から喪失の悲しみ、そして復活の喜びへ。アオとゲストの感情がリンクし、気が付けばゲストもショーの一員です。

一方で、技術面のこだわりはというと、その水位が一番のポイントだといいます。
「大阪湾から高台の位置にあるショー実施エリアのウォータープラザまで海水を引き込んでいるため、潮位による変動はないのですが、ベストパフォーマンスのショーを見せるために最適な水位レンジがあるんです。それが1センチ違うだけで見え方が変わってくる。さらには、ウォータープラザ内の水循環量も一定に保つ必要があり、だからその調整を毎日、毎時間行っています」と話してくれたのは現場の運営責任者。

「ウォータースクリーンは水面ギリギリに噴水ノズルがあり、水面が上昇すると左右の拡がりがきれいに見えないんです」と話すように、素人目には分からずとも、ちょっとした差が見え方に影響するため、水位の調整に苦労するのだとか。ほかにも天候はもちろん、風の向きや速度などによって噴水量の調節も欠かせないといいます。実際の運営にあたっては、繊細な努力の積み重ねがショーを盛り上げ、ゲストの感動へとつながっていることを改めて実感しました。


【大阪・関西万博レポ②】物語と象徴で心を揺さぶる。いのちと未来を描くストーリーテリング演出

新たなイベント・スペース創造のヒントとなる業界トレンドを
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べニューニュース

Netflix 渋谷リアル・イカゲーム

2026年1月16日から7月20日（月・祝）（予定）まで、渋谷フクラス内「東急プラザ渋谷」3階にて、体験型アミューズメント施設「Netflix 渋谷リアル・イカゲーム」がオープンしています。

世界的社会現象となったNetflixシリーズ『イカゲーム』の世界観を実体験できる、日本初上陸のアミューズメントパークです。2024年10月のニューヨークを皮切りに、マドリード、ソウル（聖水洞）、ロンドン、シドニー、ロサンゼルスを巡回してきた国際的プロジェクトが、満を持して渋谷に登場しました。

来場者は入場後、「FACE SCAN」ゾーンで顔をスキャンし、プレイヤーとして登録されます。鮮烈な色彩と不穏なコントラストに満ちた空間で自動音声の指示に従ううちに、現実からフィクションへと静かに引き込まれていきます。

続く「BANK ROOM」は、作中の宿舎を完全再現した圧倒的な空間。無数の二段ベッドが並ぶ中、フロントマンによるブリーフィングが流れ、ゲームへの緊張と期待が一気に高まります。

ゲームエリアでは、作品に登場する6つのサバイバルゲームを体験します。第1ゲームは「TUG OF WAR（綱引き）」。個人戦でありながらチーム戦でもある緊張感が特徴です。第2ゲーム「MARBLES（ビー玉遊び）」では、指定エリアにビー玉を投げ入れる集中力が問われます。第3ゲーム「MEMORY STEPS（ガラスの橋）」では、安全なタイルを記憶しながら進む冷静さが試されます。

第4ゲームはシリーズを象徴する「RED LIGHT, GREEN LIGHT（だるまさんがころんだ）」。ヨンヒの呼びかけに合わせて動きと静止を制御する緊張が場を支配します。第5ゲーム「ROUND & ROUND（椅子取りゲーム）」は、光るプラットフォームをめぐる瞬発力勝負。最終ラウンドでは2名の勝者が決まります。

そして第6ゲーム「THE LAST SUPPER（最後の晩餐）」。上位6名のみが参加できる最終決戦で、最初に3勝したプレイヤーが優勝者となり、特別な「VIP ROOM」へと招かれます。

ゲーム体験に加え、「ヨンヒの遊び場（グッズ売り場）」やコラボカフェも充実しています。プレイヤーの緑ジャージをはじめ、Tシャツ、フーディ、ステッカー、缶バッジなど、日本限定アイテムが多数並びます。カフェでは、赤と緑、○△□といった象徴的モチーフを味や色、仕掛けに落とし込んだ没入型メニューを楽しめます。

『イカゲーム』の世界の緊張、興奮、そしてスリルを追体験できる没入型アミューズメントで、物語が空間へと拡張された新しいエンターテインメントを体感してみてはいかがでしょうか。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年1月16日（金）から7月20日（月・祝）（予定） 
営業時間：11時～21時30分 
会場：渋⾕フクラス 内 東急プラザ渋⾕ 3 階 
チケット料金（税込）： 【平日】一般（大学生以上）3,900円 / こども（小・中・高）3,300円 / 貸切枠76,000円、VIPチケット（1ドリンク付き）2,000円 / 特典引き換えチケット11,000円 
【土日祝日】一般（大学生以上）4,100円 / こども（小・中・高）3,500円 / 貸切枠80,000円、VIPチケット（1ドリンク付き）2,000円 / 特典引き換えチケット11,000円 
※未就学のお子様のご入場は無料ですがゲームに参加する場合はチケットが必要となります。 


※展示内容・イベント・開場時間は変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

あの大ヒット作が現実に。渋谷で始まる没入型サバイバル体験

怒怒怒ランド

2025年11月16日から2026年2月25日まで、西武渋谷店B館地下1階にて体験型展示「怒怒怒ランド」を開催中です。日常のなかで感じる、ちょっとしたイライラや行き場のないモヤモヤ。そんな「怒り」の感情を、否定するのではなく「遊び」へと昇華させてしまうユニークな展示です。

本展を企画・制作するのは、『いい人すぎるよ展』『そういうことじゃないんだよ展』などを手がけ、シリーズ累計80万人以上を動員してきたクリエイティブチームentaku。これまで「日常の共感」をユーモアに変えてきた彼らが、最新作のテーマに選んだのは「怒り」です。誰もが抱えるこの厄介な感情を、体を使って楽しみながら解き放てる仕掛けが会場に散りばめられています。

会場には、見るだけでなく体を使って参加できる仕掛けが多数設置されています。「ふざけてるとこうなるぞ投げ」では、イラッとする言葉にボールを投げつけることで、抑えてきた感情を一瞬だけ解放する体験ができます。キャストが札を動かして妨害する手動ギミックが、どこか現実の理不尽さを思わせます。

一方、「ぶっとばすぞボンボヤージュ」では、巨大な言葉がラスボスのように立ちはだかり、思わず声を上げてしまう場面も。「許せないです逮捕します投票所」や「クソ占い」「許すまじスマホ」など、SNS時代の苛立ちを可視化した展示も並びます。

また、「A型の人立ち入り禁止エリア」や「潔癖症メリーゴーランド」は、当事者への取材をもとに制作されたコーナーです。几帳面さや潔癖さが試される空間設計は、思わず苦笑を誘います。さらに「怒ってる人どうぶつえん」では、怒りを抱えた人間の“生態”が動物園のように紹介され、来場者は自分自身の姿を重ねるかもしれません。

火・水・木曜の18:00～19:45には、怒怒怒ランドのオリジナルキャラクターによるショーが数回開催されます。やる気があるのかないのか分からない着ぐるみたちが繰り広げる自由なパフォーマンスは、怒りと脱力のあいだを行き来する奇妙な可笑しさに満ちています。

怒りは厄介な感情である一方、人間らしさの証でもあります。「怒怒怒ランド」は、その感情を否定せず、遊びへと変換し、共有できる体験へと昇華させます。笑って、投げて、叫んで——心の中のモヤモヤを、この“怒りの遊園地”で解き放ってみてはいかがでしょうか。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2025年11月16日（日）～2026年2月25日（水）
会場：西武 渋谷店 B館地下1階（東京都渋谷区宇田川町21-1）
チケット（税込）：【平日】展示鑑賞券：2,100円、展示鑑賞券＋ハーフあそびパス：2,700円、展示鑑賞券＋フルあそびパス：3,100円、小学生以下：無料、障がい者手帳をお持ちの方：500円割引（本人＋介助者1名）
【休日】展示鑑賞券：2,400円、展示鑑賞券＋ハーフあそびパス：3,000円、展示鑑賞券＋フルあそびパス：3,400円、小学生以下：無料、障がい者手帳をお持ちの方：500円割引（本人＋介助者1名）


※展示内容・イベント・開場時間は変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

「ムカつく」は最高のエンタメ。世界一平和なブチギレ体験

Perfume COSTUME MUSEUM FINAL EDITION

11月15日（土）から2026年1月12日（月・祝）まで、そごう美術館で「Perfume COSTUME MUSEUM FINAL EDITION」が開催中です。

2005年にメジャーデビューし、2007年の楽曲「ポリリズム」をきっかけに広く知られる存在となり、2025年9月に「コールドスリープ」を宣言するまで、世界を舞台に第一線で活躍を続けてきたPerfume。彼女たちの世界観を象徴する一つが、ステージ衣装です。本展は、『Perfume COSTUME BOOK 2005–2020』を起点に、メジャーデビュー以降の選りすぐりの衣装を展示してきた全国巡回展の集大成にあたります。

Perfumeの活動を語るうえで欠かせないのが、演出振付家MIKIKO氏とRhizomatiksによるライブ表現です。本展では、Perfumeの歩みを「ライブ」という視点から可視化するため、これまでミュージックビデオを中心に構成してきた展示を刷新。ライブおよびツアー衣装を軸に再構成することで、ステージ上で進化してきた表現の軌跡を、より立体的に紹介します。

会場には、ライブ・ツアー衣装を中心に、初期から最新までPerfumeの活動を象徴する衣装が並びます。2008年の日本武道館初公演、2010年の東京ドーム初公演といった初期の代表的なライブ衣装に加え、2025年9月22日・23日の東京ドーム公演で着用された最新衣装など、12セット36着が新たに公開されます。合計162点・54セットにおよぶ衣装を通して、20年にわたるPerfumeの軌跡を一望できる構成です。


Perfumeの表現は、常に新たな挑戦とともにありました。動く衣装へのプロジェクションマッピングや、音源と連動してLEDが発光する衣装など、テクノロジーと融合した試みは国内外で高く評価されています。

2025年大阪・関西万博のNTTパビリオンで披露されたパフォーマンスでは、次世代通信技術IOWNの可能性を体感できる「未来のライブ」を提示し、「2025 65th ACC TOKYO CREATIVITY AWARDS」ブランデッド・コミュニケーション部門Cカテゴリーにおいてグランプリを受賞しました。

「FINAL EDITION」では、この万博パフォーマンス衣装や、Perfume初のコンセプトアルバムにまつわる衣装など、近年の創作活動を紹介する新たなセクションを設置。最新の表現から、Perfumeの進化を伝えます。


また、各会場で好評を博してきたメンバーセレクト企画「私たちのお気に入り」も本展で進化します。あ〜ちゃん、かしゆか、のっちの3人がそれぞれ思い入れのある衣装を選び、コメントとともに紹介してきた本企画ですが、横浜会場では初めて3体セットで展示される衣装を3セット用意。3人が並ぶことで完成するPerfumeの衣装デザインと世界観を、会場で体感することができます。

衣装を通して浮かび上がるのは、ステージの華やかさだけでなく、その背後にある試行錯誤と創造の積み重ねです。次の表現へと向かうPerfumeのこれまでを知る本展を、ぜひお見逃しなく。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2025年11月15日（土）～2026年1月12日（月・祝）
会場：そごう美術館（そごう横浜店6階）
時間：10:00～20:00（最終入場19:30）
※12/31は時短営業、1/1は休業
入場料（税込）：一般 1,600円（前売 1,400円）、大学・高校生 1,400円（前売 1,200円）、中学生以下 無料


※展示内容・イベント・開場時間は変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。


約160点の衣装で辿る、Perfume 20年の軌跡と世界観

2025年に設立85年を迎える日展は、博覧会や展示、イベント、文化施設など、多彩な分野で空間づくりを担うプロデュース企業です。時代の変化にあわせて事業領域を広げ、近年は「全員がプロデューサー」として幅広い案件に対応できる体制を整備。営業・デザイン・制作が一体となり、スピードと柔軟性を兼ね備えた提案を可能にするとともに、社員一人ひとりが専門性を磨きながら成長を重ねています。85年の挑戦の軌跡と、次の時代に向けた展望を伺いました。

文化・商業・イベント――85年の歴史に磨かれた体験を創造する力

――まず、創業当初の事業内容についてお聞かせください。

本社事業本部 副本部長兼開発プロデュース部部長 矢野明彦氏（以下、矢野）：当社のルーツは1923年に神戸で創業した「三共装飾社」で、大正時代から活動していました。その後、社名を株式会社日本展覧会製作配給社とし、略して「日展さん」と長らく呼ばれていたそうです。

1941年に株式会社日展を設立したとき、当時の主力は「巡回展」と呼ばれるパネル展示でした。90センチ角のパネルに写真や解説、ジオラマを組み合わせて設置し、組み立てては解体し、次の街へ運ぶ。そのようにして日本各地で文化や情報を伝えていました。SNSやテレビがない時代ですから、巡回展は地域に暮らす皆さんにとって貴重な体験の場だったようです。

その後、太平洋戦争の時代は、戦意高揚を目的とした巡回展を担当していました。国内のみならずアジア地域まで出向いたという記録も残っています。戦後は需要が途絶えましたが、復興博や勧業博が開催され、当社も参画しました。

また、百貨店の催事場を借りて文化的な展示を行ったことが、のちに文化施設事業へとつながっていきます。当時の百貨店は、時代の先端を行く存在でした。宣伝部の方とともにフロア全体の計画を立て、展示を通じて多様な業界の知識を学びました。この経験が文化施設や商業施設への進出につながりました。

――時代とともに、展示の形が大きく変化していったのですね。現在は、博覧会を数多く手がけていらっしゃいますが、大きな転機はいつ訪れたのでしょうか。

矢野：やはり1970年の大阪万博です。当社は「お祭り広場」のイベントを担当しました。当時の社員が、お祭り広場の上から紙吹雪を降らせていたという話は、今でも語り継がれています。それまで展示は「品物を並べる」ことが中心でしたが、万博では「体験を創り出す」ことが求められました。

大阪万博をきっかけに展示業界全体が社会に認知され、当社にとっても飛躍の場となり、沖縄国際海洋博覧会（1975年）、筑波国際科学技術博覧会（1985年）、愛・地球博（2005年）と数多くの博覧会でパビリオン展示や製作に携わってきました。

――お客様からの依頼に真摯に応えてきたことが、成長の礎になったのだと感じます。事業拡大の背景には、どのような戦略があったのでしょうか？

矢野：戦略を立てる前に、お客様から「これできますか？」と相談を受けて、「やってみよう」と取り組んでいく中で自ずと事業が拡大していった、というのが実情です。もちろん、必ずしも全部が順調だったわけではありません。商業系の事業が調子の良い時期もあれば、文化系の事業が好調な時期もある。ただ、多方面のジャンルにわたる仕事をさせていただいたことで、ある領域が落ち込んでも一緒に倒れてしまうことはなく、結果として長く続けてこられたのだと思います。

言葉にならない思いまで汲み取る「丁寧な仕事」の流儀

――イベントや展示を作るうえで「価値ある体験の場を創造すること」を大切にされているそうですが、どのようなポリシーがあるのでしょうか？

本社事業本部 デザインセンター 統括部長 平井裕公氏（以下、平井）：空間をデザインするというのは、単にクライアントが伝えたいことを言語化したり、視覚化したりするだけではありません。来場されたお客様がそこで過ごす「時間」そのものをデザインする意識を持っています。私たちが作る空間は、情報を発信するだけの場ではなく、人やモノをつなぎ、新しい関係性や体験が生まれる場であってほしい。その先に持続可能な未来を創造することがあり、そこから当社のコーポレートメッセージ「Designing and Link s」にもつながっています。

展示の設計においては、クライアントにとって初めての取り組みとなるケースが多いため、伝えたい思いをいかに正確に汲み取るかを大切にしています。言葉にすることが難しい部分も含めて丁寧に拾い上げ、打ち合わせを重ねて差分を詰めていく。そうしたプロセスを通じて完成度を高めています。

――そうした理念がどのように実際のプロジェクトに結実しているのでしょうか。具体的な事例をお聞かせください。

平井：印象的な事例として、東京都水道局の「奥多摩 水と緑のふれあい館」の展示リニューアルがあります。計画・設計段階から協力し、施工まで当社で一貫して担当しました。

特に大きかったのは映像コンテンツチームとの連携です。既存の空間に地形模型を設置し、プロジェクションマッピングを投影。水道水源林の四季や水道局の水道水源林保護の管理の取り組みを360度映像で表現しました。さらに足踏みで水道水源林を散策できるバーチャル登山や、動物のカービング展示などを組み合わせ、世代や立場を問わず楽しめる仕掛けを実現しました。

1年かけて水道水源林の四季を撮影し、空間と映像を融合させた提案は、多ジャンルの実績を活かした代表的なプロジェクトとなりました。

――社内に映像コンテンツチームを設けたことで、提案力や満足度にどのような変化がありましたか？

平井：映像チームを社内に持つことでレスポンスが早く、映像ディレクターが直接お客様と話すことで安心感や信頼感にもつながっています。また、制作費用や表現方法を初期段階から見極められるため、提案の質も高まります。

外部の協力会社だけでは、時間や予算の調整に限界がありましたが、社内の映像ディレクターが計画の初期段階から参加することで、提案の幅も広がり、クライアントの信頼も高まったと感じています。

――社内に専門チームを持つことで、提案の幅と信頼性が大きく高まったのですね。そうした強みが発揮された他の事例についても伺えますか。

本社事業本部 デザインセンター デザイン1課 サブチーフ 工藤春樹氏：事例として挙げたいのが、横浜・馬車道駅にある「JICA横浜 海外移住資料館」のリニューアルです。依頼主であるJICA様からは、視覚障害のある方にも展示を楽しんでもらいたいという要望があり、点字ブロックを展示室内に一周設置しました。展示室全体を回遊できる点字ブロックは珍しく、さらに触って理解できる触察展示や、グラフィック解説の上に透明樹脂での点字を併記する工夫も行いました。

――バリアフリー対応、とくに点字については高度な配慮が必要だと思います。そのあたりはどのように取り組まれたのでしょうか。

工藤：点字にはJIS規格があり、表記をすべてひらがなに直すなど細かなルールがあります。また、グラフィック情報との整合性や触りやすさの工夫も求められます。想像だけでは限界があり、専門会社やJICAのスタッフ様に協力をお願いし、課題を抽出するプロセスを踏みました。

視覚障害といっても、完全に見えない方だけでなく、ぼやけて見える、色が判別しづらいなど多様です。すべてに対応するのは難しいですが、せめて一部でもカバーしようと考え、スタッフや利用者の声を丁寧に拾い上げました。

点字のほかにも、音声ガイドがスマートフォンで聞ける仕組みも導入しました。施設に来る前の段階でホームページやアプリを確認する方も多いため、事前アクセスのしやすさも重視しました。

――どちらの事例も、御社ならではの「丁寧な仕事」が伝わってきます。

矢野：手間と時間を惜しまない姿勢こそ、私たちの強みだと思います。当社には「頼まれると断れない」社員が多いんです（笑）。効率だけを見れば非合理かもしれませんが、その姿勢が「丁寧な仕事」と評価され、紹介案件へつながるのだと自負しています。

縦割りを超え「全員プロデューサー」に。即応力を備えた組織への真価

――クライアントの期待を超える提案をするために、どのような体制を構築されていますか？

矢野：現在は、顧客開発を担う「開発プロデュース部」、事業やプロジェクトを推進する「事業プロデュース部」、企画デザインや設計を担う「デザインセンター」、安全・品質管理を担う「ソリューションセンター」の４部門で構成されています。「営業窓口」や「制作管理」といった縦割り型ではなく、各部門の一人ひとりが幅広い領域で提案からプロデュースまで担えるよう育成している点が大きな特徴です。

こうした背景には、時代の変化に伴うスピード感の加速があります。従来のやり方では、営業が要望を聞き、週明けにデザイン部門に共有し、さらに制作に回して見積もり…と、どうしても1〜2週間のタイムラグが生じていました。

しかし今は、お客様の期待に応えるために即時対応が不可欠です。そこで「全員がプロデューサーになろう」と掲げ、幅広い知識を持ってワンストップで答えられる体制に移行しました。新規のお客様を開拓する「開発プロデュース」と、既存のお客様を深掘りする「事業プロデュース」に分け、幅広く情報を集め、クイックレスポンスで対応できる仕組みです。

さらに、先ほど平井が説明したように、4年前には映像コンテンツチームを立ち上げ、イベントでのPR映像や文化施設での展示コンテンツを内製化しました。企画提案からプログラム制作まで一気通貫で担えるようになり、空間と映像を融合させたプロデュース力を強化しています。

こうした取り組みにより、お客様から何を聞かれてもまずは応えられる「網状の動き」を実現し、スピードと柔軟性を兼ね備えた体制づくりを進めています。

――若手の育成に関しては、どのような取り組みをされていますか。

平井：デザインセンターの事例ですが、「トレーナー制度」を設けています。直属の先輩だけでなく、定年後に嘱託として在籍するベテランが若手の指導役となる仕組みです。実績豊富でスキルも高く、人格的にも尊敬される方々が、若手に「日展の社員としてどうあるべきか」「業務を進めるうえでどんな視点を持つべきか」といったアドバイスをしています。

また、部課長とトレーナーが面談を行い、進捗を確認しながら育成計画を調整します。どこまで成長したのかを確認し、「次はこの業務に挑戦させてみよう」といった判断を加える。プレイヤーの視点を踏まえて育成を進められるのが特徴です。

この仕組みはデザインセンターにとどまらず、今後は他の事業部にも広げていきたいと考えています。

他にも、社員同士が育ち合う文化を象徴する取り組みとして「N-1グランプリ」があります。最初はデザインセンターだけで始めましたが、今は事業プロデュース部を含め全社に広がりました。若手が中心ですが誰でも参加でき、各事業本部での予選を経て、代表者が役員の前でプレゼンします。今年のテーマは「新しい社章のデザイン」です。

工藤：私は第1回で優勝しました。当時、初めて担当したコンペ案件をもとに、自分の役割や壁をどう乗り越えたかを発表しました。実際の案件を振り返りながら整理できるので、自分にとっても大きな学びになりました。

平井：若い人の斬新なアイデアは大切です。ベテランが意思決定層の理解を助けることで、若手の提案が活きてきます。お客様も最終的には幅広い世代に楽しんでいただく施設を望んでいますから、若い感覚は欠かせません。

――組織づくりから人材育成まで、多方面で挑戦を重ねていらっしゃるのですね。最後に、85周年を迎え次の節目を見据えた展望をお聞かせください。

矢野：まず、グループ企業との連携について申し上げます。事業計画のサポートからプランニング、デザイン、マネジメント、運営支援まで幅広く手掛けるランドは、当社より一歩先で大規模開発や国家的イベントを担っています。当社はそこで構想されたものをプロダクトに落とし込む役割を担い、定期的に情報交換を行っています。共通のクライアントも多く、相互に協力関係を築いています。

ランドは商業開発や事業計画を得意とし、一方で文化施設は当社が担うという明確なすみ分けがあります。例えば博覧会のように「街を一つ作る」規模のプロジェクトでは、ランドが大枠を構想し、当社が具体的な展示や空間として形にしていく。そうした補完的な関係を築いています。この連携を今後も加速させていきたいと考えています。

時代の変化が激しく、次の節目に向けて明確なステップを一つひとつ描くのは容易ではありません。しかし、コロナ禍を経て「リアルな場の価値」が改めて認識されました。今後は文化施設に加え、イベント事業を拡大し、人が集い、交流し、笑顔が生まれる場を創り続けていきたいと考えています。

＜本記事はPR記事です＞
edit & write : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

巡回展から万博へ。設立85年の日展が示す「全員がプロデューサー」の真価

2025年4月13日から10月13日まで開催された大阪・関西万博では、建築や空間そのものが強いメッセージを発する展示が多く見られました。都市や森、海、循環といった普遍的テーマを、素材や光、音響でダイレクトに表現し、言葉より先に感覚で理解できる工夫が際立ちました。こちらのレポートでは、空間や建築を通じて未来を表現していたパビリオンの特徴を紹介します。


【BLUE OCEAN DOME（ブルーオーシャン・ドーム）】（NPO法人ZERI JAPAN）光と音と水が一体化した没入空間。海洋問題を「体感」として刻む

「BLUE OCEAN DOME」は、海の蘇生をテーマに、海洋プラスチックごみ問題を正面から扱う、唯一のNPOによるパビリオンです。設計は世界的建築家・坂茂（ばん・しげる）氏が手掛け、３つのドームは竹の集成材、炭素繊維強化プラスチック、再生紙の紙管で造られています。館長の代島裕世（だいしま・ひろつぐ）氏は次のように語ります。

「軽量かつ強靭な建築は、環境負荷を最小化しながらスケール感を生み出し、内部の演出を最大限に引き立てる舞台装置となっています。特にDome B は軽くて頑丈な炭素繊維強化プラスチックを用いた構造で、建築材料としては世界で初めての試みです。大切にしたのは、ドームに足を踏み入れた瞬間の没入感です」


最初に足を踏み入れるのは、持続可能な竹を集成材にした空間Dome A。そこには、水が盤面を自在に流れているインスタレーションが展示されています。白い天板から様々な表情を見せる水滴が上から下へと流れる様子は、蒸発、雨、川、湖を経て海へ戻る水の循環を表現。空間全体に静かで穏やかな雰囲気が漂います。

「耳に届く水音や、柔らかな光のゆらぎは、人間の原初的な記憶を呼び覚ますものです。最新技術ではなく、自然そのものを演出の核にしたのは、観客の身体感覚を揺さぶるためです」

演出の中心となるのは、Dome Bです。直径10メートル、約1200万個のLEDチップを2.5mmピッチという細かさで配置した半球体の超高精細ディスプレイを設置。地球の映像からはじまり光が織りなす映像は圧巻！言葉を排し、音楽とビジュアルのみで語りかけます。


一般的なイベントや商業施設で使われるLEDビジョンは、屋外で6～10mmピッチ、屋内でも3〜4mmピッチが主流。さらに今回のように、平面ではなく半球体構造に高密度で搭載するためには、技術的にも難易度が高く、非常にコストのかかる挑戦といえます。それでもDome Bがこの規模にこだわったのは、「圧倒的な映像体験で観る人に強烈な印象を残し、海洋の危機に気付いてほしい」という強い願いがあったからです。


約7分間にわたるフルCG映像では、海面を覆うプラスチックごみや、汚染された水中を漂うウミガメが描かれ、深刻な海洋環境の現状を訴えかけます。北海道知床出身の女性ボーカリスト、ハチスノイトの魂に直接触れるような力強い歌声が、作品の感動を何倍にも増幅させていきます。

「Dome Bの映像は、観る人のトラウマになるぐらい、インパクトのある映像表現を目指しました。汚染された海洋で力強く生きる生物の姿を気高く描いており、心に深く刻まれるはずです。“楽しかった”で終わらず、忘れられない感覚を持ち帰ってほしい。感情と体感を結びつけることで、行動変容につながると信じています」

体験のラストは叡智をテーマにしたDome Cの「BLUE OCEAN STUDIO」へと続きます。映像と空間演出で揺さぶられた後に、研究者や活動家と対話することで、感情を知識へ、知識を行動へと変える導線が用意されています。プレゼンテーションの撮影映像はYouTubeでも配信されています。

「展示が一方通行で終わらないことを大切にしました。心を動かす空間演出と、行動を促す場づくりを一つの流れとして結びつけています」


NPOが発信する海洋の環境問題という抽象的なテーマが、観客一人ひとりの「体感」として記憶されるBLUE OCEAN DOME。建築・光・水・音を総合的に駆使し、人間の感覚に深く訴えかける空間を実現しています。


【住友館】未知なる森を冒険する。リアルな体感から自然との共生を学ぶ

約400年におよぶ歴史の中で、森と共に歩んできた住友グループ。長きにわたり大切にしてきた森をテーマに創り上げたのが、今回の「UNKNOWN FOREST」体験、人間の知らない未知なる森を知る冒険です。
「環境保全や絶滅危惧種の保護など、自然への課題は数多くありますが、その関係性を考える時、中心はいつも人間です。けれど、そもそも森は人間とは関係なく生態系が成り立っています」と話すのは、住友館の総合プロデューサーを務める株式会社PARADEの内藤純さんです。
 
動物や昆虫や植物、多種多様な生きものが共生し、互いの個性を認め合っていきいきと森は輝いています。だからこそ、まずはそんな森本来の姿を知ろう、そこから「UNKNOWN FOREST」が始まったと語ります。
 
「UNKNOWN FOREST」は二部で構成され、リアルな森の空間体験からスタート。風の力を宿したランタンを片手に、古より森を見守ってきたマザーツリーの声に導かれ森へ。ひとたび足を踏み入れると、ひんやりとした心地よい空気が体を包みます。森のもつ独特の空気感をミストにより演出、そこに鬱蒼とした木々が合わさることで、より視界は暗く霧がかり幻想感を増幅。ランタンの灯りさえ幻想的なものに。さらに見渡すことのできない暗がりが、どこまでも果てなく森が続くかのような錯覚を抱かせます。
 
また、静けさの中に響く音楽とともに動物、鳥、虫の声、植物が揺れる音、風の吹く音など、さまざまな音響を重ね聴覚を刺激することで、心も森の中へと引き込んでいきます。



森に道案内やキャプションは一切なく、どこへ向かうのも来場者の自由。同じ森にいても、同じ森を見ているとは限りません。

中には、見つけた人だけがたどり着ける秘密の部屋のような空間も。「SNSでの話題性も狙った空間づくりをしました」と内藤さん。朝から昼、夕、夜へと森の時間は流れ、見える景色も刻々と変化、同じ場所でも演出が変化することで、広い森に迷い込んだ感覚に陥ります。


ランタンには、来場者それぞれの行動に呼応し、語りかける仕組みが施されています。ランタンが振動すれば、立ち止まって周囲を見渡しながら耳を澄ます。すると、森に息づくさまざまな生きものたちの「いのちの物語」が聞こえてきます。森の中に隠された光る切り株や光る枝にランタンを置けば、隠れていた動物や生きものたちが姿を現します。

森で見て、聞いて、感じた「いのちの物語」が次に待つ「パフォーミングシアター」へとつながっていきます。マザーツリー誕生の軌跡とその最期を見届けるクライマックスの物語。舞台はレイヤー構造で、手前には紗幕スクリーン、次に風を表現する演者と舞台装置、奥にはLEDビジョンの3層。シアター全体が森の中のように感じられる場面もあれば、外から森を覗き込んでいるような場面も。
 
「人間を含むすべてのいのちは何かが欠けている。足りないからこそ、助け合って未来に向かって生きていかないといけない。人間も大きなものの一部でしかない」という、マザーツリーのメッセージがより心に迫ります。



「日本にはたくさんの森が存在します。実際に森に足を運んで、そこに生息する動物や植物の生態系を知り、いのちの大切さを知っていただくきっかけになれば」と内藤さん。「UNKNOWN FOREST」体験を通して、森の物語の一部になったような没入感を体験できるパビリオンでした。

【日本館】日常では見ることのできない「循環」の追体験が、持続可能な社会を考えるきっかけに

経産省が出展する日本館のテーマは『いのちと、いのちの、あいだに』。「人間だけでなく、全ての動物、植物、もの、社会さえも、役目を終えると何かに受け継がれ、形を変えながら新しく生まれ変わる。そんな『いのちと、いのちの、あいだ』に目を向け、つながりの中にある“循環”をこのパビリオンでは体現しています」と白川 輝幸さん（日本館参事）。

「円環状の日本館を一巡することで、自身も循環の一部であると気づき、持続可能な社会に向け何ができるかと考えるきっかけとなれば」と話します。
日本館を作るのは円環状に並べられた巨大な木の板。板の合間からは、パビリオン内部を垣間見ることができます。境界線をあえて設けず、内と外を緩やかにつなぐ自然との融合を意識した造りは、建物全体で「あいだ」を体現します。中心はあえて空洞にし、ぐるりと回遊する動線とすることで、来場者が常に「循環」を意識する工夫が施されています。


日本館はプラント、ファーム、ファクトリーの3エリアで構成され、円環は大きく3つに分かれます。エリアとエリアをつなぐイントロダクション部分には、円錐状の大きな砂時計を展示。「いのち」から「いのち」へ生まれ変わる様子を視覚的に表すとともに、来場者の学びとなる内容を明確化し、メッセージとして提示しています。1つの循環が終わると、また次のいのちが生まれるイントロダクションへとつながり、再び新しい循環がスタート。何度も循環を繰り返すような感覚を覚える空間が演出されていました。

日本館の別名は「ごみを食べるパビリオン」。プラントエリアでは、万博会場で出た生ごみを微生物の力で分解、水やエネルギーを生み出し、「ごみ」から「水」へと循環させます。展示だけでなく、実際にごみの分解を行うことで、目に見えない「循環」が確かにあるという実在感を来場者に示します。

日本館の中心にあるひらけた空間には、生ごみから生まれた水が入った巨大な水盤。館の中心にはあえて何も置かず、意味をもたせず、ただただ純粋に循環を感じてほしいという思いが込められています。


また、プラントエリアには注目を集める「火星の石」の展示も。隕石の一部に実際に触れることができ、配布されるシリアルナンバー入りの観覧証明カードは万博の思い出に。

次に向かったのは藻類にスポットライトを当てたファームエリアです。藻類は、食料源や石油に代わる燃料源、CO2を吸収する、化石燃料の過度な依存や食料不足を解決し得る存在として期待されていますが、世間的な知名度はまだまだなのだとか。「あれ藻 これ藻 それ藻」と題したくすっと笑えるイントロダクションや、藻類に扮したハローキティの展示など、藻類の魅力を広める工夫を随所に感じます。
また、ファームエリアには光エネルギーを吸収し、少量の水で藻類を育てる装置「フォトバイオリアクター」を設置。スーパーフードとして注目を集める藻類「スピルリナ」を実際に培養します。作り込まれた本物の展示が、より来場者の関心を高めていました。 


最後のファクトリーエリアで展示されるのは日本の「循環型ものづくり」。ヨーロッパでも近年、話題となっていますが、日本では古くからその精神が受け継がれています。建築やモノづくりなど、あえて「やわらかく」作ることが生まれ変わりへの第一歩。「竹籠」の構造をヒントに生まれたサッカーボールなど、日本の伝統的発想から生まれた「技術」や「もの」の素晴らしさを感じました。また、日本館のあちこちに置かれたスツールは３つの座面をつないで組み立てられたもの。藻類とバイオプラスチックを合わせた特殊な素材を用い3Dプリントで制作、あらかじめ解体しやすいように設計されています。


力をしなやかに受け止め、古くなれば簡単に解体し新しいものに作り替えられる。日本館に使用されている木（CLT合板）は再利用しやすいようにと、ニスなどは使用せず加工は最小限に。会期終了後、ユニフォームはリサイクルされる予定です。「はじまりもおわりもない循環というストーリーを展開しています」と白川さん。
 
「開催国ということで、日本古来の技術や精神を示すことがホスト館としての役割だと考えています。今回の万博で体験した記憶が、少しでも行動を変えるきっかけとなり、次の世代へと受け継がれていけば…というのが日本館として一番の願いです」。


【イタリア館】都市そのものを舞台に、ミニマルな演出で真の芸術が静かに心を揺さぶる

イタリアのパビリオンは、建築家マリオ・クチネッラによる設計で、「L’Arte Rigenera la Vita（芸術が生命を再生する）」をテーマに掲げています。ルネサンス期の理想都市を現代的に再解釈し、劇場、広場、庭園といった都市の象徴的空間が連なり、来場者を包み込む建築そのものがイタリアの文化的アイデンティティを体現しています。持続可能性や社会的再生への問いを投げかける設計は、万博の理念と響き合っています。

来場者が最初に足を踏み入れるのは、コロッセオを思わせる没入型劇場。イタリアのアートや文化を紹介する映像を視聴した後、映像を映していたビジョンが扉となり、次の空間「広場」へと導かれます。


「広場」には、天井に大きな木製飛行機の模型が吊り下げられています。これはローマから東京まで100日以上をかけて航行した飛行機の骨格を復元したもので、かつての長く困難な旅と、それを通じて育まれた交流の記憶を呼び覚まします。


広場の中心に位置するのは、ナポリ国立考古学博物館から貸し出された2世紀の大理石彫刻「ファルネーゼ・アトラス」です。巨人アトラスが天球儀を担ぐ姿は圧倒的な存在感を放ち、来場者を古代から現代へと導きます。

また「making with the hands（手による創造）」と名付けられたエリアでは、デジタル、クラフト、先端製造、科学、芸術が交差するアトリエ体験が展開されています。モレスキンのノートと折り紙を重ね合わせた展示は、イタリアの職人技と創造力を示しています。


産業展示ではフェラーリのブレーキシステムやピアジオのスクーターなど、イタリアを代表する製品が紹介されています。さらに屋上にはレストランと開放感のある屋上庭園が広がります。

歴史、美術、未来、産業、食文化――イタリア館はそれらを一つの物語として編み上げ、訪れる人々に「いのち」と「再生」の意味を問いかけます。ローマから日本大阪へとつながる友情の航海、古代のアトラス像、そして現代のイノベーションが有機的に結びつき、「文化と未来をつなぐ舞台」として記憶に残る展示空間でした。

【大阪・関西万博レポ①】空間が語りかける。建築と演出が生み出す唯一無二の体験

麻布台ヒルズ クリスマスマーケット 2025

11月22日（土）から12月25日（木）まで、冬の風物詩「麻布台ヒルズ クリスマスマーケット 2025」が開催中です。世界各国のグルメや雑貨を扱う全17店舗が集結。煌びやかな光に包まれる中央広場で、心温まるホリデーシーズンを楽しめます。

中央広場の芝生エリアには、ライティングデザイナー・加藤久樹氏が手がけるクリスマスツリーが登場。光り方の異なる5種類のライティングで彩られたもみの木が、訪れる人々を温かく迎えます。

さらに、麻布台ヒルズの地下通路「セントラルウォーク」では、アーティスト三澤遥氏による「くるり子」の展示を実施。小さなキャラクターたちが音楽に合わせて踊る、幻想的な世界が広がります。

12の飲食店では、目の前で仕上げるできたてのメニューが登場。三國清三氏がプロデュースする「Dining 33」では、たっぷりのラクレットチーズをかけた「とろけるラクレットチーズと冬野菜＆ソーセージのグリル」を提供。「Minimal - Bean to Bar Chocolate -」では、温かいチョコレートを苺にかけた「チョコレートストロベリー」が登場します。

さらに、プレッツェル専門店「BREZEL KING」や、ドイツと日本の食文化を融合させた「CAFÉ & BAR B」など、初出店の味も楽しめます。平日限定のランチセットや、グリューワインのポットサービスなども実施され、昼も夜も異なる表情で味わえるマーケットです。

5つの物販店では、心ときめくクリスマス雑貨が揃います。ドイツの名店「ケーテ・ウォルファルト」は、関東エリア最大規模で出店し、「くるみ割り人形の王様」など限定商品を展開。初出店の「SiKiTO」では、麻布台ヒルズの植栽を取り入れた特別なブーケやリースを販売。また「MAMBO by CLASKA」では、人気キャラクター・MAMBOの冬小物が並び、ギフトセットやラッピングも充実しています。


きらめくツリーの光、街に漂う冬の香り、手のひらに届く温かなグルメ。マーケットを楽しんだ後は、セントラルウォークのアートやタワープラザのイルミネーションを巡りながら、
街のあちこちに散りばめられたクリスマスの世界を、ぜひ満喫してください。

edit & write: yoko sueyoshi

イベント名：麻布台ヒルズ クリスマスマーケット 2025
会期：2025年11月22日（土）〜12月25日（木）
会場：麻布台ヒルズ　中央広場


※展示内容・イベント・開場時間は変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。
